George Walton Lucas Jr. (Modesto, California; 14 de mayo de 1944), conocido internacionalmente como George Lucas, es un cineasta, filántropo y empresario estadounidense. Lucas es más conocido por crear las franquicias de Star Wars e Indiana Jones y fundar Lucasfilm, LucasArts e Industrial Light & Magic. Se desempeñó como presidente de Lucasfilm antes de venderlo a The Walt Disney Company en 2012.

Después de graduarse de la Universidad del Sur de California en 1967, Lucas cofundó American Zoetrope con el cineasta Francis Ford Coppola. Lucas escribió y dirigió 'THX 1138' (1971), basado en su corto estudiantil anterior 'Electronic Labyrinth THX 1138 4EB', que fue un éxito crítico pero un fracaso financiero. La película fue elegida para competir en la Quincena de Realizadores en el Festival de Cannes de ese mismo año. Su siguiente trabajo como escritor-director fue la película 'American Graffiti' (1973), inspirada en su juventud a principios de la década de 1960 en Modesto, California, y producida a través del recién fundado Lucasfilm. La película fue crítica y comercialmente exitosa, y recibió cinco nominaciones a los Premios Oscar, incluyendo Mejor director y Mejor película.

La siguiente película de Lucas, la épica ópera espacial 'Star Wars' (1977), tuvo una producción problemática, pero fue un éxito sorpresa, convirtiéndose en la película más taquillera de la época, ganando seis Premios Oscar y provocando un fenómeno cultural. Lucas produjo y coescribió las secuelas 'The Empire Strikes Back' (1980) y 'Return of the Jedi' (1983). Con el director Steven Spielberg, creó, produjo y coescribió las películas de 'Raiders of the Lost Ark' (1981), 'Indiana Jones and the Temple of Doom' (1984), 'Indiana Jones y la última cruzada' (1989) e 'Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal' (2008). También produjo y escribió una variedad de películas y series de televisión a través de Lucasfilm entre los años 1970 y 2010, entre las que se encuentran 'Kagemusha' (1980) y 'Mishima', una vida en cuatro capítulos (1985).

En 1997, Lucas volvió a lanzar la Trilogía de 'Star Wars' como parte de una edición especial con varias modificaciones; las versiones de los medios domésticos con más cambios se lanzaron en 2004 y 2011. Volvió a dirigir con una trilogía de la precuela de 'Star Wars' que comprende 'Star Wars: Episodio I - La amenaza fantasma' (1999), 'Star Wars: Episodio II - El ataque de los clones' (2002) y 'Star Wars: Episodio III - La venganza de los Sith' (2005). La última vez que colaboró en la serie de televisión animada por CGI 'Star Wars: The Clone Wars' (2008-2014, 2020) y la película de guerra 'Red Tails' (2012).

Lucas es uno de los cineastas más exitosos e influyentes de la historia y ha sido nominado a cuatro premios de la Academia. Es considerado una figura significativa del movimiento Nuevo Hollywood y sus películas se encuentran entre las películas con las mayores recaudaciones de la taquilla norteamericana, ajustadas por la inflación del precio de las entradas.

Fuente: Wikipedia

Stevland Hardaway Morris (Saginaw, Míchigan; 13 de mayo de 1950), conocido artísticamente como Stevie Wonder, es un cantautor y activista social estadounidense, uno de los más exitosos y reconocidos artistas en la compañía discográfica Motown, con más de 100 millones de discos vendidos. Ciego de nacimiento, fue un niño prodigio y durante su carrera ha grabado diversos discos y sencillos que fueron aclamados por la crítica;también ha escrito y producido para otros artistas. Wonder toca diversos instrumentos como la batería, bajo, congas, y, más notablemente el piano, la armónica y el teclado.

Ha ganado tres veces el premio Grammy al álbum del año con tres discos consecutivos en un periodo de cuatro años por 'Innervisions' (1973), 'Fulfillingness' First Finale' (1974) y 'Songs in the Key of Life' (1976), logro inédito en estos galardones, que ha ganado en un total de 25 ocasiones. Según la Organización de las Naciones Unidas, “el activismo de Stevie Wonder ha ejercido una influencia fundamental en acontecimientos ocurridos en los Estados Unidos y en el mundo”.

La década de los años 80 empieza con un nuevo trabajo, 'Hotter Than July', que recibe los años 1980 a ritmo de reggae con el exitoso tema 'Master Blaster', y que abre a Wonder a una audiencia más amplia. El artista inicia una lucha para conseguir que la fecha de nacimiento de Martin Luther King fuese declarado un día festivo en Estados Unidos. Efectúa colaboraciones importantes como 'Ebony and ivory', junto a Paul McCartney, 'Can't Help Loving that Man of Mine', junto a Barbra Streisand o 'Just good friends', junto a Michael Jackson, y recibe un nuevo Grammy por 'We are the world'. Publica un grandes éxitos, 'Musiquarium', en 1982, con cuatro temas inéditos y en 1984 lanza 'The woman in red', para la banda sonora de la misma película, consiguiendo un Óscar por la canción 'I Just Called to Say I Love You'. Publica además los discos 'In Square Circle' y 'Characters'. La década acaba con la inclusión del artista en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1989.

Fuente: Wikipedia

• Con un presupuesto de 5 millones de dólares y a pesar de la crítica de la prensa, fue todo un éxito

21 de agosto de 1987. Los cines de EE.UU. estrenan 'Dirty Dancing'. Se proyectó por primera vez el 12 de mayo en el Festival de Cannes y hubo que esperar hasta el 24 de junio de 1988 para verla en las salas españolas. La prensa criticó al que se convertiría en uno de los mayores éxitos de taquilla con una banda sonora de las más vendidas en la historia. Han pasado 34 años de aquel verano del amor, inolvidable para una generación que, sin embargo, puede reconocer los peros que puso la crítica. Porque qué más da que sea cursi si cuando suena '(I’ve had) The Time of my life' a todos se nos mueven los pies (eso sí, nada de saltos).

'Dirty Dancing' fue una película arriesgada para el momento. Un filme en el que se hablaba abiertamente de aborto (se reivindica que la intervención sea legal ); tema que es, además, protagonista de la trama.

Para Hadley Freeman, autora del libro 'The Time of my life' (un ensayo sobre los filmes que cambiaron su vida) publicado por Blackie Book el mensaje que nos dejó 'Dirty Dancing' fue precisamente ese: que las mujeres abortan si lo consideran oportuno porque su cuerpo es suyo.

También nos enseñó cómo es la tensión sexual no resulta que acabó resolviéndose entre la pareja protagonista; unos actores que disimularon a la perfección sus desavenencias fuera de la gran pantalla: no se soportaban desde el rodaje, unos años antes, de 'Red Dawn'.

No solo Johny (Patrick Swayze) estaba dispuesto, también lo estaba Baby (Jennifer Grey).

Le faltaba la respiración cuando le veía, y ya cuando bailaban la tensión alcanzaba niveles difíciles de medir; algo que no era lo habitual en el cine comercial de le época. Pero las mujeres quieren, como ellos, disfrutar del sexo en los 80, también 20 años antes, porque la historia cuenta la complicada relación entre el bailarín guaperas de dudosa reputación y la adolescente de una familia bien en la década de los 60.

Unos incipientes mensajes feministas que costó años que se apreciaran.

Y 'Dirty Dancing' quiso que bailáramos : mambo, merengue, chachacha, y que moviéramos las caderas (y las faldas en el caso de las chicas). La canción fue galardonada con un Oscar y un Globo de Oro.

Emile Ardolino dirigió una película con sus dificultades : un presupuesto de cinco millones de dólares y el rechazo de varios estudios del guion (con tintes autobiográficos) escrito por Eleanor Bergstein.

Un musical y un remake (malo) celebran el aniversario. Pero lo mejor para celebrarlo es volver a verla. Además, a las chicas les inspirarán los looks ochenteros que son tendencia este verano. Es la excusa perfecta.

Fuente: Vanity Fair

'The Incredible Hulk' ('El Increíble Hulk' en España y Argentina y 'El Hombre Increíble' en México y el resto de Hispanoamérica), es una serie de televisión estadounidense, que duró cinco temporadas (1977-1982), con el reconocido actor Bill Bixby como el Dr. David Banner y Lou Ferrigno como Hulk, y Jack Colvin como el reportero Jack McGee del periódico National Register. El concepto fue desarrollado por Kenneth Johnson.

A principios de 1977, el gerente de Universal Television Frank Price ofreció al guionista Kenneth Johnson, exitoso creador de 'The Bionic Woman' y 'V-Invasión Extraterrestre', un contrato para crear una serie de televisión basada en cualquiera de los personajes de las tiras cómicas las cuales él había comprado los derechos. Johnson inicialmente rechazó la oferta pero, tras haber leído 'Los miserables', cambió de opinión y tomó la iniciativa para adaptar el 'Hulk'. En primer lugar y quizás uno de los hechos más notables, es que Johnson cambió el nombre original del protagonista a David Bruce Banner (su primer nombre era Robert en los cómics). El cambio, según Johnson, se justificó para que la serie no se viera como una serie de cómics; de igual forma, la mayoría de los nombres de varios personajes de los cómics también se cambiaron. En el comentario del DVD hablando sobre el piloto, Johnson agregó el nombre como tributo a su fallecido hijo. Stan Lee, el nombre del personaje principal fue modificado, de Bruce Banner a David Banner. También tuvo que omitir varios personajes importantes del cómic (Betty Ross, Rick Jones, Thunderbolt Ross, Doctor Samson y Glenn Talbot). En vez de que el doctor sea expuesto a la radiación de gamma gracias a una explosión atómica, Banner tiene una sobredosis accidental de la misma pero en su propio laboratorio, para crear un grado de realismo; en vez de ser visto como investigador de energía nuclear, el personaje es un médico. Y la gran mayoría de los elementos de fantasía de los cómics fueron omitidos, con la excepción de la transformación del personaje.

La serie fue cancelada en 1982 en la quinta temporada. Años más tarde le siguieron tres películas para televisión, que en un principio servirían como relanzamiento de una nueva serie con el monstruo esmeralda. Las películas son:

- 'The Incredible Hulk Returns', (1988) donde aparece el personaje de Thor, mostrado como un antiguo vikingo borracho, mujeriego y separado de su alterego el Dr. Donald Blake quien aquí es un exalumno de Banner. También actúa por última vez Jack Colvin como Jack McGee.

- 'Trial of the Incredible Hulk', (1989). Con la aparición del superhéroe Daredevil y del villano Kingpin.

- 'Death of the Incredible Hulk', (1990). Aparece una versión bastante modificada de la Viuda Negra que tiene un romance con David Banner. En la escena final Hulk está en un avión que explota en el aire y, mortalmente herido, cae desde las alturas siendo el golpe final el choque contra el suelo. Con el último aliento ya vuelto a ser David Banner exclama "…ahora soy libre…".

Se esperaba un nuevo film piloto para la nueva serie, la cual se iba a llamar 'Rebirth of the Incredible Hulk', pero la muerte de Bill Bixby enfermo de cáncer hizo cancelar el proyecto.

Fuente: Wikipedia

Antonio Ozores Puchol (Burjasot, Valencia, 24 de agosto de 1928 - Madrid, 12 de mayo de 2010) fue un actor cómico y director español.

Se inició en el mundo de la interpretación a principios de la década de 1940, trabajando en la compañía de teatro de sus padres, y debutó en Zaragoza. Debuta en el cine en 1950. Durante cinco décadas combina cine, teatro, revista y televisión. Fue uno de los actores más prolíficos en la historia del cine español, con más de 150 títulos en su haber.

Desde sus inicios se especializó en registros cómicos, en ocasiones cercanos al absurdo y el esperpento. En una segunda fase de su carrera cinematográfica trabajó en casi todas las películas de su hermano Mariano. Continuó con papeles cómicos, reiterando un tipo de personaje con un lenguaje atropellado e ininteligible.

En 1973 protagoniza con José Sazatornil en teatro el gran éxito "Una noche de 'strip-tease'".

En 1983 dirigió la película "Los caraduros".

Su popularidad se vio incrementada al participar, en la década de 1980, en el concurso "Un, dos, tres... responda otra vez" presentado por Mayra Gómez Kemp, aunque ya había trabajado antes en televisión, desde los años 1960.

En Burjasot, su ciudad natal, le fue otorgada una calle de nombre "José Luis y Antonio Ozores" en reconocimiento a su trayectoria profesional.

Dirigió a su hija Emma en la obra de teatro "El último que apague la luz" (2007).

En 2009 se le otorga el premio Sancho Panza de la Asociación del Humorismo Español.

En 2015 Mariano Ozores, José Luis Ozores (1922-1968) y Antonio Ozores (1928-2010) fueron galardonados con el Goya de Honor de la Academia de Cine de España.

Fuente: Wikipedia

Antonio Mercero Juldain (Lasarte-Oria, Guipúzcoa, 7 de marzo de 1936 - Madrid, 12 de mayo de 2018)2​ fue un director y guionista de cine y televisión español, conocido sobre todo por sus series "Verano azul", "Farmacia de guardia" y "Crónicas de un pueblo", y por su premiado telefilme "La cabina".

En 1970 comenzó a realizar en TVE programas de ficción, dirigiendo en la televisión pública las series "Crónicas de un pueblo" (1971-1974), "Este señor de negro" (1975-1976), "Verano azul" (1981-1982) y "Turno de oficio" (1986-1987) . Para la privada Antena 3 dirigió "Farmacia de guardia" (1991-1995) y "Manolito Gafotas" (2004), basada en el personaje creado por Elvira Lindo.

Es destacable su película estrenada en televisión "La cabina" (1972), protagonizada por José Luis López Vázquez, por la que recibió un amplio reconocimiento y numerosos premios, así como "Los pajaritos" (1974), con Julia Caba Alba y José Orjas, y "Don Juan" (1974).

Fuente: Wikipedia

Stephen Lawrence Winwood (Handsworth, Birmingham, Inglaterra, Reino Unido; 12 de mayo de 1948), más conocido como Steve Winwood, es un cantante, teclista y compositor de rock británico. Sus primeros pasos los dio en las bandas Spencer Davis Group y Traffic, y luego en el supergrupo inglés Blind Faith, todo ello en los años sesenta, y posteriormente inició, a mediados de los años 1970, una exitosa carrera como solista que tuvo su punto culminante en la segunda mitad de los años 1980. Su sonido se caracteriza por el uso del teclado como instrumento principal, adornado con influencias de jazz, R&B y pop.

En 1977, tras dejar el supergrupo Go (con Stomu Yamashita y Al Di Meola), Winwood publica su primer álbum solista, "Steve Winwood", con el cual consigue estatus de doble platino. Este álbum contiene los temas "Midland Maniac" y "Vacant Chair". No sería hasta la publicación del álbum "Arc Of Diver" de 1980 que Winwood consolidaría su éxito como solista. Este disco contiene la canción éxito "While You See A Chance" y el Hot 100 "Arc Of Diver", elevando el disco a la categoría de multiplatino.

En 1982, el álbum "Talking Back To The Night", que contiene la canción del Hot 100 "Valerie" no tuvo el mismo éxito del anterior y eso lo llevó a modificar el trabajo de producción de su siguiente álbum incluyendo la participación de otros artistas. Hasta esa fecha Winwood asumía tanto la producción como la grabación de sus discos en su estudio privado ubicado en su casa de Gloucestershire.

En 1986, apareció "Back in the high Life", grabado íntegramente en Nueva York, con la coproducción de Russ Titelman, incluye la participación de un selecto grupo de artistas como Chaka Khan, James Ingram, Nile Rodgers, James Taylor, Joe Walsh, Jocelyn Brown, Steve Ferrone y Randy Brecker. Este álbum se convirtió en el punto más alto de la carrera de Winwood, con los éxitos "Higher Love" (N.º 1 por una semana), "Freedom Overspill" (N.º 20), "The Finer Things" (N.º 8) y "Back in the High Life Again" (N.º 13). El éxito de "Back in The High Life" permitió a Winwood triunfar en los premios Grammy de 1987 en donde obtuvo los galardones de "Grabación del año" y "Mejor vocalista masculino".

En 1987, editó el álbum "Chronicles", un recopilatorio con versiones remasterizadas de sus éxitos. Este disco le ayudó a colocar en los Hot 10 el tema "Valerie" del álbum "Talking Back To The Night". En 1988, Winwood lanzó el álbum "Roll With It", cuyo tema homónimo se mantendría en el N.º 1 por cuatro semanas. Otros temas destacados de este álbum son "Don't You Know What The Night Can Do?" (N.º 6) y "Holding On" (N.º 11). Con este disco Winwood adquiere definitivamente la categoría de clásico y alcanza la cumbre de su popularidad.

Luego del éxito de "Roll with It", los álbumes posteriores de Winwood no lograrían mayor repercusión. En 1990 lanza "Refugees Of the Heart", que pese a llegar a la categoría de platino, no colocaría ningún Hit en los Hot 10. En 1995, Winwood logró colocar en el N.º 1 del Hot 10 el tema principal de la película "Balto" "Reach for The Light". Sus restantes álbumes Junction Seven" de 1997 y "About Time" de 2003 no logran el éxito esperado.

Lanzó un CD y DVD doble junto a Eric Clapton con grabaciones de sus actuaciones en el Madison Square Garden en febrero de 2008.

Fuente: Wikipedia

Burt Freeman Bacharach (Kansas City, Misuri; 12 de mayo de 1928) es un compositor, productor y cantante estadounidense. Cientos de sus canciones, muchas de ellas en colaboración con el letrista Hal David, fueron populares en las listas de éxito entre la década de los cincuenta y los ochenta y han sido regrabadas por más de 1000 artistas desde entonces. Ha obtenido los galardones más importantes de la industria del entretenimiento, entre ellos: seis premios Grammy, dos Globos de Oro, un premio BAFTA, un premio Emmy y tres premios Óscar.

Muchos de sus éxitos fueron interpretados por Dionne Warwick, pero también sobresalen sus colaboraciones con Perry Como, Dusty Springfield, Jackie DeShannon, Bobbie Gentry, Tom Jones y The Carpenters, entre muchos otros. Algunas de sus canciones más conocidas son: «Alfie» de 1965, «What the World Needs Now Is Love» de 1965, «The Look of Love» de 1967, «This Guy's in Love with You» de 1968, «Raindrops Keep Fallin' on My Head» de 1969, «I'll Never Fall in Love Again» de 1969, «(They Long to Be) Close to You» de 1970, «Arthur's Theme (Best That You Can Do)» de 1981, «That's What Friends Are For» de 1986 y «On My Own» de 1986.

Su música es de fácil escucha y él mismo ha sido descrito como «un compositor cuyo venerable nombre puede estar conectado a cualquier otro prominente artista de su época». En los últimos años, algunas de sus canciones han hecho parte de bandas sonoras de películas de gran calado, por lo que diversos «tributos, recopilaciones o relanzamientos son fáciles de encontrar actualmente». Es denotado como una influencia importante para el pop orquestal y el género shibuya-kei y junto con Hal David, fue incluido por la revista Rolling Stone en su lista de «los 100 compositores más grandes de todos los tiempos». En 2012, ambos fueron condecorados con el premio Gershwin por el presidente Barack Obama por el legado de sus composiciones en la música.

Fuente: Wikipedia

William Henry "Billy" Duffy (nacido el 12 de mayo de 1961, Hulme, Manchester) es un guitarrista y compositor inglés, conocido por ser el guitarrista de The Cult. Junto con el cantante Ian Astbury, es el único que participó en todas las formaciones del grupo.

En 1984, la banda editó su primer disco: "Dreamtime". Incluía diez canciones, entre ellas los sencillos "Spiritwalker" y "Go west". El sonido de Duffy se convirtió en una insignia en "Love", de 1985. Es recordado como uno de los álbumes clásicos de la historia del rock, en parte gracias al hit "She sells sanctuary". Hasta la fecha, el disco vendió más de tres millones de copias en todo el mundo. El guitarrista ayudó a que el sonido de The Cult merme a un metal-blues en su tercer álbum, "Electric", de 1987. En parte, el crédito va para Rick Rubin, el productor de AC/DC.

Duffy se mudó a Los Angeles en 1988 con Astbury, donde los dos viven todavía. Allí grabaron el exitoso "Sonic Temple". Allí fue cuando llegaron a una enorme audiencia, con éxitos como "Fire Woman" y "Edie (Ciao Baby)". En 1991, The Cult editó "Ceremony", que continuaba la línea de Sonic Temple, aunque con un poco más de oscuridad. Ian Astbury estaba pasando por un momento complicado. A pesar de haber sido un álbum muy bueno, no tuvo tanto éxito debido al salto a la masividad del grunge.

Astbury presionó a Duffy para volver a las raíces, con un disco homónimo lanzado en 1994. Luego de esto, en 1995 el grupo se separó.

Durante esos años de hiato, Duffy tocó con el músico Mike Peters (de The Alarm) en un proyecto llamado "Coloursound". Billy también participó en varios proyectos paralelos, como colaboraciones con el músico japonés J.

Fuente: Wikipedia

Betamax fue un formato de vídeo analógico hoy descatalogado. Introducido por Sony a principios de 1975, con el propósito de ser la alternativa en vídeo al clásico casete compacto de audio de Philips. Sony presentó al mercado su sistema de cinta de vídeo en color que permitía grabar programas de televisión, mientras el usuario veía otro canal al mismo tiempo. Su tamaño era más pequeño que su competencia VHS, de JVC. Betamax tenía una mejor calidad de imagen —unas 250 líneas de resolución horizontal— y también una mejor calidad de sonido. Por otro lado, el modelo de cinta VHS ofrecía más minutos que su rival, Betamax. Aunque llegó a existir un modelo de cinta Betamax L-1000, que ofrecía 2 horas en Beta I, 4 horas en Beta II y 6 horas en Beta III. Este fue poco común.

El sistema Betamax heredaba los detalles de diseño de dos formatos anteriores, la vídeograbadora de Sony (Videocorder) y el formato de vídeo profesional U-Matic, con lo que tendría una mecánica profesional muy cuidada con una vocación de vídeo aficionado, ofreciendo una mejor calidad de audio y un vídeo con más resolución y menos ruido.

Cronología

Desde su lanzamiento, Sony ofreció para Betamax tecnologías que mejoraban su calidad y aumentaban sus prestaciones:

• En 1975 se presentó el videograbador junto con un televisor de gran tamaño (para la época) en una consola.
• En 1976 se ofreció el grabador como equipo separado y conectores para grabar desde cualquier fuente, como una cámara.
• En 1977 se reformuló la composición de la cinta y se introdujo un sistema sofisticado (para la época) de reducción de ruido en vídeo para permitir que Betamax tuviese dos horas de grabación, dado que Betamax fue diseñado (como todos los formatos de su tiempo) para dar una hora, pero eso resultó ser un inconveniente para el uso doméstico.
• En 1978 se ofreció un equipo opcional al videograbador para dotarlo de sonido digital calidad CD (compatible hasta con el SL-5000).
• En 1979 Betamax adquirió las funciones de búsqueda rápida (adelantar y retroceder rápidamente la cinta con imagen) llamada BetaScan y pausa con imagen.
• En 1980 Sony introdujo las funciones de búsqueda lenta y avance cuadro a cuadro (swingSearch) y dotó a su modelo SL-5800 de sonido estereofónico en pistas longitudinales (el modo más simple) con una calidad comparable a un casete compacto de audio.
• En 1981 se diseñaron los primeros modelos de inserción frontal con lo que la videocinta y todos los controles quedan frente al equipo; el primero fue el SL-5000.
• En 1982 apareció el nuevo mecanismo de enhebrado invertido y chasis simplificado, que permitía el diseño de equipos mucho más pequeños y ligeros. Con este mecanismo se construyó el Betamax portátil SL-2000 para la primera videocámara Betamax.
• En 1983 se introdujo el sonido estereofónico en pistas helicoidales de alta fidelidad (Beta Hi-Fi) en los modelos Sl-5200 y SL-2700.
• En 1984 se introdujo el nuevo juego de circuitos integrados de procesamiento de audio y vídeo que mejoran la calidad de las unidades y reducían el consumo de energía.
• En 1985 la banda de video del Betamax clásico estaba limitada a 3 MHz con lo que su definición (nitidez de imagen) era comparable con la televisión normal. El nuevo modo SuperBetamax con cabezales de entrehierro más fino y cintas de grano más pequeño (como la Super Avilin de TDK) permitía extender la banda útil de vídeo hasta los 4.0 MHz, que es el límite de calidad del sistema de televisión.
• En 1986 se introdujo el Betamax teatro del hogar, el mismo concepto de los modernos DVD con amplificador y altavoces.
• En 1988 el Betamax dispuso de efectos digitales para visualización y edición.
• En 1990 Sony presentó el último modelo de Betamax el SL-HF-2100 con control remoto interactivo que mostraba en su pantalla el estado del equipo y todas sus funciones.
• En 2015 Sony anunció oficialmente en su página web el fin de la producción de cintas vírgenes. Así lo recoge la BBC el 10 de noviembre en un reportaje de Zoe Kleinman y recoge la opinión del editor de video de la BBC, Pete Doherty: "es triste que los consumibles (cintas vírgenes) de un formato (de video) se extingan porque usted no podrá volver de nuevo (a usarlos)".

Fuente: Wikipedia

'Letras', el libro autorretrato de Paul McCartney se publicará en noviembre en España

• Este volumen supone un autorretrato del bajista a través de 154 de sus canciones.

Libros Cúpula publicará en noviembre en castellano 'Letras', de Paul McCartney, un volumen que supone un autorretrato del bajista a través de 154 canciones, ha informado este lunes el sello en un comunicado.

En el libro, cuyo lanzamiento será internacional, McCartney relata en colaboración con Paul Muldoon, en lo que podría ser su autobiografía no escrita, su vida y arte a través de canciones de todas las etapas de su carrera, desde sus primeras composiciones de infancia, a The Beatles, Wings y sus álbumes en solitario.

Ordenado alfabéticamente para proporcionar un relato caleidoscópico en lugar de cronológico, fija por primera vez los textos definitivos de las letras de sus canciones y describe las circunstancias en las que fueron escritas, las personas y lugares que las inspiraron y lo que McCartney piensa ahora de ellas.

Junto a ellas, se presenta material del archivo personal del músico nunca antes publicado, como borradores, cartas y fotografías, lo que convierte al libro en un registro visual único del compositor.

McCartney ha asegurado que con frecuencia se ha preguntado si escribiría su autobiografía, pero que nunca ha sido el momento adecuado: "Lo único que siempre he conseguido, ya sea en casa o de viaje, es escribir nuevas canciones", ha añadido.

Muldoon ha remarcado que, basados en las conversaciones que mantuvo durante cinco años con el músico, los comentarios "son lo más parecido a una autobiografía" que se podría haber escrito, en una mirada sobre su propio proceso artístico.

Fuente: 20 Minutos

Alberto Carpani (Pavía, 23 de abril de 1956 - 11 de mayo de 2020), conocido por su nombre artístico Albert One, fue un cantante, disc-jockey y productor italiano, reconocido por sus éxitos de Italo Disco a fines de la década de 1970 y principios de los 80, y su lanzamiento en Eurodance 'Sing a Song Now Now' en 1999 como AC One.

Comenzó a cantar muy joven en un grupo provincial. En 1982 llegó el primer éxito dance titulada 'Yes-No Family' escrita por Enrico Ruggeri e interpretada bajo el seudónimo de Jock-Hattle. Alcanzó el reconocimiento en 1983 con el lanzamiento de la canción 'Turbo Diesel' para Baby Records, resultando ser un éxito mundial. Más tarde salieron otros sencillos como 'Heart on fire', 'Lady O' y 'Secrets'. También en estos años Albert One fue el productor de sencillos Lorella Cuccarini, Heather Parisi y Raffaella Carrà. En 1999 tuvo un gran éxito con el éxito 'Sing a Song Now Now'. También produjo un remix de la banda sonora de 'Merry Christmas Mr. Lawrence', interpretada por Raffaele Fiume. En el mismo período fundó el grupo Clock on Five. También cantó en AlbertOne Live Band, interpretando nuevamente sus éxitos y grabando versiones de otras canciones de los géneros Italo disco y dance de los años ochenta.

Fuente: Wikipedia

Thelma Houston (Leland, Misisipi, 7 de mayo de 1946), es una cantante estadounidense de soul, R&B y música disco.

Es conocida internacionalmente por versionar y convertir en un gran éxito la canción "Don't Leave Me This Way", un viejo tema soul que anteriormente habían cantado Harold Melvin & The Blue Notes.

Se unió al conjunto The Art Reynolds Singers, cantando los coros en la versión del tema "Glory Glory Hallelujah", para la discográfica Capitol. Marc Gordon (productor de The 5th Dimension) se quedó asombrado por su voz, por lo que la introdujo al catálogo de la compañía Dunhill Records.

En 1969 Jimmy Webb produjo su debut "Wildflower". Su primer tema en entrar a las listas, en 1970, fue "Save the Country", una versión de un tema de Laura Nyro.

En 1970 fue contratada por el sello discográfico Motown Records. Sus primeros sencillos en la compañía no fueron nada exitosos, hasta que llegó el tema "You've Been Doing Wrong for So Long", con el que consiguió entrar en las listas de R&B y obtener su primera nominación a los Grammy. Por esta época apareció en la película "The Bingo Long Traveling All Stars and Motor Kings".

En 1976 hizo los coros en el álbum de Jermaine Jackson, "My name is Jermaine". Ese mismo año publicó el disco "Any Way You Like It", producido por Hal Davis. El álbum contenía el número uno "Don't Leave Me This Way", una versión de un viejo tema soul que anteriormente habían cantado Harold Melvin & the Blue Notes.

El tema obtuvo un premio Grammy en 1977, a la mejor actuación vocal femenina, y se ha convertido en un clásico de la música disco y el soul de los 70.

Tras este gran éxito consiguió otros menores como "If It's the Last Thing I Do", "I'm Here Again" y "Saturday Night, Sunday Morning". Más tarde, con RCA Records, publicó "If you feel it".

En 1984, con la compañía MCA Records, editó el disco "Qualifiying heat", con el que consiguió su segundo gran éxito en las pistas de baile, esta vez con un tema de música disco muy bailable, "You Used to Hold Me So Tight".

Hizo un dúo con The Winans, sobre una versión del tema "Lean on me" de Bill Withers en 1989, y que se incluyó en la película del mismo nombre.

En 1997 colaboró en "Tore Down House", del guitarrista Scott Henderson.

Su última gran aparición la hizo en octubre de 2000, en el especial de la cadena de televisión estadounidense VH1 "100 Greatest Dance Songs".

Fuente: Wikipedia

Ignacio Fernández Sánchez, conocido por su nombre artístico Tony Leblanc (Madrid, 7 de mayo de 1922 - Villaviciosa de Odón, Madrid; 24 de noviembre de 2012), fue un actor, humorista, director, guionista y compositor musical de pasodobles español.

El apellido de su nombre artístico, "Blanc", es debido al segundo apellido paterno, al que el actor añadió el artículo "Le" delante.

Debuta profesionalmente en 1944 con la compañía de Celia Gámez y cinematográficamente en 1945 en la famosa cinta "Los últimos de Filipinas" (de Antonio Román). Su estrellato se extiende desde la segunda mitad de la década de 1950 y en la práctica totalidad de los sesenta en títulos entrañables del cine español de entonces: "Manolo, guardia urbano" (1956) de Rafael J Salvia, "El Tigre de Chamberí" (1957), de Pedro Luis Ramírez, "Las muchachas de azul" (1957), "Los tramposos" (1959), "Luna de verano" (1959) ambas dirigidas por Pedro Lazaga), "El día de los enamorados" (en 1959, de Fernando Palacios), "Las chicas de la cruz roja" (en 1960, de Rafael J. Salvia), "Tres de la Cruz Roja" (en 1961, de Fernando Palacios) "Una isla con tomate" (1962) o "Historias de la televisión" (en 1964, de José Luis Sáenz de Heredia). En algunas películas forma pareja artística con Concha Velasco o con Marujita Díaz en películas como "Y después del cuplé" (1959) o "El pescador de coplas" (1953). Hizo trío cómico-artístico con José Luis Ozores y Manolo Gómez Bur. En claro encuadre popular, no aparece en ninguna película que sea ajena a la comedia fácil o a las concesiones a la taquilla, encasillándose en papeles reiterativos con los sempiternos realizadores del momento (Ozores, Sáenz de Heredia, Palacios, Salvia, Lazaga).

En esa época cosecha igualmente éxitos sobre los escenarios como las célebres revistas "Te espero en el Eslava" (1957-1958) "Ven y ven... al Eslava" (1958-1959), ambas junto a Nati Mistral. Estos triunfos le animan a escribir sus propias revistas, como "¡Todos contra Todos!" que interpreta en 1962 con Juanito Navarro, Antonio Casal y Addy Ventura y su continuación "Todos con ella" (1963).

Igualmente, auténtico pionero de la televisión en España, durante los años cincuenta y sesenta compaginó su carrera cinematográfica con especiales de humor, actuaciones cómicas varias y algunos programas propios en TVE, como "Las Gomas" (1956), "La Goleta" (1957), "Gran Parada" (1963-1964), "El que dice ser y llamarse" (1965), "En órbita" (1967), "Cita con Tony Leblanc" (1969) y "Canción 71" (1971).

Tras éxitos teatrales como "Paloma palomita palomera" o "Esta es mi vida" (1975) se le agrava una antigua dolencia que lo deja semiinválido y lo aparta de la actividad profesional, pero antes realiza una de sus mejores actuaciones en "El astronauta" (1970, de Javier Aguirre) y en (1970) "El dinero tiene miedo" remake del clásico de Rafael Gil "El hombre que se quiso matar" y "El dinero tiene miedo" (1970).

Fuente: Wikipedia

George Timothy Clooney (Lexington, Kentucky; 6 de mayo de 1961) es un actor, director, productor y guionista estadounidense. Ha sido galardonado con cuatro Globos de Oro, dos Óscar y un BAFTA. También es conocido por su activismo político, siendo Mensajero de la Paz de Naciones Unidas desde 2008, título al que renunció posteriormente.

Fue nominado dos veces para los premios Emmy por su interpretación del Dr. Doug Ross en la galardonada serie de televisión "Urgencias". Gracias a ello, comenzó a interpretar varios papeles principales en películas como "Batman y Robin" (1997) y "Out of Sight" (1998). En 1999, protagonizó junto a Mark Wahlberg, Ice Cube y Spike Jonze, la película "Tres reyes", una bien recibida sátira de guerra ambientada durante la guerra del Golfo. En 2001, la popularidad de Clooney creció gracias al que fue, hasta ahora, su mayor éxito comercial, "Ocean's Eleven", la primera de la trilogía, siendo esta una adaptación de la película homónima de 1960, que protagonizaron la Rat Pack. Al año siguiente, hizo su debut como director con el thriller biográfico "Confesiones de una mente peligrosa".

Ganó un Óscar al mejor actor de reparto por su papel en la película "Syriana" (2005) y fue nominado como mejor actor por sus interpretaciones en "Michael Clayton" (2007), "Up in the Air" (2009) y "Los descendientes" (2011). En 2013, recibió por la producción de "Argo" el Óscar a la mejor película junto a Ben Affleck y Grant Heslov. Es la única persona que ha sido nominada a los Óscar en seis categorías diferentes. En 2005, la revista TV Guide lo colocó número uno en su lista de las "50 estrellas más atractivas de todos los tiempos".

La labor humanitaria que desempeña el actor incluye su defensa en la búsqueda de soluciones para el conflicto de Darfur, la recaudación de fondos para los damnificados de los terremotos de Haití de 2010, el océano Índico de 2004 y de los atentados del 11 de septiembre de 2001, y la creación de documentales para crear conciencia sobre las crisis internacionales como Sand and Sorrow. Además de su labor como mensajero en la ONU, es miembro del Council on Foreign Relations.

Fuente: Wikipedia

José María Íñigo Gómez (Bilbao, Vizcaya; 4 de junio de 1942 - Madrid, 5 de mayo de 2018) fue un periodista, locutor, actor, escritor y presentador de televisión español.

Sus primeros contactos con el mundo de la comunicación fueron en su tierra natal, al ser contratado por Radio Bilbao y posteriormente por la cadena COPE. En esa época comienza a escribir en "La Gaceta del Norte". Con 18 años ya trabaja en el Servicio de Reportajes Especiales de la Agencia EFE.

Su debut en TVE se produce en 1968 en el programa de Pedro Olea, codirigido por Iván Zulueta, "Último Grito", un espacio que pretendía mostrar las tendencias artísticas y musicales punteras en el momento. Más tarde presentaría el programa musical "Ritmo 70", bajo realización de Pilar Miró.

En 1970 estrenaba en el entonces canal UHF el programa de "Estudio abierto" de entrevistas, reportajes y variedades, que cuando pasó a la primera cadena en 1972 lo lanzó definitivamente al estrellato televisivo y en el que consagró su imagen adornada con unos enormes mostachos. El programa se emitiría hasta 1974 y, en una segunda etapa, entre 1982 y 1985.

A "Estudio abierto", siguieron otros programas, de corte similar en los que Iñigo alternaba la presentación de actuaciones musicales con las entrevistas a personajes famosos o a ciudadanos desconocidos para el gran público, pero con cosas curiosas que contar o mostrar como el mentalista Uri Geller y personajes tan controvertidos entonces como la antifeminista Esther Vilar o el escritor disidente soviético Aleksandr Solzhenitsyn. Todos esos espacios lo convirtieron en uno de los rostros más populares en España durante los años setenta: "Directísimo", "Esta noche… fiesta", "Fantástico".

Tras la llegada de las televisiones privadas, y tras unos años de silencio, José María Íñigo volvió a ponerse delante de una cámara, acompañando a otra veterana del medio, Laura Valenzuela en el programa "Las mañanas de Tele 5" (1993-1994). Desde entonces, se dejó ver en diferentes programas de cadenas públicas y privadas en presentación de espacios de variedades, concursos o incluso reality shows. Al mismo tiempo, y desde 2000 colaboraba en el programa de Radio Nacional de España "No es un día cualquiera".

También participó en el programa de Televisión Española "Las mañanas de La 1", con Mariló Montero.

Es de destacar también su revista de turismo y viajes "Ganas de viajar".

Fuente: Wikipedia

Julia María Otero Pérez (Penela, Monforte de Lemos, Lugo, 6 de mayo de 1959) es una periodista española.

Se introdujo casualmente a los diecisiete años en el mundo de la comunicación, en el programa "Protagonista", el cine, en la emisora Radio Sabadell, gracias a un amigo. En poco tiempo se convirtió en presentadora y directora de dicho programa. En 1980, Otero fichó por la emisora Radio Juventud y un año después llegó a Radio Miramar para trabajar inicialmente en los servicios informativos. Posteriormente, presentó varios programas en la emisora barcelonesa, como "Radio a la vista", junto a Carlos Herrera y José Manuel Parada, el humorístico, el musical "Con faldas y a lo loco", las entrevistas de "Café del domingo" o el magacín "Sábado noche".

En 1985 pasó a dirigir y presentar el programa despertador "Crónica del alba", que gracias al acuerdo de vinculación entre Radio Miramar y la COPE, se emitía desde Barcelona para toda España a través de la red de emisoras de la cadena episcopal. En septiembre de 1987, tras la ruptura entre la COPE y Radio Miramar, fue la encargada de reemplazar a Luis del Olmo en las mañanas de la emisora barcelonesa, con el espacio "Y nosotras, ¿qué?", que se definía como "un informativo hecho por y para las mujeres".

Paralelamente, comenzó su carrera televisiva que compaginó con la radiofónica durante un tiempo. Se inició en el medio televisivo en 1987 con el programa de debates "Una historia particular" en La 2 de Televisión Española (TVE), el mismo año en que se casó con el periodista Ramón Pellicer. Un año después, en 1988, comenzó a presentar el programa "3x4", con el que alcanzó gran popularidad. Otero presentó en los años siguientes, y siempre en TVE los programas "La Lluna" (TVE Cataluña), "La luna" (1989), "Telepasión española" (1990) y "La Ronda" (1991).

A partir de 1991 y hasta 1999, volvió a la radio para dirigir y presentar el programa "La Radio de Julia" en Onda Cero que comenzó siendo nocturno para pasar, tras su éxito, a la franja de tarde. Durante este periodo, hizo incursiones en la televisión, en 1992 presentó "Jocs de Nit" en TV3, en 1993 dirigió el concurso "Los cinco sentidos" en Antena 3, "Un paseo por el tiempo" (1995) de nuevo en TVE y en Telecinco "La semana que viene" (1998), un programa que se emitió en la noche de los domingos. Durante 1997 fue columnista del diario barcelonés La Vanguardia.

Fuente: Wikipedia

• El artista se hizo conocido en 1985 por salir en calzoncillos en un anuncio de Levi's, y su popularidad le hizo iniciarse en el mundo de la música.

El mundo de la música se ha teñido de negro después de conocerse la noticia de que el artista Nick Kamen ha fallecido a los 59 años, tal y como el cantante Boy George informó en Instagram con un post en el que se despedía de él.

Ivor Neville Kamen, más conocido como Nick Kamen, saltó a la fama en 1985 por protagonizar un anuncio de la marca Levi's en el que aparecía en calzoncillos en una lavandería. Esto hizo que comenzara a llamar la atención como sex symbol y, con solo 18 años, inició su carrera en el mundo de la música.

Incluso Madonna se fijó en él y le propuso cantar el tema compuesto por Stephen Bray. En 1986 lanzaron 'Each Time You Break My Heart', la canción con la que la reina del pop quiso colaborar con él por su "carisma" y su "hermosa voz".

Este éxito, que alcanzó el número cinco en las listas de Reino Unido, hizo que Kamen continuara con su carrera, llegando a grabar cuatro discos entre 1987 y 1992. Pero, sin duda, su canción más popular y por la que más se le conoce es 'I Promised Myself', que fue lanzada en 1990 y alcanzó el número uno en ocho países europeos distintos.

Por ello, muchos han sido los rostros que han querido despedirse de él después de que haya fallecido a los 59. "¡Que descanse en paz el hombre más bello y dulce, Nick Kamen!", escribió Boy George.

La diseñadora Susie Cave, esposa del músico Nick Cave, se despidió de su "querido amigo" en sus stories, mientras que el cantante pop Kavana también lo hizo en Twitter alabando al fallecido: "Hermoso por dentro y por fuera".

Fuente: 20 Minutos

Karin Inger Monica Nilsson (Kisa, Östergötland, 4 de mayo de 1959) es una actriz sueca. Fue muy conocida por su papel protagonista en la serie de televisión "Pippi Långstrump".

Su carrera empezó muy temprano, cuando tenía diez años, interpretando el papel de Pippi Långstrump que le conseguiría fama mundial y estancaría en buena medida su carrera, limitándose después de Pippi a tres papeles más hasta nuestros días (excluyendo roles teatrales). A pesar de haber limitado tanto su carrera, dice no lamentar haber interpretado a este personaje infantil.

Fue la intérprete de la canción de la serie televisiva y las películas en su idioma materno y también en finlandés, idioma que no habla. En 1978 grabó un disco que no tuvo mucho éxito de ventas.

Desde entonces ha trabajado con varios grupos de teatro libre, incluyendo Kronobergsteatern de Växjö, Friluftsteatern de Södertälje, Lisebergsteatern de Göteborg y Konstparadiset de Falun. En 2000 el director suizo Xavier Koller la convenció de tomar un papel en su filme "Gripsholm", basado en una novela de Kurt Tucholsky. Desde 2006 interpreta el papel de la médica forense Ewa en la versión televisiva alemana de las historias policiales de la autora sueca Mari Jungstedt.

"Debo de ser la única persona en Suecia que no ha leído Pippi Calzaslargas".

En 1974 Inger recibió el Premio TP de Oro al Personaje más popular por su papel de Pipi Calzaslargas en la serie de televisión.

Fuente: Wikipedia

Miguel Rafael Martos Sánchez, más conocido como Raphael (Linares, Jaén, España; 5 de mayo de 1943), es un cantante y actor español, reconocido por ser uno de los precursores de la balada romántica en España y en los países de habla hispana.

Su despegue como estrella musical se produjo a principios de la década de 1960. Entre sus canciones más famosas de este período se encuentran «Yo no tengo a nadie», «Poco a poco», «Al ponerse el sol», «Yo soy aquel», «Hablemos del amor», su versión de «Mi gran noche», «Cierro mis ojos», «Digan lo que digan», «La Sandunga» y «La Llorona», estos últimos temas de origen mexicano.

Raphael expresó en una entrevista realizada por la Corporación de Radio y Televisión Española RTVE que los artistas que influyeron directamente en su estilo fueron Pedro Infante, Elvis Presley, Carlos Gardel, Manolo Caracol, Luisa Ortega, Fosforito y Adriano Celentano, a los cuales solía escucharlos con gran frecuencia durante su niñez y adolescencia, a la vez manifestó que también escuchaba a Édith Piaf y Juanita Reina.

En 1966 filmó su primera película como protagonista: "Cuando tú no estás", a la que siguieron en años sucesivos siete películas más, todas con gran éxito de taquilla en todo el mundo, incluso en Rusia, Ucrania y Japón.

En 1966 y 1967 representó a España en el Festival de Eurovisión con las canciones «Yo soy aquel» y «Hablemos del amor», ocupando las posiciones 7.ª y 6.ª, respectivamente, lo que le convirtió en un artista internacionalmente conocido, comenzando una interminable serie de giras, cantando en los teatros y recintos más importantes del mundo, como el Olympia de París y el Madison Square Garden. El 25 de octubre de 1970 se presentó en el famoso "Show de Ed Sullivan", emitido desde Nueva York, cantando en vivo en francés, inglés e italiano, y consiguiendo una gran repercusión, al punto que volvió a aparecer en el mismo a los pocos meses.

En 1982 recibió un disco de uranio por las ventas de más de 50 millones de discos durante su carrera musical, premio único en el mundo entregado también a Michael Jackson y Queen. En estos años graba más canciones que se harán célebres a ambos lados del océano: «Qué sabe nadie», «En carne viva» y «Como yo te amo». En 1992 alcanzó un formidable éxito con el tema de ritmo latino «Escándalo», compuesto por Willy Chirino.

A lo largo de su carrera Raphael ha grabado duetos con varias estrellas internacionales, como Raffaella Carrà, Tom Jones, Charles Aznavour, Albert Hammond, Patti LaBelle, Rita Pavone, Paul Anka e incluso con la actriz Gina Lollobrigida, así como con muchas de las principales figuras hispanas de varias generaciones: Julio Iglesias, Celia Cruz, Rocío Jurado, Mónica Naranjo y Gloria Trevi entre otros.

Desde hace más de 40 años interpreta canciones compuestas por el también español Manuel Alejandro, quien ha sido el compositor de Raphael en varios de sus discos. También interpreta en sus conciertos canciones del cantautor castellanomanchego José Luis Perales: «¿Y cómo es él?», «Yo sigo siendo aquel» y «Frente al espejo».

Actualmente, Raphael es considerado uno de los cantantes más activos de los llamados «divos de la balada romántica», realizando giras por toda América y Europa, transmitiendo desde hace 60 años de carrera artística, un repertorio pletórico de novedad, por lo cual sus canciones más antiguas se están grabando de nuevo, remasterizándose así con sonidos modernos más allegados a la juventud actual.

Fuente: Wikipedia