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'Alien', 40 años de la mejor película de terror en el espacio de la historia

• La mítica película de Ridley Scott se estrenó en los cines norteamericanos a finales de Mayo de 1979.
• H.R. Giger diseño el famoso xenomorfo, y Sigourney Weaver convertiría a Ripley en un icono del cine de acción.

Un simple huevo de gallina. Esta fue la primera imagen inquietante que pudieron ver los espectadores, hace 40 años, de la película de ciencia-ficción y terror 'Alien'. Aparecía en el póster de la película y en el primer tráiler porque el diseño de los recipientes definitivos que se hallarían en la luna LV-426 aún no estaban terminados.

Al huevo le seguían imágenes angustiantes, sólo sonidos y sin diálogos, y sin mostrar nunca a la amenaza que torturaba a sus protagonistas. Siete tripulantes de una nave, la Nostromo, en una misión espacial de transporte de carga minera hacia la Tierra, más un gato. Para ver al otro aterrador pasajero, el octavo según una coletilla del título original, habría que esperar a la película. El tráiler acababa con una frase que también se ha hecho mítica: "En el espacio nadie puede oír tus gritos".

La nave Nostromo, un espacio cerrado y oscuro que bien podría ser también el de una sala de cine, según debería pensar Barbara Gips, la redactora de publicidad a la que se le ocurrió el leiv motiv. El caso es que 'Alien' llegó a un número limitado de salas comerciales de Estados Unidos el 25 de Mayo de 1979.

A partir del 22 de Junio pasó a exhibirse en un gran número de cines, y en España se estrenaría el 25 de Septiembre. El resto es historia, un título mítico y de referencia.

El guión original era obra de Dan O'Bannon y Ronald Shusett. Juntos habían sido guionistas de 'Dark Star', una producción de bajo presupuesto de John Carpenter, y presentaron su nueva creación a diversos estudios vendiéndola como "Tiburón, pero en el espacio". Por entonces pocos o nadie confiaban en la viabilidad económica de una película de ciencia-ficción, hasta que 'Star Wars' entró en escena y arrasó en taquilla en 1977.

Y al igual que la legendaria película de George Lucas, fue 20th Century Fox la que aceptó llevarla adelante con un presupuesto limitado, pero que acabaría hinchándose de los pocos más de cuatro millones de dólares a casi once. Al contrario que el destino de la mayoría de pasajeros de la Nostromo, la fortuna les sonrió.

Sólo en Estados Unidos y Canadá recaudó 80,9 millones de dólares (286,3 millones ajustados a la inflación), la cuarta más taquillera aquel año en la que la gran triunfadora sería Kramer vs. Kramer (con 106,3 millones), y ganaría el Oscar a los mejores efectos visuales.

Fue además el feliz resultado de la inspiración de varios de los integrantes del equipo artístico y creativo, como un joven y entusiasta director británico que hasta ese momento solo había dirigido un largometraje, 'Los duelistas' (1977). Ese cineasta era Ridley Scott, que tres años después estrenaría otra obra maestra de la ciencia-ficción, 'Blade Runner'.

En cuanto al aspecto del xenomorfo, el monstruo que se infiltraba en la Nostromo, también fue una idea de Ridley Scott. Le sedujo una litografía del artista gráfico y escultor suizo H.R. Giger titulada 'Necronom IV', y decidió que había que contratarle para que alumbrara una criatura similar para la terrorífica propuesta.

H.R. Giger se implicó a fondo y creó parte de los escenarios, también el famoso esqueleto petrificado del Space Jockey y otros de los repelentes bichos como el "facehugger" (el parásito que se pegaba a la cara de sus víctimas para engendrar), el "chestburster" (el "recién nacido" que se abría paso reventando los pechos de sus huéspedes) y, claro, los citados huevos. Todo regado con unas referencias sexuales que no daban lugar a sutilezas.

Por si todo no era lo suficientemente aterrador, el compositor Jerry Goldsmith se encargó de darle una atmósfera musical aún más siniestra. Pero el destino de lo que daría lugar a una saga podría haber sido muy distinto si Ridley Scott hubiera logrado rodar e incluir uno de los finales que tenía previsto.

Era el del xenomorfo arrancándole la cabeza a la teniente Ripley (Sigourney Weaver). Se colocaría su trofeo como casco y pondría rumbo a la Tierra imitando la voz de su víctima humana. Un final que nos habría privado de seguir contando con Ripley en las posteriores secuelas.

La teniente Ripley pudo ser... Meryl Streep

El guión original no especificaba el sexo de sus personajes. Sin embargo el mayor protagonismo acabó recayendo en la teniente Ripley. Un personaje que fue ofrecido a la que por entonces aún era una joven y prometedora actriz, Meryl Streep. Pero en esos momentos estaba demasiado afectada por la muerte de su pareja, el también actor John Cazale, y declinó el papel. Fue entonces cuando se recurrió a la segunda opción, Sigourney Weaver.

Sigourney interpretó a Ripley en cuatro ocasiones y se convertiría en la primera de las grandes heroínas del cine de acción y ciencia-ficción (aunque había precedentes, como la Barbarella de Jane Fonda en los 60). Un reconocimiento que le acarrearía una nominación al Oscar en la secuela 'Aliens, el regreso' (1986) dirigida por James Cameron. La tetralogía se completaría con 'Alien 3' (1992) y 'Alien: Resurrección' (1997).

Ripley aparte, el guión también había tramado un diabólico plan para sus personajes: éstos irían muriendo en función de la popularidad de sus intérpretes, John Hurt y Tom Skerrit entre ellos.

Secuelas, precuelas y nueva película

El propio Ridley Scott dirigió dos precuelas, 'Prometheus' (2012) y 'Alien: Covenant' (2017), como complemento a la tetralogía anterior, pero sin alcanzar la repercusión de las dos primeras. Además se llegaron a realizar dos crossovers de bajo presupuesto, 'Alien vs. Predator' (2004) y 'Alien vs. Predator: Requiem' (2007).

Para conmemorar los 40 años del estreno, se organizó un concurso de cortos relacionados con el universo 'Alien', los seis seleccionados se pueden visionar en la web AlienUniverse.com. También se ha anunciado una nueva serie para Hulu (una plataforma de streaming propiedad de Disney) con Ridley Scott ejerciendo como productor.

Y todavía se habla de realizar una quinta película. Un proyecto cancelado que dirigiría Neill Blomkamp (el director de 'District 9') y produciría James Cameron, con la idea de pasar página con lo sucedido en 'Alien 3' y 'Alien: Resurrección'. Sería una secuela directa de 'Aliens' de 1986.
Fuente: 20 Minutos

“Regreso al Futuro” volverá en 2020 convertido en musical

• La obra llegará primero a los teatros de Inglaterra y de ahí espera poder expandirse.

“Regreso al Futuro”, el clásico de ciencia ficción, se encuentra cerca de cumplir 35 años desde su estreno. La obra maestra dirigida por Robert Zemeckis y producida por Steven Spielberg se ha ganado un hueco en el corazón de muchas generaciones que han crecido viendo las aventuras de Marty McFly y el Doctor Brown. Ahora, todos los fans de la triología están de enhorabuena, la película original llegará a los teatros en forma de musical.

La noticia en sí no es nueva puesto que es algo que se anunció hace tiempo. Pero los continuos retrasos y problemas internos hicieron imposible que la obra se estrenase para el 30 aniversario de la película, como estaba originalmente planeado. Ahora, en una entrevista a PlayBill, el director de la cinta fijaba la fecha prevista del estreno para Febrero de 2021.

El musical de “Regreso al Futuro” se estrenará originalmente en Manchester primero y en Londres después. En cuanto al equipo que hay detrás, se sabe que el encargado de la producción será el propio Zemeckis. La dirección será para John Rando, que cuenta con varios premios Tony por su obra “Urinetown“, además de haber adaptado a teatro otros clásicos del cine como “Superman“. Por ahora, del reparto solo se conoce que el actor Olly Dobson tomará el relevo de Michael J. Fox como Marty McFly.

Sin más detalles, queda por saber cuáles serán los temas principales del musical, que a buen seguro contará con escenas míticas como la de Johnny B. Goode en el baile del instituto. Si la obra tiene éxito, algo que parece asegurado, podría expandirse por todo el mundo y, quien sabe, llegar a tener su propia versión en español.
Fuente: Área Jugones

Los 'restos mortales' de la icónica banda británica Pink Floyd llegan a Madrid

• Madrid se convierte en la cuarta ciudad del mundo que acoge 'The Pink Floyd Exhibition: Their Mortal Remains'.
• Batió records en el Victoria and Albert Museum de Londres donde recibió más de 400.000 visitas.
• Reúne más de 350 objetos y artefactos relacionados con los autores de 'The Dark Side of the Moon'.

Hablar de Pink Floyd es hablar de una banda que cambió la historia de la música para siempre. Del grupo que grabó su primer disco, 'The Piper at the Gates of Dawn' (1967), al mismo tiempo y en la habitación contigua de los estudios Abbey Road donde los Beatles dieron forma a su 'Sgt. Peppers's Lonely Hearts Club'. Del referente por excelencia de la psicodelia británica, que daría paso, posteriormente, al rock sinfónico y progresivo. De la experimentación sónica sin parangón, de las letras de alto contenido filosófico y del mimo por todos los detalles extramusicales: desde las portadas de sus discos a la puesta en escena de sus espectáculos en directo.

Pocas bandas de rock les han llegado a los talones en cuestión de ventas. El que se considera su álbum de cabecera, 'The Dark Side of the Moon' (1973), es el tercer disco más vendido de la historia de la música y permaneció más de 17 años en las listas de éxitos. Los genios de las estadísticas estiman que en uno de cada cinco hogares británicos tienen este álbum y que, a nivel mundial, una de cada doce personas lo ha comprado. Las ventas de la totalidad de su discografía superan a día de hoy los 300 millones de discos.

Detrás de esta historia de éxito, sin embargo, también asoman muchas sombras. Las de Pink Floyd tuvieron nombre y apellido: Syd Barrett, el iluminado primer líder de la banda, a quien el destino acabaría por acorralar y arrinconar debido al excesivo consumo de drogas y la enfermedad mental (unos hablan de psicosis, otros de esquizofrenia pero sigue siendo un misterio). En Abril de 1968 abandonaría definitivamente la formación. Llegaría a publicar dos discos en solitario para acabar recluyéndose en su Cambridge natal hasta su muerte en 2006. Sin embargo, el sentimiento de culpabilidad nunca abandonaría al resto de sus compañeros, que le dedicarían otra de sus obras cumbre: 'Wish You Were Here' (1975) en el que se incluye el escalofriante tema 'Shine On You Crazy Diamond'.

Adentrarse en esta historia de luces, sombras y psicodelia es posible ahora gracias a la exposición 'The Pink Floyd Exhibition: Their Mortal Remains' ('Pink Floyd: Sus restos mortales'), que recala en el Espacio 5.1 de Ifema en Madrid por un tiempo prolongado, hasta el 15 de Septiembre, y precedida por su éxito en el Victoria and Albert Museum de Londres, donde logró en 2017 más de 400.000 visitas superando el récord de la muestra sobre otro icono: 'David Bowie Is'.

Un recorrido cronológico a través de medio siglo de una banda icónica que incluye más de 350 objetos y artefactos: como letras de canciones escritas a mano, instrumentos musicales, cartas, diseños originales y elementos escénicos. Muchos de ellos se exhiben por primera vez en esta exposición tras pasar décadas en almacenes, estudios de grabación o en las colecciones privadas de alguno de los miembros del grupo.

Sus psicodélicos comienzos se recrean, por ejemplo, con ejemplos gráficos de sus atmosféricas proyecciones, elaboradas con aceites y luces, así como el equipamiento utilizado por su diseñador de iluminación de aquella época: Peter Wynne Willson. También se celebra el arte y la tecnología con una pintura original de Syd Barrett (pintor de vocación antes que músico) o el conocido como Azimuth Co-Ordinator, dispositivo que utilizaba Richard Wright durante los años 60 para 'balancear' el sonido en directo del grupo a través de un joystick.

Ya adentrados en los setenta se muestran los avances tecnológicos puestos a su disposición en los estudios Abbey Road, instrumentos como la batería Hokusai Wave de Nick Mason, una selección de las famosas guitarras de David Gilmour o algunas de sus bandas sonoras para películas como Zabriskie Point de Antonioni.

El trabajo del estudio de diseño Hipgnosis, responsables de la cubierta de 'The Dark Side of the Moon'; del arquitecto Giles Gilbert Scott, que ideó toda la imaginería alrededor de la Central Eléctrica de Battersea para 'Animals' (1977); o del ilustrador Gerald Scarfe para 'The Wall' (1979) son otros de los puntos fuertes. Algunos de los enormes inflables imaginados por Mark Fisher para la gira de 'The Wall' se han recreado para la ocasión, así como el traje de bombillas que aparece en la portada de 'Delicate Sound of Thunder' (1988) o las cabezas parlantes de 'The Division Bell' (1994).

Por supuesto, la música y las palabras de todos los integrantes de la banda -Syd Barrett, Roger Waters, Richard Wright, Nick Mason y David Gilmour- recorren toda la exposición, que también cuenta con un espacio inmersivo que revive sus grandes clásicos o su última actuación en el Live 8. "Queremos mostrar las oportunidades que aún existen de innovación en el futuro. Por eso esta muestra debía ser mucho más que la historia de una banda formada por cuatro chicos de clase media", precisaba ayer mismos el batería Nick Mason durante la presentación en Madrid.
Fuente: 20 Minutos

¡Feliz Día de Goku! ¿Cómo ha evolucionado el protagonista de 'Dragon Ball' a lo largo de sus 35 años?

• El 9 de Mayo se celebra el Día de Goku, una festividad de Japón establecida en 2015.

Estamos de celebración. Y no una celebración cualquiera, pues se trata de un evento que afecta a un personaje que ha marcado la infancia de muchos, Goku.

El 9 de Mayo se celebra el Día de Goku, una festividad nacional creada en Japón en honor al protagonista de 'Dragon Ball'. Este día fue establecido en 2015 después del estreno de la película 'Dragon Ball Z: La resurrección de F' y del anuncio de la nueva temporada de la serie, 'Dragon Ball Super'.

La fecha elegida no es otra que la coincidencia con su nombre. Go y Ku se pronuncian como cinco y nueve, respectivamente, es decir, el día nueve del quinto mes según la forma japonesa de leer las fechas.

Las redes celebran el Día de Goku

A pesar de tener su origen en Japón, el día traspasa fronteras e incluso las compañías aprovechan el tirón. Bandai Namco ha sacado este año un nuevo personaje para el videojuego 'Dragon Ball FighterZ', y no es otro que el propio Goku en su versión 'Dragon Ball GT', es decir, el Goku al que volvieron a convertir en niño.

Las diferentes versiones de Goku

El Goku en edad infantil

Akira Toriyama comenzó a publicar el manga de 'Dragon Ball' en la revista Shueisha en 1984. En estos 35 años Goku ha cambiado mucho, aunque sigue perdurando la misma esencia del personaje.

Pero si hay que destacar una versión de Goku por encima de otras, esa es sin duda la primera, el Goku niño con cola de mono. Llegó a la Tierra desde otro planeta allí conoció a personajes como Bulma, su compañera de aventuras, Yamcha o a su futura mujer Chichi.

El Goku de aquel entonces era un personaje infantil, glotón y de actitud desenfadada. En definitiva, era un niño. Pero un niño Saiyan con mucho poder y fuerza que apartaba su actitud inmadura para tomarse en serio las batallas.

En 'Dragon Ball GT' ya era un adulto, pero lo maldicieron y volvió a ser un niño. Entonces el personaje era diferente, seguía manteniendo la personalidad adulta y madura. Aunque bueno, Goku nunca ha sido maduro... ni adulto.

Super Saiyan 3

Otra de las transformaciones más destacadas es la de Super Saiyan 3. Varios cambios llegaron antes de que el personaje alcanzara este nivel de poder, pero muchos vivimos a este Goku como el más poderoso de todos.

Los niños que vimos 'Dragon Ball Z' como la serie de nuestra infancia vivimos este cambio como el más importante. Del Goku adulto de pelo moreno comenzó a cambiar a rubio al pasar a Super Saiyan 2, igual que otros personajes como Vegetta o Trunks.

Pero su pelo creció en este nuevo nivel y su semblante era mucho más fiero. Sin duda, una transformación que dejaba claro que Goku era el eterno salvador de la Tierra.

Super Saiyan God

Años después, en la película 'Dragon Ball: La batalla de los Dioses', la serie revivió con una nueva historia y, cómo no, un nuevo Goku. El protagonista adquirió el nivel Super Saiyan God gracias a un ritual con otros Saiyan.

Su pelo rojo era algo nunca visto en el personaje y su aura calmada pero poderosa transmitía la esencia de un dios, como su propio nombre indica. Super Saiyan God no solo es símbolo de fuerza, también del renacimiento de la saga.

Vegetto

Por último, pero no menos importante, otro de los niveles de Goku lo hizo no solo cambiar de nombre y aspecto, sino fusionarse con su mejor amigo y a la vez rival: Vegetta.

Todo el mundo amaba la relación de amor y odio que tenían estos dos personajes protagonistas. Los dos Saiyan lograron apartar sus diferencias y unirse por un fin muy noble: derrotar a Cell y salvar la Tierra de su exterminio.
Fuente: 20 Minutos