Long Play

Long Play descansa por vacaciones

2010-07-31T00:15:00.000+02:00

Después de una temporada dura, donde hemos sobrepasado las 1000 descargas online, hemos tenido invitados de la talla de Toni Peret, Mike Platinas, Closed, etc., hemos seguido montando nuestras fiestas, ampliado nuestro número de oyentes y lugares del mundo desde donde nos escuchan. Creemos que nos hemos ganado unas merecidas vacaciones, así que nos tomamos un pequeño descanso hasta mediados de Septiembre, para volver con las pilas totalmente cargadas, con nuevos proyectos, retos y novedades.

Recuerda que nos tienes siempre a tu disposición en nuestra web, con mucho entretenimiento para tu tiempo libre.

Desde Long Play te deseamos FELICES VACACIONES!!! ;-)

Sesión musical Fiesta Fin Temporada 09/10

2010-07-30T23:56:00.000+02:00

Te pasamos la sesión musical de la Fiesta Fin de Temporada Long Play 09/10, de la mano de Rafa Quintero, celebrada el 17 de Julio en la Coctelería Valuart; 3 horas de la mejor música disco 80's en un 'in the mix' que hizo bailar y disfrutar a todos los asistentes, siéntete uno más y disfrútalo con nosotros. Saludos!!! ;-)

Sesión Musical Valuart

Fotos Fiesta Final Temporada Long Play 80

2010-07-19T01:37:00.000+02:00

Aquí os pasamos las fotos de la Fiesta Long Play 80 Final Temporada 2009/10, del pasado Sábado 17 de Julio en la exclusiva Coctelería Valuart. Contamos con una gran afluencia de amantes de la buena música disco 80, oyentes, amigos y simpatizantes, que compartieron esa inolvidable velada 80's con nosotros. Podréis ver lo bien que se lo pasó todo el mundo, un grupo de gente sana, con ganas de pasarlo muy bien. Muchísimas gracias a tod@s l@s asistentes por venir y en especial a Cristina Audet, y a Coctelería Valuart por su amabilidad. Os esperamos a todos en la siguiente!!!

FOTOS FIESTA LONG PLAY 80 FINAL TEMPORADA 09/10

Nueva compilación en DVD de Kylie Minogue

2010-07-06T19:10:00.001+02:00

Kylie Minogue es objeto de una nueva compilación en DVD, “Kylie - Rare & Unseen”, que se edita esta semana. La compilación, de 60 minutos de duración, incluye entrevistas con Kylie en todas las etapas de su carrera, incluyendo una entrevista en Australia cuando tenía tan sólo 21 años.

Fuente: Remember The Eighties

Jermaine Jackson lanzará “Dynamite Videos”

2010-07-06T18:58:00.000+02:00

Jermaine Jackson lanzará un EP (Extended Play, versiones extendidas) de vídeos el 19 de Julio, “Dynamite Videos”, con los vídeos de sus éxitos “Do What You Do”, “Dynamite”, “Sweetest Sweetest” y “When the Rain Begins To Fall”, además de la inédita mini-película “Black Godfather”.

Fuente: Remember The Eighties

Kool and The Gang encabezará la gira “80s Rewind”

2010-07-01T01:23:00.002+02:00

Kool and the Gang encabezará una nueva gira por el Reino Unido, que tendrá lugar en Navidad. La gira, llamada “80s Rewind”, también contará con las actuaciones de Sister Sledge, ABC, Howard Jones, Go West, T' Pau y The Christians, y realizarán ocho shows alrededor del Reino Unido en Noviembre y Diciembre.

Fechas de la gira “80s Rewind”

NOVIEMBRE
30 - Birmingham LG Arena

DICIEMBRE
1 - Wembley Arena
2 - Manchester MEN Arena
3 - Newcastle Arena
5 - Glasgow SECC
6 - Sheffield Arena
8 - Cardiff CIA
9 - Bournemouth BIC

Fuente: Remember The Eighties

Nueva gira de Human League

2010-07-01T01:23:00.001+02:00

The Human League han anunciado una gira por el Reino Unido, con dieciséis espectáculos previstos en Noviembre y Diciembre. Será la primera durante casi diez años para incluir nuevo material en el conjunto.

La gira -que, de momento, no incluye conciertos en España- pasará por Gran Bretaña, Irlanda, Holanda y Bélgica.

Fechas de la gira

NOVIEMBRE
27 Winter Gardens, de Margate (Gran Bretaña)

28
Cliffs Pavilion, de Southend (Gran Bretaña)

30
Apollo, de Manchester (Gran Bretaña)

DICIEMBRE
1
Shepherd's Bush Empire, de Londres (Gran Bretaña)

2
The Anvil, de Basingstoke (Gran Bretaña)

4
Civic, de Wolverhampton (Gran Bretaña)

5
Apollo, de Oxford (Gran Bretaña)

6
University, de Leeds (Gran Bretaña)

8
De Montfort Hall, de Leicester (Gran Bretaña)

9
Academy, de Glasgow, (Gran Bretaña)

10
Academy, de Newcastle (Gran Bretaña)

12
Vicar, de Dublín (Irlanda)

13
Savoy, de Cork (Irlanda)

15
INEC, de Killarney (Irlanda)

16
Black Box, de Galway (Irlanda)

17
TF Royal Theatre, de Castlebar (Irlanda)

20
Concertgebouw Brugge, de Brugge (Bélgica)

21
Ancienne Belgique, de Bruselas (Bélgica)

22 y 23
Paradiso, de Ámsterdam (Holanda)

Fuentes: Remember The Eighties y Publispain

Yazoo, nuevo CD en vivo 25 años después

2010-06-30T01:08:00.006+02:00

YAZOO, “RECONNECTED LIVE”, NUEVO CD EN VIVO 25 AÑOS DESPUÉS

El próximo 27 de Septiembre saldrá a la venta “Reconnected Live”, un álbum en directo de Yazoo, que se pondrá en circulación en formatos de doble CD, LCD, una edición limitada de lujo de 2-CD contenida en un libro de tapa dura de 32 páginas y descarga digital. Grabado los días 18 y 19 de Junio de 2008 en el Hammersmith Apollo de Londres, durante la gira de reunión de Yazoo. Vince Clarke y Alison Moyet reunidos por primera vez en 25 años.

Tracklisting

CD 1

Nobody's Diary
Bad Connection
Mr. Blue
Good Times
Tuesday
Ode To Boy
Goodbye '70s
Too Pieces
In My Room
Anyone
Walk Away From Love

CD 2

State Farm
Sweet Thing
Winter Kills
Midnight
Unmarked
Bring Your Love Down (Didn't I)
Don't Go
Only You
Situation

Fuentes: Remember The Eighties y MúsiKQMGusta

R.E.M. reeditará “Fables of the Reconstruction”

2010-06-30T01:08:00.005+02:00

Es quizá uno de sus discos menos conocidos, pero cuando se cumplen 25 años de su lanzamiento, R.E.M. ha decidido reeditar “Fables Of The Reconstruction” (1985) en una edición especial.

De este modo, el que fuera tercer disco de los norteamericanos, volverá a ver la luz en una edición 25 aniversario que incluirá tanto el disco original, como uno extra llamado “The Athens Demos”, con maquetas y temas inéditos. El disco será publicado el próximo 13 de Julio en doble CD, vinilo de 180 gramos y descarga digital.

R.E.M. está de actualidad, ya que acaba de salir del estudio terminando la primera sesión de grabación de su próximo disco. Aún no hay fecha definitiva ni título confirmado del nuevo álbum de los chicos de Athens, de momento se especula con que podría estar disponible en otoño de este año.

Contenido de “Fables of the Reconstruction (25th Anniversary Edition)”

CD 1 (álbum original)

1. “Feeling Gravity's Pull”
2. “Maps and Legends”
3. “Driver 8”
4. “Life and How to Live It”
5. “Old Man Kensey”
6. “Can't Get There From Here”
7. “Green Grow the Rushes”
8. “Kohoutek”
9. “Auctioneer (Another Engine)”
10. “Good Advices”
11. “Wendell Gee”

CD 2 (“The Athens Demos”)

1. “Auctioneer (Another Engine)” (demo)
2. “Bandwagon” (demo)
3. “Can't Get There From Here” (demo)
4. “Driver 8” (demo)
5. “Feeling Gravity's Pull” (demo)
6. “Good Advices” (demo)
7. “Green Grow the Rushes” (demo)
8. “Hyena” (demo)
9. “Kohoutek” (demo)
10. “Life and How to Live It” (demo)
11. “Maps and Legends” (demo)
12. “Old Man Kensey” (demo)
13. “Throw Those Trolls Away” (demo inédita)
14. “Wendell Gee” (demo)

Fuente: M80 Sound Blog

Propaganda, edición de lujo de “A Secret Wish”

2010-06-30T01:08:00.004+02:00

Propaganda lanzará una edición de lujo de su álbum “A Secret Wish” el 2 de Agosto para conmemorar el 25 aniversario de la versión original. La nueva edición de 2CD's contará con el álbum original junto con varios remixes que antes estaban solamente disponibles en cassette y vinilo, en un CD, y un segundo disco con material extra, incluyendo el mix completo de cassette de 20 minutos de “Duel”, el remix del tema inédito de Trevor Horn “Dr. Mabuse (Thousand Eyes)”, una versión work-in-progress de “The Chase” y 12” mixes de 10 minutos de “Frozen Faces” y “p-Machinery”.

Tracklisting

Edición Inical en Vinilo 1985
A - WITHIN
"Dream Within A Dream" – 8:04
"The Murder Of Love" – 5:12
"Jewel" – 3:10
"Duel" – 4:43
B - WITHOUT
"p:Machinery (album mix)" – 3:50
"Sorry For Laughing" – 3:25
"Dr. Mabuse (first life)" – 5:00
"The Chase" – 4:03
"The Last Word/Strength To Dream" – 3:01
"Dream Within A Dream" tiene la letra del poema "A Dream Within A Dream" de Edgar Allan Poe. "The Last Word" es un remix instrumental de "Dr. Mabuse". "Strength To Dream" es la línea de apertura de "Dream Within A Dream".

Edición Inicial en CD 1985
"Dream Within A Dream (extended remix)" – 09:09
"The Murder Of Love" – 5:12
"Jewel (cut rough - edited intro)" – 6:22
"Duel (CD remix)" – 4:42
"Frozen Faces" – 4:25
"p:Machinery (single mix)" – 3:51
"Sorry For Laughing" – 3:27
"The Chase" – 4:04
"Dr Mabuse" – 10:41
nota: el CD original de US refleja la edición del LP, no de este CD

Reedición Japonesa en CD
"Dream Within A Dream" – 8:04
"The Murder Of Love" – 5:18
"Jewel" – 3:11
"Duel" – 4:48
"Frozen Faces" – 4:25
"p:Machinery" – 3:50
"Sorry For Laughing" – 3:27
"Dr. Mabuse (first life)" – 5:04
"The Chase" – 4:05
"The Last Word/Strength To Dream" – 3:02
"Femme Fatale (The Woman With The Orchid)" – 3:21
"Dr. Mabuse (13th Life)" – 6:36
"Duel (bitter-sweet)" – 7:36
"(la envolvente versión beat de) p:Machinery" – 10:47

Reedición del 20 Aniversario
CD
"Dream Within A Dream" – 9:08
"The Murder Of Love" – 5:12
"Jewel" – 6:22
"Duel" – 4:42
"Frozen Faces" – 4:25
"p:Machinery" – 3:51
"Sorry For Laughing" – 3:27
"The Chase" – 4:04
"Dr. Mabuse" – 10:41
DVD
"Duel (Version 1)" – 4:52
"p:Machinery" – 3:48
"Dr. Mabuse (Version 1)" – 4:50
"Dr. Mabuse (Version 2)" – 4:30
[edit]SACD release
"Dream Within A Dream" – 8:06
"The Murder Of Love" – 5:17
"Jewel" – 6:23
"Duel" – 4:48
"Frozen Faces" – 4:22
"p:Machinery" – 3:50
"Sorry For Laughing" – 3:27
"Dr. Mabuse" – 5:04
"The Chase" – 4:05
"Strength To Dream" – 3:00

2CD Deluxe Edition 2010
CD 1
"The Dark Religions Depart…"
"Dream Within A Dream" - 9:09
"The Murder Of Love" - 5:14
"Jewel" - 6:21
"Duel" - 4:42
"Frozen Faces" - 4:24
"P:Machinery" - 2:%2
"Sorry For Laughing" - 3:28
"The Chase" - 3:55
"Dr. Mabuse" - 10:42
Analogue Variations
"Dream Within A Dream" - 8:04
"Jewel" - 3:10
"Duel" - 4:42
"P:Machinery" - 3:49
"Dr. Mabuse" [first life] - 5:03
"The Last Word (Strength To Dream)" - 3:03
CD 2
"…And Sweet Science Reigns"
"Do Well" [The first cut/Duel/Jewel (cut rough)/Wonder/Bejewelled] - 20:07
"Testament One" - 1:20
"Die Tausend Augen Des Mabuse" - 9:47
"Sorry For Laughing" [unapologetic 12" version] - 10:12
"Thought" [part one] - 2:08
"Thought" [part two] - 0:29
"P:Machinery" [Goodnight 32 mix] - 4:12
"The Chase" [Goodnight mix] - 4:02
"(Echo Of) Frozen Faces" - 10:20
"P:Machinery" [p:Polish] - 9:24
"Testament Three" - 0:26

Fuente: Remember The Eighties y Wikipedia

Cover de “People are People” de Depeche Mode

2010-06-30T01:07:00.000+02:00

Lady Gaga Planea Hacer un Cover del Clásico de Depeche Mode “People are People”

La canta-autora Estadounidence planea hacer el cover de la banda británica Depeche Mode de uno de los clásicos de 1984 “People are People”, en una entrevista con la emisora Radio SGC declaro “Realmente podría darle un sonido único”.

La inspiración viene de muchos 'mash-ups' que circulan por internet entre Depeche Mode y algunas de sus canciones, comentó: “Literalmente paso horas en YouTube, cada día leo lo que la gente dice de mí, en sus comentarios y yo estaba tan sorprendida de que muchos de los fans de Depeche Mode son seguidores de Lady Gaga. No sabía que la banda existía hasta que ví un 'mash-up' de “Paparazzi” con “Just Can’t Get Enough”, les aconsejo que echen un vistazo a Depeche Mode, son tan subestimados”.

Durante la misma entrevista parece creer que Vince Clarke (Erasure) sigue con Depeche Mode: “Soy una gran fan de Erasure y fue tan divertido enterarme que Vince es parte también de Depeche Mode! Es tan diferente al sonido de Erasure”. Entonces cómo eligieron “People are People”? Gaga: “Mi manager eligió la canción para mí, él sabe mucho mejor”.

Así que ya saben que pueden esperar… “una versión Erasure de “People are People” con el toque de Lady Gaga”.

Aquí les presentamos algunos de los 'mash-ups' entre Lady Gaga y Depeche Mode.

Fuente: Devotion Mode

Sabrina y Samantha Fox resucitan el erotismo de los 80

2010-06-14T22:08:00.007+02:00

Con unos cuantos años más pero igual de escotadas que entonces y luciendo un indiscutible tipazo, las dos divas muestran en el vídeo su complicidad.

La británica Samantha Fox y la italiana Sabrina, iconos eróticos de los años 80 y eternas rivales de la época, han retornado al mundo de la música y lo han hecho juntas con una versión de “Call me”, clásico del grupo Blondie, en la que ambas demuestran que quien tuvo, retuvo.

Veinte años después de que las dos cantantes encandilaran a miles de adolescentes de la época, tanto con los ritmos de sus canciones como con sus exuberantes cuerpos, ambas han rescatado ahora en su regreso al mundo musical uno de los éxitos de los 80's, “Call me” (Llámame) de Blondie, una banda liderada por otro icono sexual de la época, Deborah Harris.

Samantha Fox se ha referido en su web oficial (www.samfox.com) a la grabación de un videoclip junto a su ahora amiga Sabrina, y confesaba que ambas habían disfrutado mucho grabando juntas este tema.

A pesar de que Samantha ha cumplido ya los 43 años y Sabrina los 42, ambas constatan que se mantienen en forma, moviéndose como lo hacían hace veinte años, la británica con su inolvidable “Touch me” y la italiana con una canción que se convertiría en todo un himno, “Boys, boys, boys”.

Fuente : La Razón

“History of Modern” Tour de OMD

2010-05-26T18:39:00.013+02:00

OMD han anunciado fechas en Reino Unido y Europa en Octubre y Noviembre. Su “History of Modern” tour contará con la formación clásica de Andy McCluskey, Paul Humphreys, Martin Cooper y Malcolm Holmes, y apoyará su próximo nuevo álbum del mismo nombre.

Las fechas del tour son las siguientes:

REINO UNIDO

29/10 - Brighton, Dome

31/10 - Bristol, Colston Hall

01/11 - Nottingham, Royal Centre

02/11 - Glasgow, Concert Hall

04/11 - Liverpool, Arena

05/11 - Ipswich, regent

07/11 - London, Hammersmith Apollo

08/11 - Birmingham, Symphony Hall

EUROPA

11/11 - Cologne, E-work

12/11 - Hannover, Capitol

13/11 - Leipzig, Haus Auensee

15/11 - Stuttgart, theatrehaus

16/11 - Munich, Tonhalle

18/11 - Berlin, Tempoddrom

19/11 - Hamburg, Docks

21/11 - Luxembourg, venue TBC

22/11 - Brussels, Ancienne Belgique

23/11 - Amsterdam, Paradiso

25/11 - Casino De Paris

Para información de pre-venta de entradas visita http://www.omd.uk.com/

Fuentes : Remember The Eighties y Cure Connections

FIESTA FIN DE TEMPORADA LONG PLAY 80!!!!

2010-05-25T18:26:00.000+02:00

Te invitamos a la gran Fiesta Fin De Temporada de tu programa de música Disco 80's Long Play. Será el próximo Sábado 17 de Julio, a partir de las 23h y hasta las 3h, en la exclusiva y céntrica Coctelería Valuart, en calle Tuset, nº 3; esquina con Diagonal, en Barcelona.

Toda la música Disco 80's que seguro que te transportará a esa maravillosa década de la mano de Rafa Quintero, al control de la máquina del tiempo!!!

ENTRADA COMPLETAMENTE GRATIS, sólo te pedimos que cuides tu forma de vestir para darle un toque de elegancia a la fiesta, de acorde con tan elegante sala en la zona VIP de Barcelona.

Aforo de 300 personas, ven pronto y no te quedes fuera!!!!

Ven con nosotros a celebrar todo un año de buena música disco 80's con la fiesta más refrescante del verano!!!!

TE ESPERAMOSSSSS!!!!! ;-)

Vídeo 2ª Fiesta Long Play 80

2010-04-12T12:55:00.006+02:00

Aquí te pasamos el vídeo de la 2ª Fiesta Long Play 80, para que recuerdes aquella tarde tan mágica donde un montón de amigos, seguidores, oyentes, singles y artistas disfrutaron de un ambiente 80's como no se vivía desde hacía mucho tiempo en Barcelona. Queremos dar las gracias a todos los asistentes, a todos nuestros amigos y colaboradores, a Toni Peret por deleitarnos con una inolvidable sesión 80's, a nuestro gran amigo y 'cuñao' Mike Platinas, a la formación Closed por obsequiarnos con una magnífica actuación, a nuestro colaborador y amigo Julián Buenavista, a nuestro gran amigo Jordi, y muy especialmente a Martín Rodríguez Sánchez por la realización y producción del vídeo que a continuación veréis, para contactar con él y su empresa, "Elefantes con Tirantes Atelier", te pasamos la dirección de e-mail elefantesfilms@gmail.com, el móvil 600089999, gran persona, gran profesional y amigo de Long Play. Muchísimas gracias Martín!!!! Disfrútalo a tope!!! Nos vemos en la siguiente, un abrazo para todos!!!!

Sesión musical 2ª Fiesta Long Play 80

2010-04-09T00:15:00.003+02:00

Aquí te pasamos la sesión completa de la 2ª Fiesta Long Play 80, dividida en 2 partes, para que puedas escucharla y si quieres descargarla e incluso grabarla para tenerla de recuerdo. Esperamos que te guste, disfrútala!!!

Para que los que asistísteis podáis volver a revivir aquel día tan especial, y para que los que no pudísteis venir, podáis sentiros cómo si hubiérais estado allí.

La 1a parte incluye la presentación de la fiesta de la mano de nuestro gran amigo y organizador Julián Buenavista y la gran sesión que se marcó Toni Peret, y la 2a parte incluye una sesión más pop a cargo de Julián Buenavista y la actuación de los Closed, con su nuevo tema "Crazy Love".

En total unas 3 horas de una sesión 80's inolvidable!! Os la recomendamos!!!!

Aquí tenéis los links directos:

1a Parte:

2ª Fiesta Long Play 80 (1a Parte)

2a Parte:

2ª Fiesta Long Play 80 (2a Parte)

Fotos 2ª Fiesta Long Play 80

2010-03-23T11:25:00.012+01:00

Aquí os pasamos las fotos oficiales de la 2ª Fiesta Long Play 80, en la cual contamos con una gran afluencia de amantes de la buena música disco 80; entre oyentes, amigos, simpatizantes y singles, que compartieron esa inolvidable tarde con todos nosotros. Podréis ver lo bien que se lo pasó todo el mundo, con muy buen rollo en toda la sesión, un grupo de gente sana, con ganas de pasarlo muy bien, también encontraréis imágenes de cabina y generales de la sala. Muchísimas gracias a tod@s l@s asistentes por venir y os esperamos en la siguiente!!!

FOTOS 2ª FIESTA LONG PLAY 80

AGRADECIMIENTOS

Queremos agradecer la gran colaboración a todos los organizadores y participantes. Agradecimientos a: Toni Peret por habernos hecho disfrutar como nunca con una sesión 80's memorable; también a Mike Platinas por su visita, simpatía, amabilidad y buen hacer; a nuestros amigos de la formación Closed por visita, simpatía y por deleitarnos con esa gran actuación de su nuevo tema; a Jordi, gran amigo, gran persona y gran dj; a Marc Arasanz y Carles Peñalver, por su amistad y colaboración en el evento. Agradecimientos a la gran sala The Roxy Blue, por dejarnos organizar la fiesta y hacer que nos sintiéramos como en casa. Y agradecimientos especiales a Julián Buenavista y a su grupo de singles Singles Week End

Por supuesto también agradecer a la emisora, Ràdio Despí 107.1 FM, a su director y gran amigo Rafa Rodríguez, porque sin su apoyo no hubiera sido posible esta 2ª Fiesta Long Play 80. Por supuesto a Álex Naranjo, por su ayuda promocionando cada tarde la fiesta en el programa que dirige magistralmente en Ràdio Despí de 16h a 20h, llamado Fórmula 107, así como también a cada uno de sus miembros por su colaboración anunciando el evento.

Gracias también para la gran web de singles Singles Barcelona, que han contribuido con su trabajo a que la fiesta fuera todo un éxito.

También gracias a Martín Rodríguez Sánchez por realizar el vídeo oficial de esta fiesta.

Agradecimientos muy, muy, muy especiales al corazón y alma de la fiesta, María José Rogel, pues sin su colaboración, su ayuda y su apoyo incondicional no se hubiera podido llevar a cabo.

Y por supuesto a ti, que asististes a la fiesta, sin ti que eres lo más importante, no hubiera tenido sentido tanto esfuerzo y dedicación como le hemos puesto con mucho cariño, a esta 2ª Fiesta Long Play 80. Sino pudistes venir te esperamos con los brazos abiertos en la siguiente.....!!!!!

Muchísimas gracias de todo corazón!!!

Un abrazo a tod@s!!!

Toni Peret visita Long Play

2010-03-23T11:20:00.006+01:00

Antonio Peret Alcalde (Toni Peret) nace el 24 de Mayo de 1964 en Barcelona. A los 14 años de edad continúa los estudios en un centro de formación profesional de medios audiovisuales. Aunque su afición por el mundo de la música y la radio empezó desde muy joven, no tuvo la primera oportunidad de trabajar en un medio de comunicación hasta los 17 años. El 1 de Noviembre de 1981 firma contrato con Radio Miramar como montador musical. Siete meses más tarde debutó en Radio Minuto de Barcelona, como discjockey/presentador de Radio Fórmula, realizando un programa dance dónde comenzó a hacer sus primeros mixes.

El pasado Jueves 18 de Febrero tuvimos a Toni Peret en directo en nuestros estudios, repasando toda su carrera en un especial dedicado a este gran maestro de los megamixes. Toni se lo pasó genial repasando toda su larga trayectoria profesional con nosotros, sus mixes, anécdotas, curiosidades y mucho más, en casi 120 minutos de entrevista. Además de la participación de nuestros oyentes, entre ellos otro grande de las mezclas y gran amigo de Toni, Javier Ussia. Te recomiendo que no te la pierdas, lo conocerás mucho más, tanto artísticamente como personalmente.

Por si no pudiste escucharlo en directo, te dejamos el link para escucharlo en diferido:
Long Play Especial Toni Peret

Muchísimas gracias por todo Toni!!!! ;-)

Cuña 2ª Fiesta Long Play 80

2010-03-23T01:23:00.003+01:00

Aquí os pasamos la cuña oficial de la 2ª Fiesta Long Play 80, celebrada el domingo 21 de Marzo en The Roxy Blue, para que la podáis escuchar!!!

Información 2ª Fiesta Long Play 80

2010-03-17T01:37:00.005+01:00

VUELVE LA AUTÉNTICA FIESTA LONG PLAY 80

Domingo 21 de Marzo, a partir de las 18h, vive la genuina y original sesión 80's en la discoteca Roxy Blue, calle Consejo de Ciento, 294; entre Balmes y Rambla de Catalunya, en pleno centro de Barcelona.

En esta ocasión contaremos con Toni Peret como Dj invitado, capitaneando la cabina y transportándonos a la mágica e inolvidable década de los 80's.

También disfrutaremos de la presencia de su compañero de megamixes Josep Maria Castells, Mike Platinas y del dúo Closed.

Pásatelo en grande con tus amigos por tan sólo 10€ con consumición incluida, y esto no es todo, hasta las 19h te invitamos a una copa de cava. Además, si eres de los 200 primeros en entrar, te regalaremos 1CD exclusivo Long Play.

Fiestas Long Play 80, eventos de calidad hechos con cariño hacia los 80's.

SÓLO FALTAS TÚ, ESTA FIESTA HARÁ HISTORIA!!!

BOBBY McFERRIN

2010-01-12T00:54:00.003+01:00

Robert "Bobby" McFerrin, Jr. (nacido el 11 de Marzo de 1950) es un cantante y director de orquesta. Es muy conocido por su éxito de 1988 “Don't Worry, Be Happy”. Es ganador de diez premios Grammy.

Vida

McFerrin nació en Manhattan, Nueva York, hijo del difunto barítono de ópera Robert McFerrin y de la aspirante a cantante Sarah Cooper. Robert fue el primer afroamericano en ser un asiduo a la Ópera Metropolitana de Nueva York.

Bobby McFerrin se casó con Debbie Green en 1975 y tuvieron tres hijos.

Técnica vocal

McFerrin cambia rápidamente y con fluidez entre los registros normales y falsete para crear efectos polifónicos, realizando perfectamente tanto la melodía principal como el acompañamiento de las canciones. Hace uso de la percusión vocal creada conjuntamente con su boca y dándose golpecitos en el pecho. McFerrin es también capaz de cantos armónicos - como los que aparecen en su canción “Drive” del DVD de 2005 Live in Montreal. Estas aptitudes le convirtieron en uno de los precursores en el ámbito del beatboxing.

Un documento notable del acercamiento de McFerrin al canto es su álbum de 1984 “The Voice”, el primer álbum de solo jazz vocal grabado sin acompañamiento ni mezcla de sonido.

Carrera

La canción de McFerrin “Don't Worry, Be Happy” fue un número 1 U.S. pop hit en 1988 y ganó los honores de Canción del Año y Grabación del Año. McFerrin también ha trabajado en colaboración con artistas instrumentales incluyendo pianistas como Chick Corea, Herbie Hancock y Joe Zawinul, el baterista Tony Williams, y la chelista Yo-Yo Ma.

En 1987, interpretó la canción principal para los créditos de apertura de la 4a Temporada de ‘The Cosby Show’, y poco después también la música para un anuncio de chocolate Cadburys.

En 1986, fue la voz de Santa Bear en ‘Santa Bear's First Christmas’ y en 1987 fue la voz de Santa Bear / Bully Bear en la secuela ‘Santa Bear's High Flying Adventure’.

En 1989, compuso e interpretó la música para el corto de Pixar ‘Knick Knack’. El corte bruto en el que McFerrin grabó su voz tenía las palabras "blah blah blah" en lugar de los créditos finales (con la intención de indicar que debía improvisar). McFerrin espontáneamente decidió cantar "blah blah blah" como letra, y la versión final del cortometraje incluye estas palabras durante los créditos finales.

También en 1989, formó un grupo de diez personas llamado ‘Voicestra’, que aparece en el álbum de 1990 “Medicine Music” y en el documental ganador del Oscar de 1989 ‘Common Threads: Stories from the Quilt’. La canción “Common Threads” ha vuelto a aparecer con frecuencia en algunos anuncios de servicio público para prevenir el SIDA.

McFerrin también se realiza con su voz

En 1993, él también cantó “Pink Panther” de Henry Mancini, tema principal de la película ‘Son of the Pink Panther’.

Además de su carrera artística como vocalista, McFerrin fue nombrado en 1994 como presidente creativo de la Saint Paul Chamber Orchestra. Realiza giras regulares como director invitado por orquestas sinfónicas en los Estados Unidos y Canadá, incluyendo la San Francisco Symphony (en su 40 aniversario), la Filarmónica de Nueva York, la Sinfónica de Chicago, la Orquesta de Cleveland, la Orquesta de Philadelphia, la Filarmónica de Los Ángeles, la Filarmónica de Londres y muchas otras. En sus apariciones en conciertos, combina la realización de piezas clásicas con su propia improvisación vocal, a menudo con la participación de la audiencia y la orquesta. Por ejemplo, sus conciertos suelen acabar con McFerrin dirigiendo la orquesta en la interpretación a capella de “William Tell Overture”, en la que los miembros de la orquesta cantan sus partes con el estilo vocal de McFerrin, en vez de tocarlas con sus instrumentos.

McFerrin también participa en varios programas de educación musical, y hace apariciones de voluntariado como profesor de música y profesor invitado en las escuelas públicas en todos los EE.UU. McFerrin tiene un hijo, Taylor, y padre e hijo han colaborado en diferentes aventuras musicales. Taylor ha estado recientemente cantando, rapeando, y tocando un mínimo acompañamiento de teclado con Vernon Reid (líder-guitarrista de Living Colour) en el ecléctico metal-funk-fusión, etc. grupo Yohimbe Brothers.

Discografía

Como líder

Bobby McFerrin (1982)
The Voice (1984)
Spontaneous Inventions (1985)
Elephant's Child (1987)
Simple Pleasures (1988) (“Don't Worry, Be Happy” - #1 single de éxito extraído del álbum)
Don't Worry, Be Happy (1988)
How the Rhino Got His Skin/How the Camel Got His Hump (1990)
Medicine Music (1990)
Play, con Chick Corea (1990)
Hush, con Yo-Yo Ma (1991)
Many Faces of Bird (1991)
Sorrow Is Not Forever (1994)
Paper Music (1995, con la St. Paul Chamber Orchestra)
Bang! Zoom (1996)
The Mozart Sessions, con Chick Corea (1996)
Circlesongs (1997)
Mouth Music (2001)
Beyond Words (2003) - con Chick Corea, Cyro Baptista y Richard Bona

Colaboraciones

Pharaoh Sanders, Journey to the One, 1980
Grover Washington, Jr., The Best Is Yet to Come, 1982
Various Artists, The Young Lions, 1983
Charles Lloyd Quartet, A Night in Copenhagen, 1984
Various Artists, A Tribute to Thelonius Monk, 1984
Chico Freeman, Tangents, 1984
Michael Hedges, Watching My Life Go By, 1985
The Manhattan Transfer, Vocalese, 1985
Joe Zawinul, Dialects, 1986
Weather Report, Sportin' Life, 1985
Bobby McFerrin con Jack Nicholson, The Just So Stories, 1987
Al Jarreau, Heart’s Horizon, 1988
Quincy Jones, Back on the Block, 1989
Laurie Anderson, Strange Angels, 1989
Bobby McFerrin con Chick Corea, Play, 1990
Bobby McFerrin con Yo-Yo Ma, Hush, 1991
Gal Costa, The Laziest Gal in Town, 1991
Dizzy Gillespie, "To Bird With Love", 1992
Jack DeJohnette, Extra Special Edition, 1994
Yellowjackets, Dreamland, 1995
Bobby McFerrin con Chick Corea, The Mozart Sessions (1996)
George Martin, In My Life, 1998 - en “Come Together” con Robin Williams
En Vogue, Masterpiece Theatre, 2000
Bela Fleck and the Flecktones, Little Worlds, 2003
Chick Corea, Rendezvous in New York, 2003
Wynton Marsalis, The Magic Hour, 2004
size2shoes, 2006 (free track)

Grammys 1985 "Another Night In Tunisia" con Jon Hendricks

"Mejor interpretación vocal masculina de jazz"

1985 "Another Night In Tunisia" with Cheryl Bentyne

"Mejor arreglo musical para dos o más voces"

1986 "Round Midnight"

"Mejor interpretación vocal masculina de jazz"

1987 "What Is This Thing Called Love"

"Mejor interpretación masculina de jazz"

1987 "The Elephants’ Child" con Jack Nicholson

"Mejor grabación para niños"

1988 "Don’t Worry, Be Happy"

"Grabación del año"
"Canción del año"
"Mejor interpretación vocal masculina de pop"

1988 "Brothers"

"Mejor interpretación vocal masculina de jazz"

1992 "Round Midnight"

"Mejor interpretación vocal de jazz"

BRYAN FERRY

2010-01-09T00:28:00.005+01:00

Bryan Ferry (nacido el 26 de Septiembre de 1945, Washington, Tyne and Wear) es un cantante inglés, músico, compositor y actor conocido por un estilo visual y de voz suave, lo que le valió el epíteto de “The Lizard Lounge Electric”. Ferry llegó a la prominencia pública en la década de 1970’s como vocalista y principal compositor de Roxy Music, que disfrutó de una carrera de gran éxito con tres álbumes y diez singles entrando en el top ten listas de popularidad en el Reino Unido. Él sigue teniendo una exitosa carrera en solitario consiguiendo una nominación al Grammy en 2001.

Biografía

Antes de Roxy Music (antes de 1971)

Nacido en una familia de clase obrera (su padre, Fred Ferry, era un agricultor que también cuidaba caballos), Ferry asistió a la Washington Grammar-Technical School (que ahora se llama Washington School) en Spout Lane desde 1957, donde estudió junto con el ex-gerente de Everton Howard Kendall, y logró nueve niveles O, a continuación estudió bellas artes en la Universidad de Newcastle sobre Tyne, en virtud de Richard Hamilton. Entre sus contemporáneos se encuentran Tim Head y Nick de Ville. Se convirtió en un maestro de la alfarería en Londres. Ferry formó la banda The Banshees, y después, junto con Graham Simpson, la banda de The Gas Board.

Roxy Music y años en solitario (1971-1983)

Ferry formó Roxy Music con un grupo de amigos y conocidos, comenzando con Graham Simpson, en Noviembre de 1970. La alineación se amplió para incluir al saxofonista/oboísta Andy Mackay y los conocimientos de Brian Eno, que poseían grabadoras y el sintetizador de Mackay. Otro de los primeros miembros incluía al timbalero Dexter Lloyd y al ex-guitarrista de Nice Davy O’List, que fueron sustituidos, respectivamente, por Paul Thompson y Phil Manzanera, antes de que la banda grabara su primer álbum. (Primeras sesiones Peel para la radio británica Radio 1 con las producciones de O’List).

El primer éxito de Roxy Music, “Virginia Plain”, encabezó las listas de éxitos, y fue seguido de varios sencillos y álbumes, con Ferry como vocalista y ocasionalmente como instrumentista (él aprendió piano a los veinticinco años) y Eno contribuyendo como sintetizador de respaldo.

Durante muchos años, Ferry colaboró con el diseñador de moda Antony Price para consultas sobre la ropa y la imagen. Price es famoso por su tienda en London's Kings Road. Él creó trajes reconocidos mundialmente por su elegancia, y ganó fama cuando las celebridades y estrellas del rock vestían sus diseños. De hecho, uno de los comentarios de Nicky Haslam sobre Ferry fue que era más probable redecorar una habitación de hotel que criticarle.

Después de los primeros dos álbumes, Eno dejó Roxy Music, dejando a Ferry como su líder indiscutible. Después de la gira de conciertos en apoyo de Siren, Roxy Music quedó temporalmente disuelta en 1976. Ferry, paralelamente, ya había comenzado su carrera en solitario en 1973, especializada en covers de típicos temas antiguos como “These Foolish Things”. Los miembros de la banda de Ferry en Roxy Music, en particular Paul Thompson, Phil Manzanera y Eddie Jobson participaron en la grabación de su material como solista. El álbum en solitario “Let’s Stick Together” fue un éxito comercial, la canción alcanzó el 4º lugar en las listas de éxitos británicas. Además, en 1976, Ferry hacía un cover de una canción de los Beatles, “She’s Leaving Home”, para el documental musical de transición ‘All This and World War II’.

El álbum de 1978 “The Bride Stripped Bare” no fue comercialmente muy exitoso, el single que tuvo más éxito, “Sign of the Times”, sólo alcanzó la posición 37 en las listas de éxitos británicas. Después de que este álbum no catapultara su carrera como solista, Ferry decidió reunirse con Roxy Music para grabar nuevo material.

En el segundo período de Roxy Music, Ferry volvió a formar la banda. Manzanera, Mackay y Thompson se quedaron, mientras que Jobson ya no estaba presente. Ferry seguía siendo el compositor principal. Roxy Music grabó los discos de éxito “Manifesto” en 1978, “Flesh and Blood” en 1980 y “Avalon” en 1982, con “Flesh and Blood” y “Avalon” alcanzaron el número uno en las listas de éxitos británicas. El pináculo de su éxito fue su único número uno en las listas de éxitos del Reino Unido, “Jealous Guy”, lanzado en homenaje a John Lennon, el único de sus singles no escrito por Ferry.

Después de largas giras para promocionar el álbum “Avalon” en 1983, Bryan Ferry decidió hacer un alto en Roxy Music y continuar como solista.

Después de Roxy Music (1983-2001)

Ferry continuó grabando, y en 1985 el álbum “Boys and Girls” llegó a la posición número uno en Gran Bretaña.

Ferry actuó en el London Live Aid, acompañado nuevamente por David Gilmour. Tuvo dificultades técnicas con el sonido y la baqueta de la batería se rompió al comienzo de la primera canción, “Sensation”. Las dificultades de sonido fueron superadas en “Slave to Love” (aparece en la banda sonora de 9 semanas y ½) y “Jealous Guy”. Como ocurre con otros actos de éxito como Live Aid, su álbum actual, “Boys and Girls”, permaneció en las listas de éxitos durante más de un año.

Después de las giras de promoción de “Avalon”, Ferry se mostró algo reticente a volver a la vida en la carretera; sin embargo, un cambio en la dirección le persuadió para intentar la gira de nuevo en 1988 para promover la edición del año anterior “Bête Noire”. Después de la gira, Ferry se unió de nuevo con Brian Eno para “Mamouna” (en colaboración con Robin Trower en la guitarra y como productor). El álbum tardó más de cinco años en producirse, y fue creado bajo el título “Horoscope”; durante la producción, Ferry publicó otros covers de álbumes, “Taxi” en 1993, que resultó ser un mayor éxito comercial y crítico que “Mamouna” sería cuando finalmente fue lanzado, en 1994. En 1996, Ferry realizó la canción “Dance With Life” para la banda sonora de ‘Phenomenon’, que fue escrita por Bernie Taupin y Martin Page. En 1999 Ferry apareció con Alan Partridge (interpretado por Steve Coogan), en BBC’s Comic Relief.

Después de tomarse algo de tiempo libre, Ferry regresó en 1999. Él comenzó a realizar una mezcla de canciones de 1930 y de canciones de su propiedad, entre ellas varias de la colección de Roxy, y las grabó en el álbum “As Time Goes By”, que fue nominado para un premio Grammy.

Reunión de Roxy Music y continuación de su carrera en solitario (2001-presente)

Ferry, Manzanera, Mackay y Thompson re-reformaron Roxy Music en 2001 y salieron de gira durante un par de años, sin editar ningún álbum. Con la ayuda de Manzanera y Thompson, en 2002 Ferry regresó con “Frantic”, el tan esperado seguimiento de “As Time Goes By”; la última canción es una colaboración con Brian Eno. El álbum “Frantic” mezcla canciones originales de Ferry con covers - algo que Ferry no había intentado en un álbum en solitario desde “The Bride Stripped Bare”, veinticuatro años antes.

En 2003, Ferry constituyó el entretenimiento para la elección de Miss Mundo, un programa con una audiencia esperada de 2 mil millones de espectadores en todo el mundo. En 2004, Ferry protagonizó el cortometraje ‘The Porter’. En 2005, se confirmó que Roxy Music (Ferry, Eno, Mackay, Manzanera y Thompson) realizaría más actuaciones en el ‘Isle Of Wight Festival’ de ese mismo año, y que también estaría grabando un álbum de canciones nuevas y originales, sin indicar cuando el proyecto llegaría a su finalización. Brian Eno confirmó que había trabajado en el estudio con Roxy una vez más, y había co-escrito canciones para el nuevo álbum. Él destacó cómo el dinamismo de la banda no había cambiado desde que era un miembro en la década de 1970’s. También confirmó que no haría una gira con la banda.

En Octubre de 2006, Bryan Ferry fue modelo de la línea de ropa Autograph con el minorista británico Marks & Spencer. Su álbum “Slave To Love: Best Of The Ballads” fue reeditado para conmemorar este acontecimiento. Bryan estaba de vuelta en el estudio de grabación en 2006 grabando canciones del canon de Bob Dylan con el álbum tributo a Dylan “Dylanesque”, lanzado en Marzo de 2007 con una gira por Reino Unido para promocionar el álbum. El disco logró colocarse en el UK Top 10, así como el primer álbum de Roxy Music hizo 35 años antes.

Vida personal

A nivel personal, Ferry fue conocido hasta la fecha con la imagen de una mujer muy hermosa, que a menudo aparece como cobertura de los modelos en los álbumes de Roxy Music. Ferry salió con la anticuada cantante y modelo Amanda Lear, que fue fotografiada con un jaguar negro para la portada del álbum “For Your Pleasure”. Más tarde continuó y creó música con David Bowie.

Ferry, a continuación, comenzó una relación con la modelo Jerry Hall. Hall apareció en varios vídeos musicales de Ferry, entre ellos “Let’s Stick Together” y “The Price of Love”. Ferry conoció por primera vez a Hall cuando ella posó para la portada del álbum de Roxy Music “Siren in Wales” durante el verano de 1975. La autobiografía de Hall (‘Tall Tales’) describe la sesión de fotos, y describe cómo se cubría el cuerpo de pintura azul para llegar a parecer una sirena mítica; Hall dice que Ferry la llevó de regreso a su casa, diciendo que la ayudaría a quitarse la pintura. Su estancia en la casa de Ferry en Holland Park (Londres), a raíz de la portada del álbum de la sesión de fotos, marcó el inicio de su aventura. Jerry Hall y Bryan Ferry se fueron a vivir juntos, compartiendo sus casas en Londres y en el lujoso Bel Air de Los Ángeles.

Durante su carrera en solitario a finales de 1970’s, Ferry tuvo un período difícil en su vida privada. Su relación con Hall terminó cuando lo dejó por Mick Jagger a finales de 1977. A día de hoy, Ferry rara vez habla de Hall, pero los aficionados a menudo especulan que su canción “Kiss and Tell”, del álbum “Bête Noire” fue la respuesta de Ferry a Hall libro contando detalles sobre su relación. Ferry a menudo se niega a discutir sus sentimientos acerca de Hall o hablar de su historia romántica durante las entrevistas. El álbum en solitario de Bryan Ferry “The Bride Stripped Bare” se cree que contiene referencias a su ruptura con Hall. Las canciones originales de Ferry en el álbum fueron en realidad escritas algún tiempo antes de que la relación terminara, aunque se registró después.

Ferry se estableció finalmente a la vida matrimonial con Lucy Helmore, y tuvieron cuatro hijos, incluyendo al cazador y activista político Otis Ferry, el infame hombre-sobre-la-ciudad Isaac Ferry, Tara y Merlin.

Tras su separación de Lucy, los periódicos británicos fotografiaron a Ferry con Katie Turner, 35 años más joven que Ferry, nombrándola como su nueva ‘novia’. Ferry y Katie Turner se conocieron mientras ella trabajaba como una de las bailarinas durante la gira de conciertos de Roxy Music en 2001. Katie también aparece en el DVD del 2001 Hammersmith Odeon Show, ha aparecido con Bryan Ferry en varias presentaciones en televisión para promocionar el álbum “Frantic”, y en el show en vivo durante la gira de 2002 de “Frantic”. Después de su ruptura, Ferry mantuvo una relación con Lady Emily Compton, de la alta sociedad, y en 2005 tuvo un breve romance con Alex Kingston. En 2006, retomó su relación con Katie Turner.

Controversia nazi

En Abril de 2007, surgió una controversia después de que Ferry elogiara la labor de la era nazi alemana del cineasta Leni Riefenstahl y del arquitecto Albert Speer. Ferry se disculpó por los comentarios y dijo que fueron hechos "únicamente desde la perspectiva de la historia del arte".

Puntos de vista políticos

En 2008, Ferry aludió al apoyo del Partido Conservador, al referirse a sí mismo como "conservador por naturaleza", pero esencialmente apolítico. Sin entrar en detalles, dijo que estaba "orgulloso" de su mano-derecha hijo Otis y declaró la prohibición de la caza del zorro "inútil". También se refirió a una oposición a la "izquierda-la amargura de derechas" y el fantasma de la "corrección política", pero el modelo de la libertad de expresión que citó fue la década de 1970’s anárquica y no, como cabría esperar de un conservador fuerte, la era Thatcher o de un pasado más lejano. En una entrevista en 2009, Ferry dijo: "Me gustaría apoyar al gobierno de Cameron (David Cameron). Me he reunido con él, y él es un tipo brillante. Espero que lo hagan bien. No me gusta la forma en que el actual Gobierno ha hecho las cosas, sobre todo poner a mi hijo en la cárcel durante cuatro meses y medio, totalmente ilegal ... y eso no es sólo mi opinión: los jueces, de todo tipo, han dicho que era una puntada en marcha. Fue una motivación política. El pobre muchacho sólo quiere vivir la vida rural tradicional ".

Ferry es un partidario de la Countryside Alliance y ha tocado en conciertos para recaudar fondos para la organización.

Perturbación de vuelo

Ferry y su familia experimentaron un gran susto en Diciembre de 2000, cuando su vuelo de British Airways desde el aeropuerto londinense de Gatwick a Kenya fue interrumpido en un intento de secuestro. Paul Mukonyi, de 27 años, estudiante de Kenya, irrumpió en la cabina del Boeing 747 que volaba a Nairobi. Como tres tripulantes luchaban para contener a Mukonyi, el avión cayó en picado sobre los 10000 pies (3000 m). Los pilotos recuperaron el control de la aeronave y todos los pasajeros aterrizaron sin problemas. Durante el incidente Ferry se mantuvo increíblemente en calma e imperturbable, incluso tomándose el tiempo para desafiar a su hijo, Otis Ferry, por su lenguaje soez, mientras intentaba ayudar a frenar a Mukonyi.

En otros medios de comunicación

En 1985, Ferry contribuyó con la canción “Is Your Love Strong Enough” a la película de Ridley Scott-Tom Cruise ‘Legend’. La canción (con un trabajo de guitarra de David Gilmour) se tocó durante los créditos finales de la película en las salas de cine de EE.UU., y fue editada con la versión de “Tangerine Dream” de la banda sonora en CD (aunque esto está fuera de impresión y raros). Un vídeo musical promocional fue creado, integrando a Ferry y Gilmour en escenas de la película; lo que se incluye como un bonus en la edición de 2002 "Ultimate Edition" DVD.

En 2005, Ferry apareció en la película de Neil Jordan, ‘Breakfast on Pluto’, protagonizada por Cillian Murphy como un travesti irlandés joven que va a Londres en la década glam de 1970’s para encontrar a su madre. Ferry, que aparece en un pequeño papel como Mr. Silky String, desempeñó una suave pero espeluznante escena con John que recoge el hombre joven y sexualmente ambiguo, después de una breve conversación, intentó estrangularle en el asiento delantero de su coche.

Se hace referencia a Ferry en la comedia ‘The Mighty Boosh’ en el episodio ‘Hitcher’, con el padre adoptivo Vince Noir y King of the Forest. Al final del episodio, se revela que ‘Bryan Ferry’ en realidad se parece a Terry Wogan.

La canción “Which way to turn”, del álbum “Mamouna”, es la canción principal de la película de Woody Harrelson de 2007 ‘The Walker’. Su canción “Slave to Love” fue presentada en ‘Bitter Moon’, la película de 1992, dirigida por Roman Polanski.

Discografía

Álbumes

Álbumes de Estudio

These Foolish Things (Octubre 1973, UK #5)
Another Time, Another Place (Julio 1974, UK #4)
Let’s Stick Together (Septiembre 1976, UK #19, US #160)
In Your Mind (Febrero 1977, UK #5, US #126)
The Bride Stripped Bare (Abril 1978, UK #13, US #159)
Boys and Girls (Mayo 1985, UK #1, US #63)
Bête Noire (Octubre 1987, UK #9, US #63)
Taxi (13 Abril 1993, UK #2, US #79)
Mamouna (20 Septiembre 1994, UK #11, US #94)
As Time Goes By (15 Octubre 1999, UK #16, US #199)
Frantic (18 Mayo 2002, UK #6, US #189)
Dylanesque (5 Marzo 2007, UK #5, US #117)

Compilaciones

Street Life: 20 Great Hits (Abril 1986, UK #1, US #100)
The Ultimate Collection (Noviembre 1988, UK #6)
More Than This: The Best Of Bryan Ferry + Roxy Music (Octubre 1995, UK #15)
Tokyo Joe: The Best Of Bryan Ferry + Roxy Music (Mayo 1997, Japanese release)
Slave To Love: Best Of The Ballads (Agosto 2000, UK #11)
The Platinum Collection: The Best of Bryan Ferry + Roxy Music (Junio 2004, UK #17)
The Best of Bryan Ferry (Noviembre 2009, UK #95)

Singles

1973 "A Hard Rain’s A-Gonna Fall"
1973 "I Love How You Love Me"
1974 "The ’In’ Crowd"
1974 "Smoke Gets in Your Eyes"
1975 "You Go to My Head"
1976 "Let’s Stick Together"
1976 "Extended Play"
1976 "The Price of Love"
1976 "Heart on My Sleeve"
1977 "This Is Tomorrow"
1977 "Tokyo Joe"
1978 "What Goes On"
1978 "Sign of the Times"
1978 "Carrickfergus"
1985 "Slave to Love"
1985 "Don’t Stop the Dance"
1985 "Windswept"
1986 "Is Your Love Strong Enough?"
1986 "Help Me"
1987 "The Right Stuff"
1988 "Kiss and Tell"
1988 "Limbo"
1988 "Let’s Stick Together ’88"
1989 "The Price of Love ’89"
1989 "He’ll Have to Go"
1993 "I Put a Spell on You"
1993 "Will You Love Me Tomorrow"
1993 "Girl of My Best Friend"
1994 "Your Painted Smile"
1994 "Mamouna"
1994 "Don’t Want to Know"
1996 "Dance with Life (The Brilliant Light)"
1999 "As Time Goes By"
1999 "I’m in the Mood for Love"
2002 "It’s All Over Now, Baby Blue"
2002 "Goddess of Love"
2002 "One Way Love"
2002 "Fool for Love"
2007 "The Times They Are A-Changin’"
2007 "Simple Twist of Fate"

Notas

“I Love How You Love Me” fue editado sólo en Francia.
El EP de 4-tracks llamado “Extended Play” fue lanzado en el Reino Unido, Nueva Zelanda y Australia en 1976, con el tema principal “The Price of Love”. Las otras canciones son “Heart on My Sleeve” (que fue lanzado en los EE.UU. como single), “Shame Shame Shame” y “It’s Only Love”. “The Price of Love” fue lanzado como single en muchos otros países europeos. Los cuatro temas del EP fueron editados en el álbum de Ferry de 1976 “Let’s Stick Together”.
“Carrickfergus” (Noviembre de 1978) fue editado sólo en el Reino Unido.
“Help Me” fue editado sólo en EE.UU.
“Don’t Want to Know” fue editado sólo en Japón.
“Dance with Life (The Brilliant Light)” fue ediatdo sólo en Alemania y Australia.
“I’m in the Mood for Love” fue editado sólo en Francia.

BOB DYLAN

2009-12-30T18:35:00.008+01:00

Robert Allen Zimmerman (Bob Dylan) (nacido en Duluth, Minnesota, Estados Unidos, el 24 de Mayo de 1941), es un músico, cantante y poeta estadounidense. Ha sido, durante cinco décadas, una de las mayores figuras en la música popular, siendo considerado uno de los compositores y músicos más influyentes y prolíficos del siglo XX.

Muchos de los más célebres trabajos de Dylan datan de la década de 1960, en la cual se convirtió en un cronista informal de los conflictos estadounidenses. Algunas de sus canciones, como “Blowin’ in the Wind” y “The Times They Are a-Changin’”, se convirtieron en himnos antibélicos, especialmente contrarios a la Guerra de Vietnam, y de los movimientos civiles de la época. El penúltimo álbum de estudio de Dylan, “Modern Times”, publicado en 2006, entró directamente en el primer puesto de la lista Billboard 200 y fue nombrado álbum del año por la revista musical Rolling Stone.

Las primeras letras de Dylan abordaban temas sociales y filosóficos, y delataban una fuerte influencia literaria, desafiando la música pop convencional existente y apelando generalmente a la contracultura de aquel tiempo. Mientras expandía y personalizaba estilos musicales, mostraba una firme devoción por muchas tradiciones de la música americana, desde el folk, el country, el blues, el gospel, el rock and roll y el rockabilly hasta la música folk inglesa, escocesa e irlandesa, pasando por el jazz y el swing.

A lo largo de su carrera, Dylan ha sido reconocido y honrado por sus composiciones, interpretaciones y grabaciones. Sus discos le han valido varios Grammys, Globos de Oro y premios de la Academia, y su nombre se halla en el Salón de la Fama del Rock and Roll, el Salón de la Fama de Compositores de Nashville y el Salón de la Fama de los Compositores. En Enero de 1990, fue investido Caballero de la Orden de las Artes y Letras por el Ministro de Cultura de Francia Jack Lang. En 1999, fue incluido en la lista de las cien personas más influyentes del siglo XX elaborada por la revista Time. En el año 2000, ganó el Premio de Música Polar de la Real Academia Sueca de Música, y en 2004 alcanzó el segundo puesto en la lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos elaborada por la revista Rolling Stone, después de The Beatles. El 13 de Junio de 2007 fue premiado con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, y en 2008 recibió un reconocimiento honorario del Premio Pulitzer, por su "profundo impacto en la música popular y en la cultura americana, marcado por sus composiciones líricas de extraordinario poder poético". En este contexto, desde 1996 diversos autores y académicos han nominado a Dylan para la candidatura del Premio Nobel de Literatura.

Biografía

1941-1960: Origen y comienzos musicales

Robert Allen Zimmerman (en hebreo: Shabtai Zisel ben Avraham) nació en el hospital St. Mary de Duluth, Minnesota, el 24 de Mayo de 1941 y creció en Hibbing, Minnesota, en el Mesabi Iron Range al oeste del Lago Superior. Los estudios realizados por varios de sus biógrafos han demostrado que sus abuelos paternos, Zigman y Anna Zimmerman, emigraron desde Odessa (actual Ucrania) a los Estados Unidos a causa de un pogromo antisemita acaecido en 1905. Sus abuelos maternos, Benjamin y Lybba Edelstein, eran judíos lituanos que llegaron a América en 1902. En su autobiografía, “Crónicas, Vol. 1”, Dylan escribió que el apellido de su abuela materna era Kirguís y que su familia procedía de Estambul.

Sus padres, Abram Zimmerman y Beatrice "Beatty" Stone, formaban parte de una reducida pero muy unida comunidad judía. Robert Zimmerman vivió en Duluth hasta los seis años, cuando su padre contrajo la poliomielitis y su familia volvió a la ciudad natal de su madre, Hibbing, Minnesota, donde pasó el resto de su infancia. Robert vivió buena parte de su juventud escuchando la radio: en un primer momento, escuchando emisoras que transmitían música blues y al country desde Shreveport, Louisiana, y posteriormente al rock and roll. Durante su estancia en la escuela, formó varias bandas, como The Shadow Blasters, de corta duración, o The Golden Chords, con quienes llegaría a tocar en el programa de búsqueda de talentos “Rock and Roll Is Here to Stay”. En el anuario escolar de 1959, Robert Zimmerman marcó como su principal ambición "unirse a Little Richard". El mismo año, usando el seudónimo de Elston Gunn, tocó en dos conciertos con Bobby Vee, acompañando al piano e improvisando palmas.

Zimmerman se trasladó a Minneapolis, Minnesota, en Septiembre de 1959 para matricularse en la universidad estatal. Durante la época, su inicial interés en el rock and roll dejó paso a un acercamiento a la música folk americana. En 1985, Dylan explicó su atracción hacia la música folk: "Lo que pasaba con el rock'n'roll es que para mí, de todos modos, no era suficiente... Había muy buenas frases pegadizas y un ritmo contagioso, pero las canciones no eran serias o no reflejaban la vida de un modo realista. Sabía eso cuando me metí en la música folk, era una cosa más seria. Las canciones estaban llenas de tristeza, de triunfo, de fe en lo sobrenatural, y tenían sentimientos más profundos". Pronto comenzó a tocar en el 10 O'Clock Scholar, una cafetería a pocos bloques del campus universitario, y se vio involucrado en el circuito del folk de Dinkytown.

Durante sus días en Dinkytown, Zimmerman pasó a llamarse a sí mismo "Bob Dylan". En una entrevista concedida en 2004, Dylan dijo: "Naces, ya sabes, con nombres equivocados, padres equivocados. Quiero decir, eso sucede. Te puedes llamar como quieras. Este es el país de la libertad". En su autobiografía, “Crónicas, Vol. 1”, Dylan escribió sobre el cambio de nombre:

"Había visto algunos poemas de Dylan Thomas. La pronunciación de Dylann y Allyn era similar. Robert Dylan. Robert Allyn. La letra D tenía más fuerza. Sin embargo, el nombre Robert Dylan no era tan atractivo como Robert Allyn. La gente siempre me había llamado Robert o Bobby, pero Bobby Dylan me parecía cursi, y además ya estaban Bobby Darin, Bobby Vee, Bobby Rydell, Bobby Neely y muchos otros Bobbies. La primera vez que me preguntaron mi nombre en Saint Paul, instintiva y automáticamente solté: "Bob Dylan"".

1960-1963: Traslado a Nueva York y contrato con Columbia

Dylan abandonó la universidad tras su primer año. En Enero de 1961, se trasladó a Nueva York con la esperanza de ver a su ídolo musical, Woody Guthrie, quien estaba gravemente enfermo a causa de la enfermedad de Huntington en el hospital psiquiátrico de Greystone Park. Sobre Guthrie, Dylan llegó a decir: "Puedes escuchar sus canciones y aprender a vivir".

A partir de Febrero de 1961, Dylan tocó en varios clubes de Greenwich Village. En Septiembre, comenzó a ganar cierta reputación gracias a una reseña de Robert Shelton en The New York Times durante un concierto en el Gerde's Folk City. El mismo mes, Dylan tocó la armónica para Carolyn Hester durante la grabación de su tercer álbum, coincidiendo con el productor John H. Hammond. Hammond contrató a Dylan para Columbia Records en Octubre.

Las interpretaciones incluidas en su primer trabajo para Columbia, titulado “Bob Dylan” y publicado en 1962, consistían en material de música folk, blues y gospel combinado con dos composiciones propias, “Song to Woody” y “Talkin’ New York”. El álbum obtuvo escaso éxito comercial, vendiendo 5.000 copias en su primer año, lo cual era suficiente para rescindir el contrato. Dentro de Columbia, Dylan comenzó a ser tachado como el "protegido de Hammond" y sugirieron finiquitar su contrato. A pesar de ello, Hammond defendió fuertemente a Dylan, y al mismo tiempo encontró un buen defensor en Johnny Cash, quien había fichado por Columbia meses antes. Durante su trabajo para Columbia, Dylan también grabó varias canciones bajo el seudónimo de Blind Boy Grunt para la revista de música folk Broadside Magazine.

En Agosto de 1962, Dylan dio dos importantes pasos en su carrera musical al modificar su nombre legalmente por el de Robert Dylan en la Corte Suprema de Nueva York y al firmar un contrato de representación con Albert Grossman. Grossman fue el representante de Dylan hasta 1970 y se caracterizó por su personalidad ocasionalmente conflictiva y por la extrema protección que ejercía sobre la imagen de su cliente. Dylan describiría posteriormente a Grossman como "una especie de Coronel Tom Parker... podías oler su llegada". Las tensiones entre Grossman y John Hammond obligaron al segundo a abandonar las sesiones de grabación del segundo trabajo discográfico de Dylan, siendo reemplazado por el productor Tom Wilson.

Al mismo tiempo, su segundo álbum, “The Freewheelin' Bob Dylan”, publicado en Mayo de 1963, sirvió a Dylan para crecer como cantante y especialmente como compositor. Gran parte de las canciones incluidas en el álbum fueron etiquetadas como canciones protesta, inspiradas parcialmente en Woody Guthrie e influidas por la pasión de Pete Seeger por las canciones tradicionales. “Oxford Town”, por ejemplo, refleja de forma irónica la matriculación de James Meredith como el primer negro en entrar en la Universidad de Misisipi.

Una de sus canciones más famosas, “Blowin’ in the Wind”, deriva parcialmente en su melodía de la canción tradicional “No More Auction Block”, mientras que su letra cuestiona el status quo social y político de la época. La canción fue ampliamente versionada y se convirtió en un éxito internacional de la mano de Peter, Paul and Mary, sentando un precedente para muchos otros artistas que se alzarían con éxitos a través de composiciones de Dylan. Por su parte, la canción “A Hard Rain’s a-Gonna Fall” está basada en la balada de folk ”Lord Randall”. Con sus referencias al apocalipsis nuclear, la canción ganó resonancia durante el desarrollo de la crisis de los misiles en Cuba. Al igual que “Blowin’ in the Wind”, “A Hard Rain’s a-Gonna Fall” marcó una importante dirección en la composición de nuevas canciones, mezclando el uso del monólogo interior y la lírica imaginativa con las formas tradicionales del folk.

Aunque las primeras canciones de Dylan solidificaron su temprana reputación, “The Freewheelin' Bob Dylan” también incluye canciones de amor mezcladas con una lírica irónica e incluso a veces bromista. El humor se convirtió en uno de los pilares de la personalidad de Dylan, impresionando a oyentes tales como The Beatles. Al respecto, George Harrison comentó: "Lo poníamos y nos trasladaba. El contenido de sus canciones y su actitud era increíblemente original y maravilloso".

La voz áspera de Dylan resultó un impedimento para muchos oyentes a la par que un atractivo para otros. Describiendo el impacto que Dylan había ocasionado en su marido y en sí misma, Joyce Carol Oates escribió: "Cuando escuché por primera vez su joven y cruda voz, francamente nasal y desentrenada, como si el papel de lija pudiese cantar, el efecto fue dramático y electrificante". Muchas de sus primeras canciones alcanzaron al público en general mediante versiones realizadas por otros intérpretes, tales como Joan Baez, quien se convirtió en la protectora de Dylan así como en su posterior amante. Baez fue determinante a la hora de elevar a Dylan a la popularidad nacional e internacional con numerosas versiones de sus canciones y al invitarle frecuentemente a sus propios conciertos.

1963-1964: Protestas y “Another Side”

En Mayo de 1963, el perfil político de Dylan creció cuando abandonó el programa The Ed Sullivan Show. Durante los ensayos, ejecutivos de la CBS informaron a Dylan de que la canción que había ensayado, “Talkin’ John Birch Society Blues”, era potencialmente una difamación de la John Birch Society. En lugar de complacer a la censura, Dylan se negó a aparecer en el programa.

Durante la época, Dylan y Baez se habían convertido en figuras prominentes en el movimiento por los derechos civiles, cantando juntos en la marcha por el trabajo y la libertad en Washington el 28 de Agosto de 1963, en la que Dylan interpretó “Only a Pawn in Their Game” y “When the Ship Comes In”. El tercer álbum de estudio de Dylan, “The Times They Are a-Changin’”, reflejaba un carácter más politizado, sofisticado e irónico a través de sus canciones. Dichas canciones tomaban a menudo como base historias reales, como el asesinato del luchador por los derechos civiles Medgar Evers en “Only a Pawn In Their Game”, o la muerte de la camarera negra Hattie Carroll a manos de William Zantzinger, un joven socialité, en la canción “The Lonesome Death of Hattie Carroll”. En un plano más genérico, “Ballad of Hollis Brown” y “North Country Blues”, resumían la desesperación de las comunidades agrícolas y mineras a causa de la crisis de la época. Aún así, el material político del álbum estuvo acompañado de dos canciones de amor, “Boots of Spanish Leather” y “One Too Many Mornings”.

A finales de 1963, Dylan se sentía manipulado y limitado por los movimientos de protesta. Estas tensiones se airearon públicamente cuando, durante la entrega del premio Tom Paine de la mano del Comité Nacional de Emergencia de las Libertades Civiles, poco tiempo después del asesinato de John F. Kennedy, un Dylan renqueante y ebrio cuestionó el rol del comité, insultando a sus miembros como viejos y encalvecidos y alegando ver algo de sí mismo y de todos los hombres en el supuesto asesino de Kennedy, Lee Harvey Oswald.

“Another Side of Bob Dylan”, grabado en una única noche de Junio de 1964, incluía un humor más ligero en comparación con su predecesor. La parte humorística y surrealista de Dylan reemergió en “I Shall Be Free #10” y en “Motorpsycho Nightmare”. “Spanish Harlem Incident” y “To Ramona” son románticas y apasionadas canciones de amor, mientras que ”Black Crow Blues” e “I Don't Believe You (She Acts Like We Never Have Met)”, sugieren un futuro factor dominante del rock and roll en la música de Dylan. “It Ain’t Me, Babe”, que superficialmente puede ser interpretada como una canción de amor, ha sido descrita como un rechazo del papel que su reputación le había empujado a representar. La nueva dirección de su sonido quedó señalada en dos canciones de larga duración: “Chimes of Freedom”, que mezcla comentarios de índole social con un denso paisaje metafórico en un estilo que Allen Ginsberg calificó como "cadenas de flashes", y “My Back Pages”, en donde ataca la simplicidad y la seriedad de sus primeras composiciones.

Entre la segunda mitad de 1964 y 1965, la imagen y el estilo musical de Dylan cambiaron rápidamente, al convertirse de cantautor destacado de la escena del folk contemporáneo en una estrella pop del folk rock. Dicha transición quedó apoyada en un cambio estilístico, en el que Dylan pasó a usar mejores trajes al estilo de Carnaby Street, gafas Rayban Wayfarer y botas al estilo de The Beatles en lugar de sus habituales vaqueros y camisas. Asimismo, Dylan comenzó a tratar sin decoro a la prensa durante las entrevistas. Al respecto, durante una entrevista en el programa de televisión Les Crane, preguntado sobre una película que estaba planeando hacer, Dylan contestó a Crane que sería una película de vaqueros de terror. Preguntado si interpretaría al vaquero, Dylan contestó: "No, interpreto a mi madre".

1964-1965: Controversia eléctrica

La publicación en Marzo de 1965 de “Bringing It All Back Home”, supuso un salto estilístico fundamental en su carrera al incluir las primeras grabaciones con instrumentos eléctricos. El primer sencillo, “Subterranean Homesick Blues”, influenciado en buena medida por el tema “Too Much Monkey Business” de Chuck Berry, fue presentado con un vídeo musical cortesía de D. A. Pennebaker como adelanto del documental Don’t Look Back, que recogía la gira británica de 1965. La libre asociación de las letras y la influencia del movimiento beat la convierten en un precursor del rap y del hip-hop.

En contraste, muchos de sus seguidores de la línea folk interpretaron la cara B de “Bringing It All Back Home” como un gesto conciliador: cuatro largas canciones de corte folk en las que Dylan hacía uso de guitarra y armónica. “Mr. Tambourine Man” se convirtió al poco tiempo en un éxito de The Byrds, así como en una de sus canciones más conocidas, mientras “It’s All Over Now, Baby Blue” e “It’s Alright, Ma (I’m Only Bleeding)” serían aclamadas como dos de las composiciones más importantes de Dylan.

Durante el verano de 1965, como cabeza de cartel del Newport Folk Festival, Dylan interpretó su primer set eléctrico desde sus tiempos en la escuela junto a un grupo, integrado en su mayor parte por componentes de Paul Butterfield Blues Band y formado por Mike Bloomfield (guitarra), Sam Lay (batería), Jerome Arnold (bajo), Al Kooper (órgano) y Barry Goldberg (piano). Dylan había aparecido previamente en el Newport Folk Festival en 1963 y 1964, pero en esta ocasión se topó con una mezcla de vítores y abucheos, y tras interpretar tres canciones abandonó el escenario. Las diferentes interpretaciones de los hechos sugieren que los abucheos procedían del sector purista de la música folk, que no recibió bien la entrada de Dylan con una guitarra eléctrica. Una interpretación alternativa alude a la mala calidad del sonido y al corto set de canciones como motivo de los abucheos.

El concierto de Dylan en Newport provocó indignación en algunos sectores de la música folk. Al respecto, Ewan MacColl escribió en la revista Sing Out!: "Nuestras canciones tradicionales y baladas son creaciones de artistas con un extraordinario talento que trabajaba dentro de las tradiciones formuladas durante mucho tiempo. ¿Pero qué pasa con Bobby Dylan?, un joven de talento mediocre. Sólo un público no crítico, alimentado por la aguada música pop, podía haber caído de semejante forma". El 29 de Julio, cuatro días después de su controvertida actuación en Newport, Dylan volvió al estudio de grabación en Nueva York para grabar “Positively 4th Street”. La letra de la canción se mezcla con imágenes vengativas en versos como "You got a lotta nerve/ To say you are my friend/ When I was down/ You just stood there grinning" (lo cual puede traducirse al español como: "Tienes mucha cara/ para decir que eres mi amigo./ Cuando yo estaba deprimido / tú estabas por ahí cachondeándote") y es ampliamente interpretada como un pulso a sus antiguos amigos de la comunidad folk de la West 4th Street.

1965-1966: “Highway 61 Revisited” y “Blonde on Blonde”

En Julio de 1965, Dylan publicó el sencillo “Like a Rolling Stone”, que alcanzó el puesto 2 en los Estados Unidos y el 4 en el Reino Unido. Con una duración superior a los seis minutos, la canción ha sido ampliamente alabada por modificar las actitudes previas acerca de lo que un sencillo pop es capaz de transmitir. Bruce Springsteen comentó acerca de la primera vez que escuchó la canción: "Ese golpe de caja al principio de la canción sonaba como si alguien abriera de una patada la puerta de tu mente". En 2004, la revista musical Rolling Stone situó a “Like a Rolling Stone” como la mejor canción de todos los tiempos. Su sonido característico, con un riff de órgano y una banda completa, también caracterizó al siguiente trabajo de estudio, “Highway 61 Revisited”, titulado como homenaje a la carretera que trasladó a Dylan desde Minnesota hasta el hervidero musical de Nueva Orleans. Las canciones del álbum seguían la misma estela del sencillo, con letanías surrealistas favorecidas por la guitarra blues de Mike Bloomfield, por la sección rítmica y por el sonido característico del órgano de Al Kooper. La única excepción la ofrece “Desolation Row”, última canción del álbum, con una visión apocalíptica en la que Dylan trata de transmitir referencias surreales a numerosas figuras de la cultura occidental durante sus once minutos y medio de duración. Andy Gill escribió: "”Desolation Row” es un poema épico de once minutos de entropía que toma la forma de un desfile felliniano de imágenes grotescas y extravagantes, en el que aparece un enorme elenco de personajes icónicos, algunos de ellos históricos (Einstein, Nerón), algunos bíblicos (Noé, Caín y Abel), algunos ficticios (Ofelia, Romeo, Cenicienta), algunos literarios (T. S. Eliot y Ezra Pound) y otros que no encajan en ninguna de las categorías anteriores, en particular el Dr. Filth ("Dr. Suciedad") y su dudosa enfermera".

Como promoción del álbum, Dylan tenía previsto realizar dos conciertos en Estados Unidos e intentó conformar una banda. Mike Bloomfield no estaba dispuesto a abandonar Butterfield Band, por lo que Dylan escogió a Al Kooper y a Harvey Brooks, de los músicos de sesión que trabajaron en “Highway 61 Revisited”, y a músicos de directo como Robbie Robertson y Levon Helm, conocidos por su trabajo como banda de apoyo de Ronnie Hawkins en The Hawks. El 28 de Agosto, un público aún molesto con el sonido eléctrico de Dylan interrumpió al grupo en Forest Hills. La recepción de la banda el 2 de Septiembre en el Hollywood Bowl de Los Ángeles fue más favorable.

Mientras Dylan y The Hawks se encontraban con públicos cada vez más receptivos durante la gira, sus esfuerzos en el estudio no fueron del todo positivos. En Febrero de 1966, el productor Bob Johnston persuadió a Dylan para grabar en Nashville, Tennessee, buscándole una base de músicos de sesión con los que grabar. Por insistencia de Dylan, Robertson y Kooper acudieron a Nashville para participar en las sesiones. Dichas sesiones dieron como resultado el doble álbum “Blonde on Blonde”, que incluía lo que posteriormente el propio Dylan definió como "ese sonido delgado y de mercurio salvaje". Al Kooper describió el álbum diciendo que "toma dos culturas y las hace colisionar produciendo una enorme explosión": el mundo musical de Nashville y el mundo del "hipster quintaesencial neoyorkino", Bob Dylan.

El 22 de Noviembre de 1965, Dylan contrajo matrimonio en secreto con la modelo de 25 años Sara Lownds. Varios de los amigos de Dylan, incluyendo Ramblin’ Jack Elliott, comentaron que, incluso minutos después de la boda, Dylan negó que estaba casado. La periodista Nora Ephron fue la primera en hacer pública la noticia en Febrero de 1966 en un artículo de New York Post con el titular: "¡Silencio! Dylan está casado".

Dylan emprendió una gira mundial por Australia y Europa durante la primavera de 1966. Cada concierto se dividía en dos partes. En la primera, Dylan interpretaba en solitario material de su primera etapa, acompañado de guitarra y armónica. En la segunda mitad, secundado por The Hawks, interpretaba música eléctrica. El contraste provocó la ira de muchos seguidores, que mostraban su enfado mediante aplausos lentos y desacompasados. La gira culminó con una famosa confrontación entre Dylan y el público del Manchester Free Trade Hall en Inglaterra. Al final del concierto, un seguidor, enojado con el sonido eléctrico de Dylan, gritó: "¡Judas!", a lo que Dylan respondió: "No te creo. Eres un mentiroso", antes de volverse a la banda y ordenar fuera de micrófono: "¡tocadlo alto, joder!", y entonces se zambulleron con gusto en la última canción de la noche, “Like a Rolling Stone”.

1967-1972: Accidente de moto y reclusión

Tras la gira europea, Dylan volvió a Nueva York, aunque las presiones sobre él seguían aumentando. La cadena de televisión ABC había pagado un adelanto por un guión para un programa de televisión que Dylan debía escribir. Por otra parte, la editora Macmillan seguía demandando un manuscrito final para la novela Tarántula, al mismo tiempo que su representante, Albert Grossman, había organizado una nueva gira de conciertos para el verano y el otoño.

El 29 de Julio de 1966, los frenos de su motocicleta Triumph 500 se bloquearon en una carretera cercana a su hogar de Woodstock, Nueva York, arrojándolo a tierra. Aunque el alcance de sus heridas nunca fue revelado, Dylan dijo que se había fracturado varias vértebras cervicales. El misterio aún ronda las circunstancias del accidente en tanto que no se llamó a ninguna ambulancia y Dylan no fue hospitalizado. En relación a la relevancia de su accidente, Dylan expresó cierta amargura en la forma en que había sido tratado: "Cuando tuve ese accidente de moto... me desperté y capturé mis sentidos, y me di cuenta de que estaba trabajando para todas esas sanguijuelas. Y no quería hacer eso. Además, tenía una familia y quería ver a mis hijos". La biografía de Howard Sounes, “Down The Highway”, concluye que el accidente ofreció a Dylan la necesidad de escapar de las presiones que había construido en torno a sí mismo. A raíz de su accidente, Dylan se retiró de la opinión pública, y con la excepción de algunas apariciones, no volvió a salir de gira hasta ocho años después.

Una vez que Dylan estuvo lo suficientemente recuperado para reanudar su trabajo, comenzó a editar material grabado durante su gira de 1966 para “Eat the Document”, una secuela de “Don’t Look Back”. Un primer segmento fue mostrado a la cadena ABC y rechazado por su presumible incomprensibilidad para un público general. En 1967, comenzó a grabar música con The Hawks en su hogar y en el sótano del hogar que The Hawks habían alquilado en Woodstock, llamado "Big Pink" por el color de su fachada. Las canciones, inicialmente compiladas como demos para que las grabaran otros artistas, sirvieron como sencillos de éxito para Julie Driscoll (“This Wheel’s on Fire”), The Byrds (“You Ain’t Goin’ Nowhere”, “Nothing Was Delivered”) y Manfred Mann (“Quinn the Eskimo (The Mighty Quinn)”). En 1975, Columbia recopiló una selección de las canciones para publicarlas en The Basement Tapes. Sin embargo, durante el curso de los años, un mayor número de las grabaciones entre Dylan y The Hawks fueron publicadas en bootlegs, culminando en un compilatorio de cinco discos titulado “The Genuine Basement Tapes”, con 107 canciones y tomas alternativas. Durante los meses siguientes, The Hawks pasaron a llamarse The Band y grabaron el álbum “Music from Big Pink”, haciendo uso de varias canciones que en un primer momento habían registrado en su sótano de Woodstock.

En Octubre y Noviembre de 1967, Dylan volvió a Nashville, Tennessee. De nuevo en el estudio de grabación tras un parón de 19 meses, Dylan estuvo acompañado exclusivamente por Charlie McCoy al bajo, Kenny Buttrey a la batería y Pete Drake en la steel guitar. El resultado fue “John Wesley Harding”, un álbum de canciones tranquilas y contemplativas basadas en un paisaje que evocaba la cultura del Oeste americano y de la Biblia. La escasa instrumentación y su estructura, junto con letras que tomaban seriamente la tradición judeocristiana, marcaban un distanciamiento no sólo respecto del propio trabajo de Dylan, sino también frente al creciente fervor psicodélico en la cultura musical de mediados de la década de 1960. “John Wesley Harding” incluye “All Along the Watchtower”, cuya letra deriva del Libro de Isaías (21:5-9) y que posteriormente fue grabada por Jimi Hendrix, cuya versión aplaudiría más tarde el propio Dylan como la versión definitiva.

A causa del fallecimiento de Woody Guthrie el 3 de Octubre de 1967, Dylan hizo su primera aparición pública después de veinte meses en el concierto memorial de homenaje a Guthrie organizado en el Carnegie Hall el 20 de Enero de 1968.

El siguiente trabajo de estudio, “Nashville Skyline”, era virtualmente un álbum de música country comercial en el que Dylan estaba respaldado por músicos de Nashville, Tennessee, y característico por el uso de una voz más suave e inapropiada en Dylan. El álbum incluye un dúo con Johnny Cash en “Girl from the North Country” y el sencillo “Lay Lady Lay”, que había sido compuesto originalmente para la banda sonora de Cowboy de medianoche, si bien no se grabó a tiempo para incluirse en ella. En Mayo de 1969, Dylan apareció en el primer episodio del programa de televisión de Johnny Cash, cantando a dúo “Girl from the North Country”, “It Ain’t Me, Babe” y “Living the Blues”. La siguiente aparición pública de Dylan tuvo lugar en el Festival de la Isla de Wight el 31 de Agosto de 1969, tras rechazar su participación en el festival de Woodstock cercano a su hogar.

A comienzos de la década de 1970, los críticos cargaron contra la producción de calidad diversa e impredecible de Dylan. En particular, el columnista de la revista Rolling Stone Greil Marcus se preguntó: "¿Qué es esta mierda?" tras escuchar el álbum de 1970 “Self Portrait”. En general, “Self Portrait”, un doble álbum con pocas composiciones originales, fue mal recibido por la crítica y por el público. A finales de año, Dylan publicó el álbum “New Morning”, que muchos consideraron como un retorno a la buena forma. El mismo año, Dylan coescribió “I’d Have You Anytime”, “Nowhere to Go” e “If Not for You” junto a George Harrison. “I’d Have You Anytime” e “If Not for You” fueron incluidos en el triple álbum de Harrison “All Things Must Pass”, que cuenta con la participación de Dylan en el segundo tema. Por otra parte, Dylan también participó junto a Harrison en el concierto benéfico The Concert for Bangladesh, atrayendo una especial cobertura informativa a causa de las raras apariciones en público que Dylan ofrecía últimamente.

Entre el 16 y el 19 de Mayo de 1971, Dylan acudió a los pequeños Blue Rock Studios de Greenwich Village para grabar un sencillo, “Watching the River Flow”, y una nueva canción, “When I Paint My Masterpiece”. El 4 de Noviembre de 1971, Dylan grabó el sencillo “George Jackson”, considerado como un retorno a la canción protesta al hacerse eco del asesinato del militante de los Panteras Negras George Jackson en la prisión de San Quintín el verano anterior.

En 1972, Dylan firmó con Sam Peckinpah la grabación de la banda sonora de la película Pat Garrett y Billy the Kid, así como su participación como secundario en la película, interpretando a "Alias", un miembro de la pandilla de Billy con cierta base histórica. A pesar del fracaso de la película en taquilla, la canción “Knockin’ on Heaven’s Door”, incluida en la banda sonora, ha demostrado su durabilidad como una de las canciones más versionadas de Dylan.

1973-1978: Regreso a los escenarios

Dylan comenzó 1973 firmando un nuevo contrato con el sello de David Geffen Asylum Records, al finalizar su contrato con Columbia Records. En su siguiente álbum de estudio, “Planet Waves”, usó a The Band como grupo de respaldo. El álbum incluye dos versiones de ”Forever Young”, que se convirtió en una de sus canciones más conocidas. En 2003, Christopher Ricks relacionó el estribillo de la canción con el poema de John Keats “Ode on a Grecian Urn”, que contiene el verso: "For ever panting, and for ever young". Tal y como un crítico la describió, “Forever Young” proyecta "algo hímnico y sincero que proviene del padre que hay en Dylan". El propio Dylan comentó sobre la canción: "La escribí pensando en uno de mis hijos y sin querer ser demasiado sentimental".

A pesar de su marcha, Columbia Records publicó de forma simultánea “Dylan”, una colección de descartes y versiones de otros artistas que fue interpretada como una respuesta arisca del sello por su contrato con la compañía rival Asylum. En Enero de 1974, Dylan y The Band se embarcaron en una gira norteamericana de costa a costa. La demanda de entradas para sus conciertos desbordó todas las previsiones, con más de doce millones de peticiones por correo. Un doble álbum en directo de la gira, “Before the Flood”, fue publicado posteriormente por Asylum Records. En Mayo de 1974, Dylan participó en el concierto homenaje a Salvador Allende organizado por Phil Ochs, y al que también acudieron músicos como Pete Seeger y Arlo Guthrie (el hijo de Woody Guthrie). Dylan había aceptado participar a última hora cuando se enteró de que el concierto había vendido tan pocas entradas que corría riesgo de cancelación. Una vez que su presencia fue anunciada, se vendieron rápidamente todas las entradas.

Tras la gira con The Band, Dylan y su esposa declararon formalmente su ruptura. Posteriormente, Dylan llenó una pequeña libreta roja con nuevas canciones sobre relaciones de pareja y rupturas, y rápidamente grabó el nuevo material para el álbum “Blood on the Tracks”, en Septiembre de 1974. Tras su grabación, sin embargo, Dylan pospuso la publicación del álbum y regrabó la mitad de las canciones en los Sound 80 Studios de Minneapolis con la asistencia en la producción de su hermano David Zimmerman. Durante este tiempo, Dylan firmó un nuevo contrato con Columbia Records, que finalmente reeditaría los álbumes de Asylum.

Publicado a comienzos de 1975, “Blood on the Tracks” recibió reseñas tibias. En el británico NME, el crítico Nick Kent dijo que "los acompañamientos son tan cutres que suenan a meros ensayos en el local". En Rolling Stone, Jon Landau escribió en su reseña que "el disco se ha realizado con la típica baja calidad". Aún así, con los años la crítica ha señalado a “Blood on the Tracks” como uno de los mayores logros musicales de Dylan, situándolo a la altura de la trilogía de álbumes de mediados de la década de 1960. En Salon.com, Bill Wyman escribió: "”Blood on the Tracks” es su único álbum impecable y el mejor producido; las canciones, cada una de ellas, están construidas de forma disciplinada. Es su álbum más amable y más consternado, y parece haber logrado un sublime equilibrio entre los excesos de los álbumes plagados de verborrea de mediados de la década de 1960 y las composiciones intencionadamente sencillas de los años posteriores a su accidente".

Durante el verano, Dylan escribió su primera canción protesta exitosa después de doce años, a favor de la lucha por la liberación del boxeador Rubin Carter, quien había sido encarcelado acusado de triple homicidio en Paterson, Nueva Jersey. Tras visitar a Carter en prisión, Dylan escribió “Hurricane”, presentando la causa por la inocencia de Carter. A pesar de sus 8:32 minutos de duración, la canción fue extraída del álbum “Desire” como sencillo, alcanzó el puesto 33 en la lista Billboard Hot 100 y fue interpretada en todos los conciertos de la siguiente gira de Dylan, bautizada como Rolling Thunder Revue. La gira ofrecía una variada noche de entretenimiento con muchos intérpretes de la escena del folk de Greenwich Village como T-Bone Burnett, Ramblin' Jack Elliott, David Mansfield, Roger McGuinn, Mick Ronson, Joan Baez y la violinista Scarlet Rivera. Allen Ginsberg acompañó al elenco de artistas y apareció en escenas de la película que Dylan grababa simultáneamente. Sam Shepard fue inicialmente contratado para escribir el guión de la película, pero terminó acompañando a la gira como un cronista informal.

Entre finales de 1975 y comienzos de 1976, la gira sirvió como promoción del álbum “Desire”, que incluía varias de sus nuevas canciones con un estilo narrativo cercano a las crónicas de viajes y con la influencia de su nuevo colaborador Jacques Levy. A mediados de la gira, la Rolling Thunder Revue fue documentada para un especial televisivo bajo el título de Hard Rain, que coincidió con la publicación del álbum en directo “Hard Rain”. La primera parte de la gira, generalmente mejor recibida por la crítica, no encontró una publicación oficial hasta la edición en 2002 de “Live 1975”.

La gira de otoño de 1975 con la Rolling Thunder Revue también sirvió de trasfondo para el largometraje de cuatro horas “Renaldo and Clara”, una narración improvisada y extensa mezclada con metraje de conciertos y reminiscencias. Estrenada en 1978, la película recibió en general malas reseñas, a veces mordaces, y permaneció poco tiempo en los cines. A finales de año, Dylan permitió la edición de la película para resumirla en dos horas dominadas por interpretaciones en directo.

En Noviembre de 1976, Dylan apareció en el concierto de despedida de The Band, junto a otros invitados como Joni Mitchell, Muddy Waters, Van Morrison y Neil Young; organizado en San Francisco, California. La crónica del concierto, grabada por Martin Scorsese y titulada “El último vals”, y en la que se incluía aproximadamente la mitad de la actuación de Dylan, se estrenó en 1978 y fue alabada por la crítica como un momento épico en la historia del rock. En 1976, Dylan también compuso la canción “Sign Language” con Eric Clapton, y participó en su álbum “No Reason to Cry”. En el mismo año, Dylan grabó una versión de ”Buckets of Rain” con Bette Midler para su álbum “Songs for the New Depression”.

El álbum de 1978 “Street Legal”, grabado con una amplia banda de pop-rock y respaldado por un coro femenino, supone uno de sus álbumes más complejos y cohesivos desde el punto de vista lírico. Sin embargo, “Street Legal” recibió reseñas ambiguas en base, principalmente, a su pobre sonido, debido a las prácticas de grabación que Dylan hacía en el estudio. La amplia instrumentación utilizada no fue debidamente mezclada hasta casi un cuarto de siglo después, cuando el álbum fue remasterizado.

1978-1981: Crisis religiosa

A finales de la década de 1970, Dylan renace espiritualmente: se convierte al cristianismo, y publica dos álbumes de música gospel cristiana. “Slow Train Coming” incluye el acompañamiento a la guitarra de Mark Knopfler, y la producción del veterano productor de R&B Jerry Wexler. Wexler recalcó que cuando Dylan intentaba evangelizarle durante la grabación, él contestaba: "Bob, estás tratando con un judío ateo de sesenta y dos años. Vamos a hacer un álbum". “Slow Train Coming” ganó el premio Grammy a la mejor voz masculina por la canción “Gotta Serve Somebody”. El segundo álbum evangélico, “Saved”, publicado en 1980, recibió reseñas tibias, aunque Kurt Loder declaró en la revista Rolling Stone que el álbum era muy superior desde el punto de vista musical a su predecesor.

Durante las giras llevadas a cabo entre otoño de 1979 y primavera de 1980, Dylan dejó de interpretar sus canciones más conocidas, seculares, y comenzó a realizar en el escenario declaraciones sobre su fe, como la siguiente: "Años atrás decían que era un profeta. Yo decía: "No, no soy un profeta", y ellos dicen: "sí, lo eres, eres un profeta". Y yo contestaba: "No, no soy yo". Ellos decían: "Seguro que eres un profeta". Me convencían de que era un profeta. Ahora vengo y os digo que Jesús es la respuesta. Y ellos dicen: "Bob Dylan no es un profeta. Simplemente no pueden manejarlo".

El hecho de que Dylan abrazase el cristianismo produjo el rechazo de varios de sus seguidores y de compañeros de profesión. Poco antes de su asesinato, John Lennon grabó “Serve Yourself” como respuesta a la canción “Gotta Serve Somebody”. En 1981, cuando la fe de Dylan era más que conocida, Stephen Holden escribió en New York Times que "ni la edad (entonces tenía 40) ni su más que publicitada conversión al cristianismo ha alterado su esencial temperamento iconoclasta".

1981-1989: Trabajos menores

En otoño de 1980, Dylan volvió a salir de gira en una serie de conciertos etiquetados como "una retrospectiva musical" al reinsertar varias de sus viejas composiciones en el repertorio. “Shot of Love”, grabado la siguiente primavera, cuenta con la participación de Ron Wood y Ringo Starr en el tema “Heart of Mine”, e incluye las primeras composiciones seculares de Dylan después de más de dos años, mezcladas con otras canciones de marcada índole cristiana. La evocativa pieza “Every Grain of Sand” recordaba, según ciertos críticos, a los poemas de William Blake.

Durante la década de 1980, la calidad de las grabaciones de Dylan varió ampliamente, desde “Infidels”, publicado en 1983 y aclamado por la crítica, hasta el abucheado “Down in the Groove”, publicado en 1988. Críticos como Michael Gray condenaron los álbumes de Dylan, tanto por mostrar un extraordinario descuido en el trabajo en el estudio, como por descartar sus mejores canciones. Las sesiones de grabación de “Infidels”, por ejemplo, produjeron notables canciones que Dylan descartó de la configuración final del álbum; entre ellas, las más aplaudidas fueron “Blind Willie McTell” (homenaje al fallecido cantante de blues y evocación de la historia afroamericana ), “Foot of Pride” y “Lord Protect My Child”. Estas canciones fueron finalmente publicadas en 1991 en “The Bootleg Series Volumes 1-3 (Rare & Unreleased) 1961-1991”.

Entre Julio de 1984 y Marzo de 1985, Dylan grabó su siguiente álbum de estudio, “Empire Burlesque”. Arthur Baker, que había trabajado para Bruce Springsteen y Cyndi Lauper, fue contratado como ingeniero de grabación. Baker ha dicho que tuvo la sensación de que le contrataban para hacer el sonido del álbum "un poco más contemporáneo". El álbum fue acompañado por la grabación de un vídeoclip, bajo la dirección de Paul Schrader, para la canción “Tight Connection to My Heart”.

El compromiso social del mundo de la música anglosajona encontró su máxima expresión en 1985 con el sencillo “We Are the World”, en cuya grabación participó Dylan. El 13 de Julio de 1985, Dylan participó al final del concierto Live Aid organizado en el JFK Stadium de Filadelfia. Respaldado por Keith Richards y Ron Wood, Dylan interpretó una irregular versión de “The Ballad of Hollis Brown”, su balada a la pobreza rural, y habló para un público mundial que excedía de los mil millones de personas, diciendo: "Espero que algo de este dinero... quizás puedan tomar un poco de él, quizás... uno o dos millones, quizás... y usarlo para pagar las hipotecas de algunas granjas y de granjeros de aquí, que pertenecen a los bancos". Se criticó mucho sus palabras como inapropiadas, pero al mismo tiempo inspiraron a Willie Nelson a organizar una serie de eventos bajo el título de Farm Aid con el fin de recaudar fondos para los granjeros.

Para celebrar sus 25 años de actividad discográfica, Columbia publicó el álbum quíntuple “Biograph”, con canciones descartadas y tomas alternativas entremezcladas con los grandes éxitos del músico. En Julio de 1986, Dylan publicó “Knocked Out Loaded”, un álbum con tres versiones (de Little Junior Parker, Kris Kristofferson y el himno gospel tradicional “Precious Memories”), tres colaboraciones con otros compositores (Tom Petty, Sam Shepard y Carole Bayer Sager) y dos composiciones propias. “Knocked Out Loaded” recibió reseñas negativas desde su publicación, siendo calificado por la revista Rolling Stone como una "aventura deprimente", y se convirtió en el primer álbum desde “The Freewheelin’” en no entrar en los cincuenta primeros puestos de las listas. Posteriormente, varios críticos han calificado la canción “Brownsville Girl”, de once minutos de duración, que Dylan compuso junto a Sam Shepard, como una obra genial. En 1986 y 1987, Dylan ofreció conciertos junto a Tom Petty and The Heartbreakers, compartiendo voz con Petty en varias canciones cada noche. Dylan también compartió escenario en 1987 con The Grateful Dead durante conciertos grabados y posteriormente recopilados para el álbum en directo “Dylan and The Dead”. Este álbum recibió reseñas especialmente negativas: en Allmusic, Stephen Thomas escribió: "Posiblemente el peor álbum tanto de Bob Dylan como de Grateful Dead". Tras tocar conjuntamente con estos artistas, Dylan comenzó el conocido como Never Ending Tour ("la gira interminable") el 7 de Junio de 1988, con una banda de acompañamiento que incluía al guitarrista G. E. Smith. Durante los siguientes veinte años, Dylan seguiría ofreciendo conciertos de forma continua con una banda pequeña pero en constante evolución.

En 1987, Dylan participó en la película de Richard Marquand Corazones de fuego, en la que interpretó a Billy Parker, una estrella del rock convertida a granjero de pollos cuya amante adolescente (Fiona) le abandona por una hastiada estrella inglesa del synth-pop (interpretada por Rupert Everett). Dylan contribuyó a la banda sonora de la película, que fue un fracaso comercial y no llegó a estrenarse en Estados Unidos, con las canciones “Night After Night” e “I Had a Dream About You, Baby”, así como una versión de “The Usual”, de John Hiatt.

Dylan fue admitido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en Enero de 1988. Bruce Springsteen, encargado del discurso, declaró: "Bob liberó nuestra mente del mismo modo en que Elvis liberó nuestro cuerpo. Nos enseñó que el mero hecho de que la música fuera naturalmente física no significaba que fuera anti-intelectual". A continuación, Dylan publicó el álbum “Down in the Groove”, que obtuvo ventas menores y críticas aún peores en comparación con sus anteriores trabajos. Únicamente la canción “Silvio” obtuvo cierto éxito como sencillo. En primavera, Dylan fundó junto a George Harrison, Jeff Lynne, Roy Orbison y Tom Petty el grupo Traveling Wilburys, volviendo a las listas de éxitos con el álbum “Traveling Wilburys Vol. 1”. A pesar de la muerte de Roy Orbison en Diciembre de 1988, el resto del grupo grabó un segundo álbum en Mayo de 1990, publicado bajo el inesperado título de “Traveling Wilburys Vol. 3”.

Dylan finalizó la década con un repunte en su carrera gracias al álbum “Oh Mercy”, producido por Daniel Lanois. La revista Rolling Stone definió el álbum como "satisfactorio y desafiante". El tema “Most of the Time” fue incorporado a la película High Fidelity, mientras que la canción “What Was It You Wanted?” fue interpretada como un catecismo y como un agrio comentario sobre las expectaciones de críticos y seguidores. Por otra parte, la imaginería religiosa de “Ring Them Bells” sirvió para confirmar a sus seguidores la reafirmación de su fe.

1990-1999: Aún no ha oscurecido

Dylan comenzó la década de 1990 con la publicación de “Under the Red Sky”, que incluía canciones aparentemente de mayor sencillez lírica como “Wiggle Wiggle”, y que contó con la colaboración de George Harrison, Slash, David Crosby, Bruce Hornsby, Stevie Ray Vaughan y Elton John. A pesar de la alineación de estrellas musicales, el álbum obtuvo reseñas negativas y bajas ventas. Durante siete años, Dylan no volvió a realizar un álbum de estudio con nuevos temas.

En 1991, fue galardonado por la industria discográfica con un premio Grammy a toda su carrera. El evento coincidía con el comienzo de la Guerra del Golfo contra Saddam Hussein y Dylan interpretó la canción “Masters of War”, tras lo cual pronunció un breve discurso que escandalizó a parte del público. Ese mismo año, salió al mercado “The Bootleg Series Volumes 1-3 (Rare & Unreleased) 1961-1991”, triple álbum que contiene descartes y rarezas grabadas por Dylan entre 1961 y 1989. Publicado en respuesta a la fuerte demanda de discos piratas por parte de los aficionados a la música de Dylan, sería el primero de una serie de álbumes con material pirata (bootlegs) de Dylan (The Bootleg Series) editados después oficialmente por su compañía discográfica.

Los siguientes años supusieron el retorno de Dylan a sus raíces musicales con dos álbumes de marcado carácter folk y blues: “Good as I Been to You” y “World Gone Wrong”, que incluían canciones tradicionales interpretadas con guitarra acústica. Como excepción a su retorno folk, Dylan compuso en 1991 junto a Michael Bolton la canción “Steel Bars”, incluida en el álbum de Bolton “Time, Love & Tenderness”. En Noviembre de 1994, Dylan grabó dos conciertos para el programa MTV Unplugged. Su deseo de interpretar una lista de canciones tradicionales fue desechado por los ejecutivos de Sony, que insistieron en incluir sus grandes éxitos. Un álbum posterior, “MTV Unplugged”, incluye la canción inédita de 1963 “John Brown”, que trata sobre los estragos de la guerra y del jingoism (patriotismo belicista). El mismo año, participa en el festival Woodstock 94.

Con una nueva colección de canciones compuestas durante una nevada en su rancho de Minnesota, Dylan reservó los Criteria Studios de Miami junto a Daniel Lanois en Enero de 1997. Las sesiones de grabación que dieron como fruto “Time Out of Mind” estuvieron, según declaró el propio Lanois, cargadas de tensión. A finales de primavera, antes de la publicación de “Time Out of Mind”, Dylan fue hospitalizado a causa de una pericarditis causada por una histoplasmosis derivada, a su vez, de una infección micótica. La gira europea programada con antelación fue cancelada, aunque Dylan se recuperó rápidamente de la infección; cuando salió del hospital, dijo: "la verdad es que me pensaba que iba a ver pronto a Elvis". A mediados de verano volvió a la carretera, y en otoño tocó para el Papa Juan Pablo II en el Congreso Eucarístico Internacional celebrado en Bolonia, en Italia. Previamente, el Papa leyó un sermón ante un público de 200.000 personas basado en la letra de la canción de Dylan “Blowin’ in the Wind”.

En Septiembre tuvo lugar la publicación del álbum producido por Lanois “Time Out of Mind”. Con su amarga evaluación del amor y de la muerte en canciones como “Not Dark Yet” y “Tryin’ to Get to Heaven”, la primera colección tras siete años de canciones propias de Dylan fue muy aclamada por la crítica. “Time Out of Mind” se alzó con el Grammy al álbum del año.

2000-actualidad: Dylan en el siglo XXI

En 2000, la canción “Things Have Changed”, compuesta para la película Jóvenes prodigiosos, ganó un Globo de Oro y un Óscar a la mejor canción. En algunos conciertos de Dylan se puede observar el Óscar presidiendo el escenario sobre un amplificador.

El sucesor de “Time Out of Mind”, titulado “Love and Theft”, fue publicado el 11 de Septiembre de 2001. Grabado con su banda habitual en las giras, el álbum fue producido por Dylan bajo el seudónimo de Jack Frost e incluye canciones que amplían la paleta de registros de Dylan hacia el rockabilly, el jazz, la balada y el swing. “Love and Theft” obtuvo reseñas positivas por parte de la crítica y fue nominado a sendos premios Grammy.

En 2003, Dylan revisó sus composiciones del periodo evangélico y participó en el CD “Gotta Serve Somebody: The Gospel Songs of Bob Dylan”. El mismo año vio la luz la película Anónimos, una colaboración con el productor de televisión Larry Charles en la que Dylan apareció interpretando a un músico retirado junto a actores de la talla de Jeff Bridges, Penélope Cruz y John Goodman. La película obtuvo reseñas mixtas: algunos críticos tacharon al metraje de "lío incoherente", mientras otros trataron a la película como un trabajo artístico serio.

En Octubre de 2004, Dylan publicó la primera parte de su autobiografía, “Crónicas, Vol. 1”. Dylan dedicó tres capítulos a su primera estancia en Nueva York entre 1961 y 1962, así como otros dos a la grabación de “New Morning” y “Oh Mercy”. El libro alcanzó el primer puesto en las listas de libros de no-ficción más vendidos en The New York Times y fue nominado al Premio Nacional del Libro.

El documental “No Direction Home”, dirigido por Martin Scorsese, fue estrenado en Septiembre de 2005. “No Direction Home” se centra en el periodo que va desde la llegada de Dylan a Nueva York en 1961 hasta su accidente de moto en 1966, e incluye entrevistas con Suze Rotolo, Liam Clancy, Joan Baez, Allen Ginsberg, Pete Seeger, Mavis Staples y el propio Dylan. Con motivo de su estreno, Columbia publicó “The Bootleg Series, Vol. 7”, que incluye la banda sonora del filme y canciones inéditas.

El 3 de Mayo de 2006 tuvo lugar el estreno de Dylan como locutor de radio en el programa semanal “Theme Time Radio Hour” para XM Satellite Radio, integrado por canciones relacionadas con un tema semanal. En el programa, Dylan selecciona canciones clásicas que van desde la década de los años 1930 hasta la actualidad, combinando a artistas contemporáneos tan variados como Blur, Prince, L.L. Cool J o The Streets con leyendas musicales como Randy Newman, Aretha Franklin o Pete Seeger. El programa fue alabado por críticos y seguidores como un "gran programa de radio" al incluir una dinámica habitual con historias relatadas por el propio Dylan y referencias a su humor sardónico y a sus conocimientos musicales. Al respecto, Peter Guralnick comentó: "Con este programa, Dylan echa mano de su profundo amor –y yo incluso diría que de su fe– por un mundo musical sin fronteras. Tengo la sensación de que los comentarios a menudo reflejan la misma consideración surrealista de la comedia humana que exuda su música".

El 29 de Agosto de 2006, Dylan publicó el álbum “Modern Times”. En una entrevista concedida a Rolling Stone, Dylan criticó la calidad de las grabaciones modernas y observó que sus nuevas canciones "probablemente sonaban diez veces mejor en el estudio que cuando las grabamos". A pesar de cierto empeoramiento de la voz de Dylan (un crítico de The Guardian comparó su manera de cantar en el disco como "el traqueteo de la muerte por catarro"), la mayoría de los críticos alabaron el álbum y lo colocaron como estamento final de una trilogía de éxitos que comenzaba con “Time Out of Mind” y continuaba con “Love and Theft”. Modern Times debutó en el primer puesto en la lista Billboard 200, consiguiendo el primer número 1 para Dylan desde el álbum de 1976 “Desire”. Con 65 años, Dylan se convirtió en el cantante solista más veterano en la historia que conseguía ser número 1 en Estados Unidos, superado en 2008 por Neil Diamond con su álbum “Home Before Dark”.

En Agosto de 2007 se publicó el biopic “I'm Not There”, escrito y dirigido por Todd Haynes y que llevaba el subtítulo de "inspirado en la música y las muchas vidas de Bob Dylan". La película hace uso de seis distintos personajes de Dylan para representar los distintos aspectos de su vida, interpretados por Christian Bale, Cate Blanchett, Marcus Carl Franklin, Richard Gere, Heath Ledger y Ben Whishaw. Una grabación inédita de 1967 de la que la película toma el nombre se incluyó por primera vez en la banda sonora del filme; el resto de canciones incluye versiones de otros artistas como Eddie Vedder, Stephen Malkmus, Jeff Tweedy, Willie Nelson, Cat Power, Richie Havens y Tom Verlaine. En Octubre fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en Oviedo, sin la presencia del músico al coincidir con un concierto en Omaha, Nebraska.

En un intento por recopilar una antología definitiva, el 1 de Octubre de 2007 Columbia Records publicó un triple álbum bajo el título de “Dylan”. Como parte de la campaña promocional, Mark Ronson produjo una remezcla de la canción de 1966 “Most Likely You Go Your Way (And I’ll Go Mine)”, publicada como maxi single. Era la primera vez que Dylan autorizaba una remezcla de una de sus grabaciones clásicas.

Una década después de que Random House publicara “Drawn Blank” (1994), su primer libro de pinturas, la exhibición “The Drawn Blank Series” abrió sus puertas en Chemnitz, Alemania, en Octubre de 2007. La exhibición incluía 170 grabados y gouaches realizados por Dylan.

En Octubre de 2008, Columbia publicó el octavo volumen de la conocida serie de bootlegs oficiales, “Tell Tale Signs: Rare and Unreleased 1989-2006”, con canciones descartadas, tomas alternativas y versiones en directo de canciones que se trasladan desde “Oh Mercy” (1989) hasta “Modern Times” (2006). La publicación fue aclamada por la crítica musical. La plétora de tomas alternativas y material inédito movió a Allan Jones, autor de la reseña para la revista Uncut, a escribir: "”Tell Tale Signs” es la evidencia de la asombrosa vivacidad de Dylan, su evidente determinación de repetirse lo menos posible a sí mismo en el estudio".

Apenas tres años después de la publicación de “Modern Times”, la revista musical Rolling Stone publicó la noticia de que Dylan había grabado un nuevo álbum. En el reportaje, la revista rumoreó que Dylan estuvo acompañado en las grabaciones por su banda habitual en la gira y por David Hidalgo, de Los Lobos. El álbum, titulado “Together Through Life”, fue publicado el 28 de Abril. En una entrevista con el periodista Bill Flanagan, Dylan reveló que el nuevo álbum estaba muy influenciado por el sonido de Chess Records y Sun Records. Asimismo, apuntó que el génesis del álbum tuvo lugar cuando el director de cine Olivier Dahan le solicitó que compusiera una canción para su película My Own Love Song, siguiendo el disco a continuación "su propio camino". En su primera semana, el álbum alcanzó el primer puesto en la lista Billboard 200 de Estados Unidos y en el Reino Unido, convirtiéndose en el primer número 1 de Dylan desde el álbum de 1970 “New Morning”.

En Agosto de 2009, la revista Rolling Stone confirmó que Dylan había grabado un álbum navideño, titulado “Christmas In The Heart”, publicado finalmente el 13 de Octubre. El álbum incluye canciones tradicionales de la Navidad como “Must Be Santa”, “Little Drummer Boy”, “Winter Wonderland” y “Here Comes Santa Claus”. Los beneficios obtenidos por el álbum en EEUU irán destinados en su integridad a la ONG Feeding America, la mayor organización caritativa del país, mientras que los beneficios del álbum en el resto del mundo se destinarán al Programa Mundial de Alimentos de la ONU.

Legado e influencia

Se ha descrito a Bob Dylan como una de las figuras más influyentes del siglo XX desde el punto de vista musical y cultural. Fue incluido en el especial Time 100: The Most Important People of the Century, donde fue definido como "maestro poeta, crítico social caústico e intrépido espíritu guía de la generación contracultural". En 2004, se le elevó a la segunda posición de la lista de los mejores artistas de todos los tiempos en la revista Rolling Stone.

Con un estilo inicialmente modelado a partir de las canciones de Woody Guthrie y de Robert Johnson, Dylan aportó técnicas líricas cada vez más sofisticadas a la música folk de comienzos de la década de 1960, infundiéndole "el intelectualismo de la literatura y poesía clásicas". Paul Simon sugiere que con sus primeras composiciones, Dylan se hizo virtualmente con el dominio del género folk: "Las primeras canciones eran muy ricas, con fuertes melodías. “Blowin’ in the Wind” tiene una verdadera melodía muy fuerte. Se engrandeció a sí mismo por medio del trasfondo de folk que incorporó durante un tiempo. Durante un tiempo, definió el género".

Cuando Dylan pasó de la música acústica al folk rock, la mezcla fue aún más compleja. Para muchos críticos, el mayor logro de Dylan fue la síntesis cultural que ejemplica su trilogía de álbumes de mediados de los sesenta: “Bringing It All Back Home”, “Highway 61 Revisited” y “Blonde on Blonde”. Según Mike Marqusee: "Entre finales de 1964 y verano de 1966, Dylan creó una obra que sigue siendo única. Sobre las bases del folk, del blues, del country, del R&B, del rock’n’roll, del gospel, del beat británico, de la poesía simbolista, modernista y beat, del surrealismo y del dadaísmo, y recomendando la jerga y el comentario social, Fellini y el Mad Magazine, forjó una coherente y original voz y visión artística. La belleza de estos álbumes conserva el poder del impacto y del consuelo".

Un legado de la sofisticación verbal de Dylan fue la creciente atención que lograba por parte de críticos literarios. El profesor Christopher Ricks publicó un análisis de 500 páginas sobre el trabajo de Dylan, emplazándolo en el contexto de autores como Eliot, Keats y Alfred Tennyson. El poeta laureado de Gran Bretaña Andrew Motion sugirió también que las letras de Bob Dylan deberían estudiarse en la escuela. En este mismo contexto, Dylan fue nominado varias veces al Premio Nobel de Literatura.

Dentro del terreno musical, Lou Reed, Jimi Hendrix, Bono, Neil Young, Bruce Springsteen, Tom Petty, Van Morrison, Leonard Cohen, The Go-Betweens, David Bowie, Bryan Ferry, Mike Watt, Roger Waters, Ian Hunter, Paul Simon, David Gilmour, Nick Cave, Keith Richards, Patti Smith, Iggy Pop, Jack White, Ronnie Wood, Billy Joel, Glen Hansard, Robyn Hitchcock, Joe Strummer y Tom Waits, entre otros, han reconocido la importancia de Dylan en la música contemporánea. También los cantautores españoles Joaquín Sabina, Enrique Bunbury y Nacho Vegas, así como el argentino Andrés Calamaro, quien participó en una gira por España con él en 1999, se sienten influenciados por su música y legado. El asturiano Toli Morilla editó, en Junio de 2009, un disco con diez versiones en asturiano autorizadas por Dylan. Charly Garcia y León Gieco han reconocido la influencia de Bob Dylan, e incluso fueron los músicos con los que Dylan dio el recital en Vélez (Buenos Aires) durante su gira americana en 2008.

Discografía

Álbumes

Álbumes de estudio

1962 Bob Dylan
1963 The Freewheelin' Bob Dylan
1964 The Times They Are a-Changin'
1964 Another Side of Bob Dylan
1965 Bringing It All Back Home
1965 Highway 61 Revisited
1966 Blonde on Blonde
1967 John Wesley Harding
1969 Nashville Skyline
1970 Self Portrait
1970 New Morning
1973 Pat Garrett & Billy the Kid
1973 Dylan
1974 Planet Waves
1975 Blood on the Tracks
1975 The Basement Tapes
1976 Desire
1978 Street Legal
1979 Slow Train Coming
1980 Saved
1981 Shot of Love
1983 Infidels
1985 Empire Burlesque
1986 Knocked Out Loaded
1988 Down in the Groove
1989 Oh Mercy
1990 Under the Red Sky
1992 Good as I Been to You
1993 World Gone Wrong
1997 Time Out of Mind
2001 "Love and Theft"
2006 Modern Times
2009 Together Through Life
2009 Christmas in the Heart

Álbumes recopilatorios

Bob Dylan's Greatest Hits 1967
Bob Dylan's Greatest Hits Vol. II 1971
Masterpieces 1978
Biograph 1985
The Bootleg Series Volumes 1-3 (Rare & Unreleased) 1961-1991 1991
Bob Dylan's Greatest Hits Volume 3 1994
The Bootleg Series Vol. 4: Bob Dylan Live 1966, The "Royal Albert Hall" Concert 1998
The Essential Bob Dylan 2000
The Bootleg Series Vol. 5: Bob Dylan Live 1975, The Rolling Thunder Revue 2002
The Bootleg Series Vol. 6: Bob Dylan Live 1964, Concert at Philharmonic Hall 2004
The Bootleg Series Vol. 7: No Direction Home: The Soundtrack 2005
Dylan 2007
The Bootleg Series Vol. 8: Tell Tale Signs 2008

Álbumes en directo

Before the Flood 1974
Hard Rain 1976
Bob Dylan at Budokan 1979
Real Live 1984
Dylan & The Dead 1989
The 30th Anniversary Concert Celebration 1993
MTV Unplugged 1995
Live at The Gaslight 1962 2005
Live at Carnegie Hall 1963 2005

Con Traveling Wilburys

Traveling Wilburys Vol. 1 1988
Traveling Wilburys Vol. 3 1990
The Traveling Wilburys Collection 2007

Otras apariciones

The Concert for Bangla Desh (George Harrison, 1971) - 6 canciones
Rock of Ages (The Band, 1972) - 4 canciones
The Last Waltz (The Band, 1978) - 5 canciones
Postcards of the Hanging (The Grateful Dead, 2002) - 1 canción
Gotta Serve Somebody: The Gospel Songs of Bob Dylan (varios, 2003) - 1 canción
A Musical History (The Band, 2005) - 7 canciones

Singles

1962 "Mixed Up Confusion"
1964 "Blowin' in the Wind"
1965 "The Times They Are a-Changin'"
1965 "Maggie's Farm"
1965 "Subterranean Homesick Blues"
1965 "Like a Rolling Stone"
1965 "Positively 4th Street"
1965 "Can You Please Crawl Out Your Window?"
1966 "One of Us Must Know (Sooner or Later)"
1966 "Rainy Day Women #12 & 35"
1966 "I Want You"
1966 "Just Like a Woman"
1967 "Leopard-Skin Pill-Box Hat"
1969 "I Threw It All Away"
1969 Lay Lady Lay
1969 "Tonight I’ll Be Staying Here with You"
1970 "Wigwam"
1971 "Watching the River Flow"
1971 "If Not for You"
1971 "George Jackson"
1973 "Knockin' on Heaven's Door"
1973 "A Fool Such as I"
1974 "On a Night Like This"
1974 "Something There Is About You"
1974 "Most Likely You Go Your Way (And I'll Go Mine)"
1974 "All Along the Watchtower"
1975 "Tangled Up in Blue"
1975 "Hurricane"
1976 "Mozambique"
1977 "Rita May"
1978 "Is Your Love in Vain?"
1978 "Baby, Stop Crying"
1978 "Changing of the Guards"
1979 "Gotta Serve Somebody"
1980 "Man Gave Names to All the Animals"
1980 "Solid Rock"
1980 "Saved"
1981 "Shot of Love"
1981 "Heart of Mine"
1983 "Sweetheart Like You"
1984 "Jokerman"
1985 "Tight Connection to My Heart (Has Anybody Seen My Love?)"
1985 "When the Night Comes Falling from the Sky"
1986 "Band Of The Hand"
1986 "I've Got My Mind Made Up"
1987 "Silvio"
1989 "Everything Is Broken"
1989 "Slow Train" (con Grateful Dead)
1990 "Unbelievable"
1993 "My Back Pages"
1995 "Dignity"
1998 "Not Dark Yet"
1998 "Love Sick"
2000 "Things Have Changed"
2006 "Someday Baby"
2007 "Most Likely You Go Your Way (And I'll Go Mine)" (Mark Ronson Re-Version)
2008 "Dreamin' of You"
2009 "Beyond Here Lies Nothin'"

Películas Como tema principal

Don't Look Back (1967)
Eat the Document (1969)
Renaldo and Clara (1978)
The 30th Anniversary Concert Celebration (1993)
MTV Unplugged (1995)
Masked and Anonymous (2003)
No Direction Home (2005)
I'm Not There (2007)

Como actor

Pat Garrett & Billy the Kid (1973)
Hearts of Fire (1987)
Backtrack aka "Catchfire" (1990)
Paradise Cove (1999)
Masked and Anonymous (2003)

Como intérprete

The Concert for Bangladesh (1972)
The Last Waltz (1978)
Gotta Serve Somebody: The Gospel Songs of Bob Dylan DVD (2006)

Lista de premios Premios Grammy Año / Categoría / Título

2006 Mejor interpretación vocal rock masculina "Someday Baby"
2006 Mejor álbum de folk contemporáneo/americana Modern Times
2001 Mejor álbum de folk contemporáneo "Love and Theft"
1997 Álbum del año Time Out of Mind
1997 Mejor álbum de folk contemporáneo Time Out of Mind
1996 Mejor interpretación vocal rock masculina "Cold Irons Bound"
1994 Mejor álbum de folk tradicional World Gone Wrong
1991 Premio a la trayectoria musical N/A
1989 Premio Grammy por mejor interpretación rock de un dúo o grupo con vocalista Traveling Wilburys Vol. 1
1979 Mejor interpretación vocal rock masculina "Gotta Serve Somebody"
1972 Álbum del año The Concert for Bangla Desh

Premios Óscar Año / Categoría / Película / Resultado

2000 Óscar a la mejor canción Wonder Boys Ganador

BILLY JOEL

2009-12-29T18:22:00.008+01:00

William Martín (Billy) Joel (nacido el 9 de Mayo de 1949 en Bronx) es un cantante, compositor y pianista estadounidense.

Billy Joel ha grabado muchos éxitos populares desde 1973 (empezando con el sencillo “Piano Man”) hasta su retiro para grabar música pop en 1993. Es uno de los pocos artistas de rock y pop que consiguieron éxitos en el "Top Ten" de los ‘70, ‘80, y ‘90. Ganador del Premio Grammy en seis ocasiones, ha vendido más de 100 millones de disco en el mundo y es el sexto artista con más ventas en Estados Unidos, de acuerdo con la RIAA. Ha realizado exitosas giras artísticas, algunas veces con Elton John, además de escribir y grabar música clásica. Está reconocido como el más fino pianista de rock and roll en la historia de la música.

Biografía

Primeros años

Billy Joel primero vivía en el Sur del Bronx, en la Ciudad de Nueva York, pero su familia pronto se mudó a Long Island, específicamente, a Levittown sección de Hicksville. Sus padres posteriormente se divorciaron, y su padre regresó a la Europa del Este. Su hermanastro Alexander Joel es un aclamado pianista clásico y director de orquesta en Europa.

Desde una temprana edad, Billy Joel tuvo un intenso interés en la música, especialmente la música clásica. Billy Joel comenzó sus clases de piano a los 4 años de edad, y su interés por la música en vez de los deportes fue la causa de muchas discusiones y riñas en sus años mozos. Como adolescente, Billy Joel tomó clases de boxeo que le permitieran defenderse. Peleó de forma exitosa en el circuito amateur de "Golden Gloves" durante un corto tiempo, pero abandonó el deporte tras un combate de boxeo donde se rompió la nariz.

Billy Joel estudió en la Secundaria Hicksville y se graduó en 1967. Sin embargo, no tenía los suficientes créditos en una materia de Inglés para poder graduarse; se quedó dormido el día de un examen importante debido a su estilo de vida nocturna. Teniendo que atender a cursos de verano para completar ese requerimiento, optó por no continuar. Dejó la escuela sin un diploma para iniciar su carrera de músico y aunque era aficionado al boxeo, al final se decidió por el piano. Tocó con diversos grupos que no le proporcionaron mucho éxito, hasta que en 1971 grabó en Nueva York un álbum que despertó el interés general, pero no fue hasta 1973 que alcanzó el éxito con su álbum “Piano Man”.

“Piano Man” y el estrellato

“Piano Man” le dio el éxito que estaba buscando, y es la canción que da nombre al álbum, además está considerada una de las grandes canciones del rock/pop, de aquellas que pueden pasar los años y se seguirán escuchando. Al éxito de “Piano Man”, el cual hizo que llamara la atención del público, le siguió una tercia de discos considerados como de lo mejor de la historia del rock/pop, “The Stranger”, álbum que Joel publicó en 1977 lo hizo acreedor a un Grammy por Mejor Disco del Año mientras que “Just The Way You Are”, canción que aparece en el disco, se convertiría en el clásico de Joel, “The Stranger” incluso apareció en la lista de la revista Rolling Stone dentro de los mejores 100 álbumes de todos los tiempos, al igual que el álbum siguiente de Joel, “52nd Street” que terminó de situarlo en la cima del estrellato.

Los ‘80

Durante los ‘80 la música de Joel cambió, de aquel rock/pop alegre, virtuoso, y pegajoso acompañado de letras que hablaban de experiencias en bares, contando historias de viajes y regresos como “Seen The Lights Gone Out On Broadway”, “New York State of Mind” o “Allentown”, tuvo un radical cambio al entrar los ‘80 donde su estilo y sus letras cambiaron para hacerlas un tanto más románticas, introspectivas, y tranquilas, sobre todo al inicio de la década. Joel tuvo que cambiar la pasividad de sus letras y de su música, que no por ser pasiva dejó de ser brillante, y tuvo que adecuarse al estilo predominante de los ‘80, la desmesurada alegría en la sociedad explícita en las canciones de cada artista. El primer disco de Joel en los ’80, “The Nylon Courtain”, trata temas introspectivos y en cierto punto, rayando con lo político, como las guerras, que deja ver en su tema “Goodnight Saigon”, una de sus mejores canciones y que significa un homenaje a aquellos soldados perdidos en la Guerra de Vietnam. A finales de la década Joel volvió a cambiar su apariencia, y su música de nuevo volvió a ser el clásico contador de historias de los ‘70, con sus descripciones únicas y con sus ritmos pegajosos en cada canción que escribía.

En 1992, el crédito que debía en la materia de Inglés fue dispensado por la junta de la escuela Hicksville y recibió su diploma en una ceremonia de graduación tras 25 años después que dejó la escuela.

Se ha casado 3 veces, una vez a la modelo Christie Brinkley, y tiene una hija con Brinkley llamada Alexa Ray Joel de 23 años que ya ha sacado un disco y es una destacada pianista y cantante soul.

Su Legado

Billy Joel es considerado uno de los grandes cantautores de todos los tiempos, ganador de 6 Grammys en su carrera, incluyendo el Grammy Leyenda por su contribución a la música. Su legado en la cultura pop es sólo comparable con el de otros grandes como Elton John o Frank Sinatra entre otros, canciones que permanecerán inmortales a través de los años y que han emocionado a 3 generaciones completas. Billy Joel es ante todo un sagaz contador de historias, un trovador rockero, su sello particular, melódicas canciones pop/rock con un toque sutil y fantástico del piano, y como letra, cualquier historia que Joel pudiera contar, que iban desde viajes, fiestas, historias amorosas, y encuentros inesperados.

Premios Grammy

1978 Disco del Año Just the Way You Are (Canción)
1978 Canción del Año Just the Way You Are (Canción)
1979 Álbum del Año 52nd Street (Álbum)
1979 Mejor Interpretación Vocal Pop Masculina 52nd Street (Álbum)
1980 Mejor Interpretación Vocal Pop Masculina Glass Houses (Álbum)
1990 Grammy Legend

Nominaciones a los Grammy

1979 Canción del Año Honesty
1980 Álbum del Año Glass Houses
1982 Álbum del Año The Nylon Curtain
1983 Álbum del Año An Innocent Man
1983 Mejor Interpretación Vocal Pop Masculina Uptown Girl (Single)
1984 Mejor Vídeo Musical Billy Joel Live From Long Island
1989 Disco del Año We Didn't Start The Fire
1989 Canción del Año We Didn't Start The Fire
1989 Mejor Interpretación Vocal Pop Masculina We Didn't Start The Fire (Canción)
1990 Mejor Interpretación Vocal Pop Masculina Storm Front (Álbum)
1990 Productor del Año Storm Front (Álbum)
1991 Mejor Vídeo de Larga Duración Live At Yankee Stadium
1991 Mejor Vídeo de Corta Duración When You Wish Upon A Star
1993 Álbum del Año River of Dreams
1993 Disco del Año The River of Dreams
1993 Canción del Año The River of Dreams
1993 Mejor Interpretación Vocal Pop Masculina The River of Dreams
2002 Mejor Colaboración Pop con Vocalistas New York State of Mind - Tony Bennett y Billy Joel

Otros Premios y Honores

1975 Cashbox award al Mejor Nuevo Vocalista Masculino por Streetlife Serenade
1980 American Music Award Álbum del Año por Glass Houses
1980 Handi Cap (Award Humanitario)
1981 People's Choice Award – Artista Pop Favorito Masculino
1981 The Rehabilitation Institute (Award Humanitario)
1984 Cable ACE Award – Mejor Actor de Comedia o Musical por “A Television First, Billy Joel”
1987 Cable ACE Award por Mejor Especial Musical “Live From Leningrad”
1987 Mejor Actuación en un Especial Musical por “Live From Leningrad”
1990 International Rock Awards (“The Elvis”) por M.V.P. Keyboard
1990 Cathedral of St. John the Divine (Award Humanitario)
1991 Doctor Honoris Causa en Humanidades - Fairfield University
1991 La ciudad de Huntington proclama “Billy Joel Park”
1991 Fundación Make-A-Wish - Honorario Chairman Washington, DC Chapter
1992 Incluido en el Salón de la Fama de Cantautores
1993 Doctor Honoris Causa - Berklee College of Music
1993 NARM President's Award
1994 Billboard Century Award
1997 ASCAP Founders Award
1997 Doctor Honoris Causa en Humanidades - Hofstra University
1999 American Music Awards – Premio al Mérito
1999 RIAA Diamond Award
1999 Rock and Roll Hall of Fame Induction
2000 James Smithson Bicentenaria Medalla al Honor
2000 Doctor Honoris Causa de la Música - Long Island University, Southampton College
2001 Johnny Mercer Award - Songwriters Hall Of Fame
2002 Persona del Año a los Cuidados Musicales

Discografía

Álbumes que lograron el RIAA Platinum Status

(ventas de 1,000,000 de unidades, solamente en U.S.)

The Essential 2x Platinum
Piano Man 4x Platinum
Streetlife Serenade 1x Platinum
Turnstiles 1x Platinum
The Stranger 9x Platinum
52nd Street 7x Platinum
Glass Houses 7x Platinum
Songs In The Attic 3x Platinum
An Innocent Man 7x Platinum
Greatest Hits Volume I and Volume II 20x Platinum
The Bridge 2x Platinum
Kohuept 1x Platinum
Storm Front 4x Platinum
River of Dreams 5x Platinum
Greatest Hits Volume III 1x Platinum
Complete Hits Collection 1x Platinum

Singles que lograron el RIAA Platinum Status

It's Still Rock and Roll To Me
My Life

Singles que lograron el RIAA Gold Status (ventas de 500,000 unidades, solamente en U.S.)

Just The Way You Are
Uptown Girl
We Didn't Start The Fire
Tell Her About It

Álbumes

Cold Spring Harbor (1971)

Piano Man (1973)

Streetlife Serenade (1974)

Turnstiles (1976)

The Stranger (1977)

52nd Street (1978)

Glass Houses (1980)

Songs in the Attic (En vivo) (1981)

The Nylon Curtain (1982)

An Innocent Man (1983)

Greatest Hits, Vols. 1 & 2 (1985)

The Bridge (1986)

КОНЦЕРТ (En vivo) (1987)

Storm Front (1989)

River of Dreams (1993)

Greatest Hits, Vol. 3 (1997)

The Complete Hits Collection: 1973–1997 (1997) (Recopilación)

2000 Years: The Millennium Concert (En vivo) (2000)

Fantasies & Delusions (2001)

Ultimate Collection (2001)

The Essential Billy Joel (2001)

Movin' Out

Piano Man: The Very Best Of (2004) (Recopilación)

My Lives (2005) (Recopilación)

12 Gardens Live (2006) (En vivo)

Sencillos

De “Piano Man”

1973 “Piano Man” POP #25

De “Streetlife Serenade”

1975 “The Entertainer” POP #34

De “The Stranger”

1978 “Just the Way You Are” POP #3; UK #19

1978 “Movin' Out (Anthony's Song)” POP #17; UK #35

1978 “Only the Good Die Young” POP #24

1978 “She's Always a Woman” POP #17 (en 1986, fue lanzado en UK, junto con “Just The Way You Are”, alcanzando el #53)

De “52nd Street”

1978 “My Life” POP #3 (lanzamiento 1979); UK #12

1979 “Big Shot” POP #19

1979 “Honesty” POP #24

1979 “Until the Night” UK #50

De “Glass Houses”

1980 “All for Leyna” UK #40

1980 “You May Be Right” POP #7

1980 “It's Still Rock and Roll to Me” POP #1; UK #14

1980 “Don't Ask Me Why” POP #19

1980 “Sometimes a Fantasy” POP #36

1980 “Close To The Borderline” POP #7

De “Songs in the Attic” (En vivo)

1981 “Say Goodbye to Hollywood” POP #17 (original de Turnstiles, Mayo de 1976)

1982 “She's Got a Way” POP #23 (original de Cold Spring Harbor 1971, re-lanzado por Columbia en 1983)

De “The Nylon Curtain”

1982 “Pressure” POP #20

1983 “Allentown” POP #17

1983 “Goodnight Saigon” POP #66

De “An Innocent Man”

1983 “Uptown Girl” POP #3; UK #1

1983 “Tell Her About It” POP #1; UK #4

1983 “An Innocent Man” POP #10; UK #8 (1984 lanzamiento)

1984 “The Longest Time” POP #14;UK #25

1984 “Leave a Tender Moment Alone” POP #27; UK #29 (lado A junto con “Goodnight Saigon” en UK)

1985 “Keeping the Faith” POP #18

De “Greatest Hits, Vols. 1 & 2 (1973-1985)”

1985 “The Night Is Still Young” POP #34

1985 “You're Only Human (Second Wind)” POP #9

De “The Bridge”

1986 “Modern Woman” POP #10

1986 “A Matter Of Trust” POP #10; UK #52

1987 “Baby Grand” POP #75

1987 “This Is The Time” POP #18

De “Storm Front”

1989 “We Didn't Start the Fire” POP #1; UK #7

1989 “Leningrad” UK #53

1990 “I Go to Extremes” POP #6; UK #70

1990 “And So It Goes” POP #37

1990 “That's Not Her Style” POP #77

1990 “The Downeaster Alexa” POP #57

De “Honeymoon in Vegas soundtrack”

1992 “All Shook Up” UK #27

De “River of Dreams”

1993 “The River of Dreams” POP #3; UK #3

1993 “All About Soul” POP #29; UK #32

1993 “No Man's Land” UK #50

1994 “Lullabye (Goodnight, My Angel)” POP #77

De “Greatest Hits Vol. 3”

1997 “To Make You Feel My Love” POP #50

Filmografía

1988 - Oliver y su pandilla (voz)

BEN E. KING

2009-12-22T23:41:00.003+01:00

De las revolucionarias y orquestadas producciones de The Drifters a sus éxitos en solitario, Ben E. King fue la definición de la elegancia del R&B. Barítono quejumbroso con toda la pasión del gospel, pero los ajustes en los que se muestra se adaptan más por su miel fraseo suave y su crujiente enunciación, demostrando tal vez por primera vez que el R&B puede ser sofisticado y accesible a las audiencias estrictamente pop. El enfoque de King estuvo influenciado por innumerables cantantes de soul suave en su estela y sus registros fueron los precursores clave del sonido Motown.

Benjamin Earl Nelson (Henderson, 28 de Septiembre de 1938), Ben E. King, cantante estadounidense de soul y pop.

Especialmente famoso en los años sesenta, es el intérprete de la versión más conocida “Stand by Me” (de la que es su coautor), un éxito en los Estados Unidos en 1961 y 1986, y en el Reino Unido en 1987 (también alcanzó el #8 en el United World Chart).

Biografía

Tras trasladarse muy niño a Harlem (1947), sus primeros pasos artísticos se produjeron a finales de los años cincuenta. Aunque todavía en la escuela secundaria, se le ofreció la oportunidad de unirse a The Moonglows, pero era demasiado joven e inexperto. Posteriormente trabajó en el restaurante de su padre como camarero cantante, lo que le llevó a conseguir a una invitación para convertirse en el barítono de un grupo de doo-wop llamado The Five Crowns en 1958, que obtuvo el segundo lugar en un concurso de talento en el Teatro Apolo. The Five Crowns realizaron varios conciertos en el Teatro Apolo, junto con The Drifters, cuya carrera había comenzado a hundirse en los años que el cantante original Clyde McPhatter partió. El manager de The Drifters, George Treadwell, insatisfecho con la falta de fiabilidad de los miembros del grupo y la falta de éxito, los despidió a todos en el verano de 1958 y contrató a The Five Crowns para asumir el nombre de The Drifters (el cual poseía).

Los nuevos Drifters realizaron una gira durante un año, tocando a menudo para audiencias hostiles que sabían que eran un grupo totalmente diferente. A principios de 1959, entraron en el estudio con los productores Jerry Leiber y Mike Stoller para reducir sus primeros discos. Nelson (que aún realizaba bajo su nombre de pila) co-escribió el primer éxito para el nuevo grupo, “There Goes My Baby”, convirtiéndose en su vocalista principal y el acuerdo de respaldo exuberante hecho muy poco ortodoxo (de hecho, prácticamente inédito) el uso de una sección de cuerdas. “There Goes My Baby” se convirtió en un éxito masivo, sentando las bases para casi todas las producciones smooth/uptown soul que siguieron. En los próximos dos años, Nelson cantó en varios clásicos de los Drifters, incluyendo “Dance With Me”, “This Magic Moment”, “Save the Last Dance for Me”, una canción escrita por Doc Pomus y Mort Shuman, “I Count The Tears” y “Lonely Winds”. Ben E. King solo grabó diez canciones con los Drifters, incluyendo un no sencillo titulado “Temptation”.

En 1960, Nelson pidió a Treadwell un aumento salarial y una participación más equitativa de los derechos de autor del grupo. Treadwell lo rechazó y Nelson abandonó el grupo, asumiendo en este momento su más memorable nombre artístico Ben E. King, en preparación para una carrera en solitario. Permaneciendo en el Atlantic, King anotó su primer éxito en solitario con la balada latina “Spanish Harlem”, una composición de Jerry Leiber y Phil Spector, que alcanzó el Top Ten a principios de 1961. La siguiente, “Stand By Me”, una oda a la amistad sincera y a la devoción co-escrita por King, se convirtió en su canción de autor y en un clásico duradero R&B; también fue su mayor éxito, superando las listas de éxito de R&B y llegando al Top Five pop. King anotó unos cuantos singles de éxitos más hasta 1963, incluyendo las aterciopeladas producciones smooth pop-soul como “Amor”, “Don't Play That Song (You Lied)”, y la canción italiana “I (Who Have Nothing)”. En los años posteriores a la Invasión Británica, King podía anotar en las listas de pop, pero continuó anotando éxitos R&B. El tema de 1967 “What Is Soul?” fue uno de sus últimos singles para Atco; tratando de revivir su fortuna comercial, King se marchó en 1969.

El álbum de 1970 de Maxwell, “Rough Edges”, no pudo generar mucha atención, y King se vio obligado a ganarse la vida recorriendo a sus anteriores éxitos. En 1975, el presidente de Atlantic Ahmet Ertegun encontró a King en una sala de Miami y le invitó a volver a firmar con la discográfica. King marcó todo un clásico de regreso improbable con la canción disco “Supernatural Thing, Part I”, que lo devolvió a la cima de las listas de éxitos R&B en 1975 y también alcanzó el Top Five pop. Si bien no pudo repetir ese éxito individual, King grabó varios álbumes más para Atlantic durante 1981, y también colaboró con la Average White Band en 1977 en el álbum “Benny & Us”. Después de dejar Atlantic por segunda vez, King hizo una gira con una versión de The Drifters empezando en 1982. En 1986, “Stand By Me” fue destacada en la película de Rob Reiner con el mismo nombre; re-lanzado como sencillo, trepó de nuevo a la cima del Top Ten. En su estela, King volvió a grabar en solitario, editando un álbum nuevo cada pocos años hasta los ‘90. También hizo una aparición en las grabaciones de Heaven 17 y Mark Knopfler, entre otros. El álbum de King de 1999 “Shades of Blue” (con Half Note Records) encontró ramificación en el territorio del jazz, tocando con una gran banda y con invitados como Milt Jackson y David "Fathead" Newman. 2006 vio el lanzamiento de un álbum nuevo, “I've Been Around”, con el sello True Life.

Discografía

Álbumes

Spanish Harlem (1961, Atco) US: #57 UK: #30
Ben E. King Sings for Soulful Lovers (1962)
Don't Play That Song (1962)
Young Boy Blues (1964)
Ben E. King's Greatest Hits (1964)
Seven Letters (1965)
Rough Edges (1970, Maxwell)
The Beginning of It All (1972, Mandala)
Supernatural (1975, Atlantic) US: #39
I Had a Love (1976)
Rhapsody (1976)
Benny and Us (1977) US: #33 with Average White Band
Let Me Live in They Life (1978)
His Love for Her (1980) US: #73
Street Tough (1981)
Save the Last Dance for Me (1987, EMI-Manhattan)
Stand by Me: The Ultimate Collection (1987, Atlantic) UK: #14
What's Important to Me (1991, Ichiban)
Shades of Blue (1993, Half Note)
I Have Songs In My Pocket (1998, Bobby Susser)
The Very Best of Ben E. King (1998, Atlantic) UK: #15
Person to Person: Live at the Blue Note (2003, Half Note)
I've Been Around (2006, True Life)

Singles

"Show Me the Way" (1960, Atco)
"How Often" (1960, Atlantic) with Lavern Baker
"Spanish Harlem" (1961, Atco) R&B: #15 US: #10
"First Taste of Love" (1961) US: #53 UK: #27 B-side of Spanish Harlem
"Stand by Me" (1961) R&B: #1 US: #4 UK: #27
"Amor" (1961) R&B: #10 US: #18 UK: #38
"Young Boy Blues" (1961) US: #66
"Here Comes the Night" (1961) US: #81 B-side of Young Boy Blues
"Ecstasy" (1962) US: #56
"Don't Play That Song (You Lied)" (1962) R&B: #2 US: #11
"Too Bad" (1962) US: #88
"I'm Standing by" (1962) US:#111
"Tell Daddy" (1962) US:#122 R&B: #29
"How Can I Forget" (1963) R&B: #23 US: #85
"I (Who Have Nothing)" (1963) R&B: #16 US: #29
"I Could Have Danced All Night" (1963) US: #72
"What Now My Love" US:#102(1964)
"That's When It Hurts" (1964)
"What Can A Man Do" (1964) US:#113
"It's All Over" (1964) US: #72
"Around The Corner" (1964) US:#125
"Seven Letters" (1965) R&B: #11 US: #45
"The Record (Baby I Love You)" (1965) Pop: #84
"She's Gone Again" (1965) US:#128
"Cry No More" (1965)
"Goodnight My Love" (1965) US: #91
"So Much Love" (1966) US: #96
"Get In a Hurry" (1966)
"I Swear by Stars Above" (1966) R&B: #35 B-side of Get in a Hurry
"They Don't Give Medals to Yesterday's Heroes" (1966)
"What Is Soul?" (1966) R&B: #38 B-side of They Don't Give...
"A Man Without a Dream" (1967)
"Tears, Tears, Tears" (1967) R&B: #34 US: #93 B-side of A Man Without...
"Katherine" (1967)
"Don't Take Your Sweet Love Away" (1967) R&B: #44
"We Got a Thing Goin' On" (1968) with Dee Dee Sharp US:#127
"Don't Take Your Love from Me" (1968) US:#117
"Where's the Girl" (1968)
"It Ain't Fair" (1968)
"Til' I Can't Take It Anymore" US:#134
"Hey Little One" (1969)
"I Can't Take It Like a Man" (1970, Maxwell)
"Take Me to the Pilot" (1972, Mandala)
"Into the Mystic" (1972)
"Spread Myself Around" (1973)
"Supernatural Thing Pt. 1" (1975, Atlantic) R&B: #1 US: #5
"Do It in the Name of Love" (1975) R&B: #4 US: #60
"We Got Love" (1975)
"I Had a Love" (1975) R&B: #23 B-side of We Got Love
"I Betcha you Didn't Know" (1976)
"Get It Up" (1977) with Average White Band
"A Star in the Ghetto" (1977) R&B: #25 with Average White Band
"Fool for You Anyway" (1977) with Average White Band
"I See the Light" (1978)
"Fly Away to My Wonderland" (1978)
"Music Trance" (1979) R&B: #29
"Street Tough" (1981)
"You Made the Difference in My Life" (1981)
"Stand by Me [re-issue]" (1986) US: #9 UK: #1
"Spanish Harlem [re-issue]" (1987)
"Save the Last Dance for Me [re-recorded]" (1987, EMI-Manhattan)
"What's Important to Me" (1991, Ichiban)
"You've Got All of Me" (1992)
"You Still Move Me" (1992)
"4th of July" (1997, Right Stuff)